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出版者:重庆大学出版社

作者:杨晓钰 编

出品人:

页数:131

译者:

出版时间:2004-7

价格:10.70元

装帧:

isbn号码:9787562430469

丛书系列:

图书标签:

• 英语歌曲
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《跨越旋律的边界：世界各地音乐的奇妙旅程》 想象一下，在一个夏日的午后，微风轻拂，你坐在窗边，手中捧着一本厚重的书籍。翻开它，你仿佛踏上了一段穿越时空的音乐之旅，从古老的东方传说到 pulsating 的非洲鼓点，从优雅的古典乐章到奔放的摇滚狂潮，每一页都为你徐徐展开一个充满活力的音乐世界。 《跨越旋律的边界：世界各地音乐的奇妙旅程》并非一本简单的音乐百科全书，它更像是一位经验丰富的向导，带领你深入探索全球各地丰富多彩的音乐文化。这本书的魅力在于，它不仅仅罗列事实和数据，而是通过引人入胜的叙事，将音乐的起源、发展、演变以及它们在不同文化中的独特地位娓娓道来。 第一篇：声音的起源——从远古的回响到文明的诞生 旅程的第一站，我们将回溯人类文明的黎明。在这里，你将了解到，音乐并非是后来才出现的艺术形式，而是根植于人类最原始的本能。从史前人类在洞穴中敲击石块、摩擦树枝发出的声响，到部落时期简单的歌谣和仪式，音乐是如何与生存、宗教、社交活动紧密相连的？书中会揭示这些早期音乐的形态，以及它们如何随着人类社会的发展而逐渐丰富。 你将跟随作者的脚步，探索古埃及、古巴比伦、古希腊、古罗马等伟大文明如何孕育出独特的音乐传统。了解那些被历史长河掩埋的古老乐器，体会那些在神庙祭祀、宫廷庆典、市井生活中的乐曲。我们会深入分析古希腊音乐的理论体系，以及它对西方音乐发展产生的深远影响。你会惊叹于古代音乐的智慧，它们在技术和情感表达上所达到的高度，远远超乎我们现代人的想象。 第二篇：文明的交织——丝绸之路上的音乐回声 当陆上和海上的丝绸之路连接起东西方，音乐也随之开始了跨越地域的交流与融合。这一篇将带你踏上这条充满传奇色彩的贸易之路，倾听在驼铃声中传唱的民歌，感受在港口城市中碰撞出的音乐火花。 你将看到，来自东方的琵琶、二胡等乐器如何传入中亚、波斯，乃至遥远的欧洲，而西方的竖琴、笛子等乐器也可能在东方留下了踪迹。我们将探讨佛教音乐、伊斯兰音乐在传播过程中如何吸收和转化各地特色，形成独树一帜的风格。这本书将让你体会到，在人类历史的长河中，文化之间的交流并非单向的输出，而是一种动态的、相互滋养的过程。 第三篇：古老的智慧与创新的力量——东方音乐的璀璨明珠 我们将目光聚焦于东方大陆，深入探索这片土地上孕育出的灿烂音乐文明。在这里，你将不仅仅是旁观者，更是参与者，感受中国传统音乐的博大精深，品味印度古典音乐的神秘与灵动，领略日本雅乐的庄重与典雅，以及东南亚各国民族音乐的独特魅力。 在中国，你将了解宫廷雅乐的恢弘，民间小调的生动，戏曲音乐的百转千回。从五音到七律，从五声调式到复杂的音律体系，本书将以浅显易懂的方式解读中国传统音乐的奥秘。我们将探寻古琴、编钟等古老乐器的历史渊源，感受它们所承载的文化底蕴。 在印度，你将沉浸于拉格（Raga）与塔拉（Tala）的精妙结合，体会北印度音乐（Hindustani）与南印度音乐（Carnatic）各自独特的魅力。本书将带领你领略音乐大师的即兴演奏，感受音乐如何直接触及灵魂。 你还将有机会领略日本雅乐的宁静致远，体会其仪式感和象征意义。而东南亚各国，如泰国、越南、印度尼西亚等，其音乐更是充满了异域风情，从曼陀林到甘美兰，本书将为你打开一扇扇认识这些国家音乐的大门。 第四篇：奏响时代的乐章——西方音乐的史诗演进 从古希腊的余韵，到中世纪的圣歌，再到巴洛克、古典、浪漫主义直至现代音乐，西方音乐的发展史宛如一部波澜壮阔的史诗。本书将为你梳理这条清晰的脉络，让你理解不同时代音乐风格的形成及其社会文化背景。 你将了解到，格里高利圣歌如何在教会的传播中奠定基础，复调音乐如何在文艺复兴时期蓬勃发展。本书将重点介绍巴洛克时期如巴赫、亨德尔的宏伟乐章，古典主义时期如莫扎特、海顿的精致典雅，以及浪漫主义时期如贝多芬、肖邦的激情澎湃。 更重要的是，本书将分析这些伟大作曲家的创作理念，他们的音乐如何反映时代精神，又如何突破前人的藩篱。你将不仅仅是欣赏音乐，更能理解音乐背后的思想和情感。 第五篇：革新与融合——20世纪至今的音乐浪潮 进入20世纪，音乐迎来了前所未有的变革与多元化。爵士乐的兴起、摇滚乐的诞生、电子音乐的出现，以及各种音乐风格的融合，都让世界音乐的面貌焕然一新。 本书将带你走进20世纪的音乐现场，感受爵士乐的即兴魅力，摇滚乐的叛逆精神，迪斯科的热情奔放。你将了解到，流行音乐是如何在全球范围内传播，并不断吸收各种音乐元素，形成更加丰富多样的风格。 我们将探讨电子音乐的出现如何改变了音乐的创作和表现方式，从合成器到采样技术，音乐的边界被不断拓展。同时，本书也将关注世界音乐（World Music）的兴起，它不仅是对不同地域音乐的挖掘和推广，更是不同文化之间对话的产物。 第六篇：音乐的未来——跨越边界的无限可能 在旅程的终点，我们将展望音乐的未来。随着科技的进步，人工智能在音乐创作中的应用，虚拟现实音乐体验的出现，以及音乐传播方式的不断革新，音乐将以何种姿态走向未来？ 本书将鼓励读者进行思考，音乐的本质是否会改变？文化与科技如何共同塑造未来的音乐景观？“音乐”这一概念又将如何被重新定义？ 《跨越旋律的边界：世界各地音乐的奇妙旅程》是一场关于音乐的盛宴，它邀请你放下 preconceived notions，以开放的心态去倾听、去感受、去理解。无论你是音乐初学者，还是资深乐迷，这本书都将为你打开一扇通往音乐世界的全新大门，让你发现隐藏在旋律背后的无限精彩。它是一次文化的探索，一次心灵的洗礼，一次对人类创造力最美好的赞颂。

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这本书的文字风格极其独特，有一种返璞归真的味道，读起来让人感觉像是在和一个经验丰富的老友面对面聊天，而不是在啃一本教材。它极力避免了那种故作高深的腔调，用词精准而富有生活气息。例如，在描述一首乡村歌曲中那种饱经风霜的嗓音时，作者用了“那声音仿佛被午后的阳光暴晒了三十年，带着泥土和汗水的味道”，这种强烈的感官代入感，瞬间拉近了听众与歌曲的距离。这种评价方式的优势在于，它彻底打破了“高雅艺术”与“大众流行”之间的壁垒。书中收录的歌曲风格跨度极大，从早期的蓝调根源到现代的独立摇滚都有涉猎，但所有的评论都保持了高度的同理心和尊重。它不评判音乐的价值高低，而是着重挖掘每首作品在特定时间点上，对人类情感共鸣的独特贡献。这种平等和包容的态度，让我在阅读过程中感到非常舒适和放松，即便是涉及一些比较晦涩的音乐流派，作者也能用最朴实的比喻将其阐释清楚，让人读完后立刻想去寻找这些被“重新发现”的经典。

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说实话，我很少对一本纯粹关于艺术欣赏的书籍产生如此强烈的“实用感”。这本书最让我惊艳的地方在于，它提供了一套非常系统且可操作的“欣赏工具箱”。我过去听英文歌，经常是听完一遍就忘了，对旋律的记忆模糊不清。但这本书里介绍的“旋律动机追踪法”和“和声色彩对比分析”等方法，听起来很高深，但作者用日常的语言和清晰的图表（虽然是文字描述的图表）把它变得极其易懂。举个例子，书中分析一首八十年代合成器流行歌曲时，详细对比了主歌和副歌在节奏型上的微小变化如何有效地增强了副歌的爆发力，这种细致入微的观察，让我意识到自己过去听歌时错过了多少精彩的细节。更重要的是，这本书不仅教你如何欣赏别人的作品，更潜移默化地影响了你自身的审美倾向。读完后，我发现自己开始主动去寻找那些在编曲上更有心思的作品，而不是只追逐爆红的快餐式歌曲。它成功地将一个被动的听众，塑造成了一个主动的、带着批判性思维的音乐探索者。

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这本《英语歌曲欣赏》简直是为我这种对欧美流行音乐情有独钟，但又苦于听不懂歌词、无法真正领会歌曲精髓的人量身打造的。我一直很困惑，为什么有些旋律明明很抓耳，但仅仅停留在表面的“好听”，而那些真正经典的歌曲，总能让人在某个瞬间被歌词深深触动？这本书的出现，彻底弥补了我的遗憾。它不是那种干巴巴的乐理分析，也不是那种只会罗列歌手生平的百科全书。它更像是一位资深的音乐导游，带着你深入到歌曲的“灵魂”之中。例如，书中对Bob Dylan某首抗议歌曲的解析，不仅仅是翻译了歌词，更把我们带回了那个特定的历史背景下，让你理解为什么那些看似简单的词句能迸发出如此强大的力量。作者对歌曲意象的捕捉极其敏锐，比如用“破碎的镜子”来形容失恋歌曲中复杂的情感层次，这种比喻极富画面感，让人读完后，再回放那首歌时，耳边仿佛立刻浮现出了歌词所描绘的场景。对于不熟悉西方文化的读者来说，书中对一些俚语和文化典故的解释也做得非常到位，让你在欣赏音乐的同时，不知不觉间也丰富了自己的文化知识储备。我尤其欣赏它在选择曲目上的独到眼光，涵盖了从经典摇滚到现代民谣的多个流派，拓宽了我原有的听歌范围，真正做到了“欣赏”而非“泛听”。

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坦白说，我期待这本书能提供更多关于现代音乐制作技术的深入剖析，比如数字音频工作站（DAW）在编曲中的最新应用，或者特定混音师如何通过电平控制来塑造歌曲的空间感。这本书的优势在于其深厚的文学性和历史洞察力，它着力于挖掘歌曲的“人文价值”和“叙事结构”，对于歌曲背后的工业流程和技术细节涉及较少。虽然它在音乐理论的普及性上做得非常出色，特别是对西方音乐结构基础的介绍清晰明了，但对于那些更偏向于“硬核”制作或希望了解录音棚幕后故事的读者来说，可能会觉得略有不足。例如，书中对一首前卫摇滚作品的分析，侧重于其歌词对社会异化的批判，但如果能增加一小节关于其复杂的音轨叠录技术如何服务于这种“异化感”的探讨，那这本书的立体感会更强。总的来说，它是一部极佳的“人文关怀式”音乐鉴赏指南，更适合那些希望通过音乐提升精神世界和文化素养的读者，而非技术发烧友。

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拿到这本书时，我本来还担心它会过于学术化，毕竟“欣赏”这个词往往意味着某种深度的理论探讨。然而，实际阅读体验完全超出了我的预期，它更像是一本引人入胜的“音乐侦探小说”。作者叙事的手法非常高明，总能把一首歌曲的创作过程描绘得如同悬念迭起的案件侦破。比如，对一首爵士乐标准曲的分析，它没有直接给出固定的解释，而是通过追溯不同演唱者对同一首歌的处理差异，来引导读者自己去感受“演绎”的魅力。书中的结构安排也很有心思，它没有按照时间顺序或流派强行划分，而是根据某种“情感主题”进行串联，这使得阅读过程中的情绪起伏非常自然，读着读着，我常常会情不自禁地放下书，去把正在读的那首歌找出来细细品味。我最喜欢的是它对“留白”的解读，很多时候，歌曲的精髓恰恰在于那些没有被唱出来的部分，这本书非常擅长解析这些潜台词和音乐空间的处理，让人学会如何用耳朵去“阅读”音乐。对于那些追求深度体验的听众来说，这本书无疑是一份宝藏，它教会我们如何从音乐中挖掘出更深层次的人性思考和哲学意味。

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