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出版者:朝华出版社

作者:委会

出品人:

页数:128 页

译者:

出版时间:2003年01月

价格:25.8

装帧:平装

isbn号码:9787505408173

丛书系列:

图书标签:

• 美术
• 中国美术
• 艺术史
• 绘画
• 书法
• 雕塑
• 工艺美术
• 艺术作品
• 文化
• 艺术

《中国美术.5》是一套宏大的中国美术史著作，致力于系统梳理和深入研究中国悠久而辉煌的艺术发展脉络。本书（在此泛指该系列）的编纂旨在为读者提供一个全面、深入且富有洞察力的中国美术图景，涵盖从远古时期直至近现代的各个重要阶段、流派、艺术形式以及代表性艺术家及其作品。 作为系列的重要组成部分，本卷（此处为《中国美术.5》）的探讨将聚焦于中国艺术史上的特定时期或特定艺术领域，通过详实的史料考证、精辟的理论分析和高质量的图像呈现，揭示该时期/领域中国艺术的独特魅力、发展轨迹及其在世界艺术史上的地位。 本书的撰写秉持严谨的学术态度，力求在内容上做到既有广度，又有深度。在广度上，它会涵盖绘画（包括水墨画、工笔画、壁画、版画等）、书法、雕塑、陶瓷、玉器、建筑、园林、工艺美术等多个艺术门类，展现中国艺术的丰富多样性。在深度上，则会深入剖析不同时期艺术的社会背景、文化思潮、哲学观念、技术演变以及审美趣味，力图展现艺术与历史、文化、政治、经济等相互作用的复杂关系。 《中国美术.5》的读者群广泛，既包括对中国艺术史有浓厚兴趣的普通读者，也包括艺术史研究者、美术院校学生、艺术家、收藏家以及对中华文化感兴趣的国际友人。为了便于不同层次读者的阅读，本书在表述上力求清晰易懂，避免过度晦涩的专业术语，同时又保留必要的学术严谨性。 在图像呈现方面，本书精选了大量高清、精美的艺术作品图片，力求最大程度地还原作品的真实色彩、质感和细节，并配以详尽的图说，解释作品的背景、年代、作者、艺术价值以及相关故事。这些图片不仅是重要的视觉资料，也是理解和欣赏中国艺术的窗口。 本书的研究方法是多元的，既借鉴了传统的文献研究和图像学研究，也吸收了当代艺术史研究的新视角和新方法，例如社会史、性别史、跨文化交流等的研究视角，力图从更全面、更客观的角度来解读中国艺术。 《中国美术.5》不仅仅是一部艺术史的记载，更是一次对中华民族审美智慧和创造精神的礼赞。它旨在通过对中国艺术的深入研究，帮助读者理解中华文明的独特精神内核，感受中华民族源远流长的艺术血脉，从而提升对美的感知力和鉴赏力。 在阅读《中国美术.5》的过程中，读者将有机会领略中国艺术家们如何运用精湛的技艺和深邃的思考，将自然之美、人文之情、哲学之理融入到他们的创作之中，并不断创新、演进，形成了独具东方韵味的艺术传统。从古老的陶器纹饰到气势磅礴的山水画，从飘逸的书法到精美的青铜器，中国艺术的每一个篇章都承载着中华民族独特的审美追求和文化印记。 本书的编排结构清晰，通常会按照时间顺序或专题进行组织，使读者能够循序渐进地了解中国艺术的发展历程。每一章节的撰写都力求逻辑严密，论据充分，通过对具体艺术作品和艺术家的分析，来阐述某一时期或某一艺术流派的特点和贡献。 总而言之，《中国美术.5》将是一部内容翔实、论述深刻、图文并茂的中国美术史著作，它将为读者打开一扇通往中国艺术宝库的大门，让更多人能够深入了解、欣赏和传承这份珍贵的文化遗产。

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我是一个对中国古代哲学与艺术精神交叉领域抱有浓厚兴趣的爱好者，这本书在探讨艺术流派演变时，其深厚的学理支撑给了我极大的启发。它没有停留在对“是什么”的简单罗列，而是深入剖析了特定历史时期社会结构、士人阶层心态是如何催生出某种特定的审美范式的。比如，书中对明代晚期文人画“拟古”现象的分析，就极具洞察力地指出了那份看似复古背后的焦虑与自我重塑的挣扎。作者的叙述逻辑严密，论证过程层层递进，引用的文献和理论模型也十分扎实，读起来既有学术的严谨性，又不失文学的流畅性。我常常需要停下来，反复咀嚼那些关于“意境”和“气韵生动”的哲学阐释，这迫使我重新审视自己对中国传统美学的固有认知，是一次非常富有挑战性且收获颇丰的智力之旅。

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坦率地说，这本书的目录结构和章节划分，初看起来有些许晦涩，对于刚接触中国美术史的新手来说，可能需要花费一番力气去建立清晰的知识地图。它的叙事节奏偏向于宏大叙事和阶段性总结，而非聚焦于某个具体艺术家的生平轶事，这点需要读者有一定的心性沉淀。但一旦适应了这种由宏观到微观的推进方式，其整体的脉络梳理便显露出巨大的优势——它清晰地勾勒出了从史前陶器到近现代变革之间，艺术语言如何在不同地域、不同朝代间互相影响、继承与决裂的复杂关系网。这种全局观的构建，对于理解中国艺术史的“连续性”与“断裂性”至关重要，让原本零散的知识点最终汇集成了一条清晰的河流，奔流不息，极具启发性。

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我特别欣赏这本书在材料科学和工艺技术层面的细致描述，这常常是许多艺术史著作容易忽略的“硬核”部分。书中对青铜器铸造的失蜡法、玉器琢磨的力度与工具选择，乃至宣纸纤维构成对书画墨色渗透的影响，都有着近乎考古报告般的精确描述。这种对“物性”的深度挖掘，让原本抽象的艺术形式获得了坚实的物质基础。例如，书中关于敦煌壁画颜料的矿物来源分析，不仅解释了其色彩的持久性，更隐晦地揭示了丝绸之路沿线文化交流的深度。对我这种热衷于探究艺术背后技术支撑的读者而言，这些技术细节的穿插，使得整个美术史的叙述不再漂浮，而是牢牢地扎根于古代匠人的智慧与汗水中，充满了踏实的敬意。

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这本书给我的感受是，它像一位沉静的智者，娓娓道来，不急不躁，却字字珠玑。它没有迎合当代快餐文化的阅读习惯，反而鼓励读者慢下来，去感受时间在艺术品上留下的痕迹。无论是对魏碑的雄强冷峻的剖析，还是对南宋院体画的精微写实的赞叹，其文字的温度始终保持着一种克制而有力的学术风范。我发现自己阅读这本书时，总会不自觉地放慢语速，仿佛生怕错过了一丝一毫的语意变化，生怕对不起作者倾注的心血。它更像是一部可以反复研读的工具书与思想启蒙读物的完美结合体，每一次重读都会发现先前遗漏的精妙之处，是那种真正能陪伴你走过多年艺术探索之路的案头良伴。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，那厚实的纸张和细腻的印刷质感，光是捧在手里就能感受到一种沉甸甸的历史厚度。封面那种留白的古典韵味，配上恰到好处的烫金字体，简直像是从故宫的典藏库里直接拿出来的一样。我尤其欣赏它在色彩还原上的用心，那些宋代山水的淡雅青绿，唐代壁画的浓烈矿物质色彩，都得到了极为忠实的呈现。翻阅其中关于魏晋风度的章节时，那种对笔墨气韵的捕捉，简直是身临其境。能感觉到编者在图片选择上的极致考究，每一幅摹本、每一方碑拓，都仿佛经过了千挑万选，绝非市面上那些粗制滥造的图册可比。对于一个注重视觉体验的读者来说，这本书的视觉享受是无与伦比的，它不仅仅是知识的载体，更像是一件可以细细品味的艺术品，值得长期置于书架之上，随时取阅，重温那些流淌在纸张上的千年之美。

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