写意花鸟画提高班(上册) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787806735299

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• 写意花鸟画
• 绘画技法
• 艺术提升
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《写意花鸟画提高班(上册)》是一套专为有一定基础，渴望在写意花鸟画领域取得更大突破的画家和爱好者设计的进阶教程。本册内容深入浅出，旨在系统性地提升学员的笔墨技巧、造型能力、构图意识以及画面意境的营造。 核心内容概述： 本册首先从 写意花鸟画的笔墨语言 入手，对各种常用笔法进行了细致的讲解与示范。这包括但不限于： 用笔的技法： 涵盖了提、按、顿、挫、转、折、拖、扫等多种笔法，以及如何根据描绘对象（如花瓣、叶片、枝干、鸟羽）的不同质感和形态，灵活运用这些笔法来表现其筋骨、神韵。我们将探讨如何通过笔墨的浓淡、干湿、虚实变化，赋予画面丰富的层次感和生命力。例如，如何用“飞白”表现老树的苍劲，如何用“宿墨”表现水墨淋漓的荷叶，如何用“破墨”法表现花瓣的通透感。 用墨的奥妙： 重点讲解墨色的运用，包括焦、浓、淡、清、白五种墨色的变化，以及如何在同一画面中巧妙地运用不同墨色来表现对象的立体感、质感和光影。我们将学习如何“以墨为主，以色为辅”的创作理念，如何通过墨色的叠加和渲染，营造出墨韵生动、层次丰富的画面效果。 用色的观念： 在写意花鸟画中，色彩的运用往往是点睛之笔。本册将教授学员如何恰当运用色彩，强调“色不碍墨，墨不碍色”，以及如何通过色彩的冷暖、明暗对比来增强画面的表现力。我们会详细解析传统写意花鸟画中的经典用色方法，如“三绿”、“三青”、“赭石”、“花青”等的调配与运用，并指导如何根据对象的时令、生长状态以及画家想要表达的情绪，来选择和搭配色彩。 在掌握了基本的笔墨工具之后，本册将进入 具体的物象描绘 阶段，针对常见的花鸟题材进行深入的技法解析和创作指导： 花卉的画法： 梅、兰、竹、菊（四君子）： 作为写意花鸟画的基础，我们将深入剖析四君子的笔墨精神和绘画要领。例如，梅花的“铁骨红”、“玉骨冰姿”如何用笔墨表现；兰草的“风中摇曳”、“露中含珠”如何用笔墨勾勒；竹子的“节节高升”、“疏影横斜”如何用墨色表现其虚实；菊花的“金风送爽”、“霜染秋容”如何用色彩和笔墨烘托。 牡丹、荷花、月季、水仙等： 针对不同花卉的形态特征，如牡丹的雍容华贵、荷花的出水芙蓉、月季的层叠浪漫、水仙的素雅脱俗，分别传授独特的勾、染、皴、擦、点等技法。例如，如何用“大写意”笔法画出牡丹的饱满花头；如何用“没骨”法画出荷花的清新脱俗；如何用“积墨”法画出月季的层次感；如何用“游丝描”画出水仙的纤细花梗。 鸟禽的画法： 翎毛的描绘： 重点教授如何用不同笔触来表现鸟类的羽毛，如用“介字描”表现羽翼的层次，用“点垛”法表现羽毛的蓬松感，如何用细笔勾勒出鸟类的眉目精神。 鸟的结构与神态： 深入分析鸟类的身体结构、站姿、飞姿、歇息姿态等，以及如何捕捉鸟类的神情，如灵动的眼神、挺拔的站姿、舒展的翅膀。我们会从写生的角度出发，讲解如何提炼鸟类的基本形态，并将其融入到写意画的创作中。 常见鸟类的具体画法： 如喜鹊的灵动、黄鹂的婉转、燕子的轻盈、猫头鹰的神秘、雄鹰的威武等，分别传授其造型要领和神态刻画的技巧。 画面构图与意境营造： 在本册的后期，我们将重点关注 构图的艺术 和 意境的表达。 构图法则： 讲解写意花鸟画中常用的构图原则，如“疏密有致”、“虚实相生”、“藏露得当”、“黄金分割”等，并指导学员如何在具体的创作中运用这些法则来安排画面元素，使画面既有主体突出，又兼具整体的和谐与美感。我们会分析大量的经典画作，从中提炼构图的精髓。 意境的营造： 写意花鸟画的最高境界在于“意”。本册将指导学员如何通过笔墨、色彩、构图的巧妙结合，来传达画家的情感、思想和对自然的感悟。我们将探讨如何通过画面的留白来营造空间感和想象力，如何通过描绘特定季节、特定光影来烘托气氛，以及如何赋予画面以诗意和哲理。例如，一幅描绘寒梅的画，如何通过疏朗的枝干、点点红梅以及皑皑白雪，传达出坚韧不拔、傲雪独立的精神；一幅描绘雨中荷花的画，如何用湿润的笔墨和点点雨滴，营造出清新、宁静的意境。 学习方法与实践指导： 本册不仅提供理论知识，更注重 实践指导。 写生与创作的关系： 强调写生在写意花鸟画创作中的重要性，指导学员如何进行观察、写生，并从中提炼创作素材。同时，也讲解如何将写生与写意相结合，做到“外师造化，中得心源”。 临摹与创新的结合： 鼓励学员通过临摹经典作品来学习前人的笔墨技法和创作经验，但同时也要强调在此基础上进行创新，形成自己的风格。 案例分析与点评： 穿插大量的名家作品赏析和局部放大讲解，帮助学员理解大师的创作思路和笔墨运用。 《写意花鸟画提高班(上册)》旨在为学员打下坚实的写意花鸟画基础，开启通往更高艺术境界的征程。通过系统学习，学员将能够更自信、更深入地表达对自然万物的热爱与理解。

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这本书的装帧和选材给我留下了极其深刻的印象，但这种印象是复杂的。从物质层面看，纸张的质感非常考究，印刷的色彩还原度也相当高，能够清晰地展现出原作中微妙的墨色层次。然而，内容上，我发现它几乎没有提供任何“步骤分解图”。市面上很多提高班的书籍，即便是讲意境，也会用“起笔—行笔—收笔”的方式来细化一个造型，比如画一只蝴蝶的翅膀纹理或者一枝梅花的虬枝。这本书则不然，它更倾向于展示“完成品”，然后配以作者的感悟和对画面的结构分析。这种展示方式，对于已经形成一定肌肉记忆，需要突破瓶颈的画家或许是极好的“对镜自省”的机会，但对于像我这样，还需要“看清每一步”才能模仿学习的群体来说，无疑增加了学习的难度。我需要看到的是“如何到达”的过程，而不是仅仅被告知“为什么它美”。

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我购入这本书的初衷，是希望能找到一些针对性强的“疑难解答”。比如，我一直对画竹子的“节”和“风骨”把握不准，总觉得画出来干巴巴的，没有那种傲然挺立的气势。我期待《写意花鸟画提高班（上册）》能针对性地剖析几种不同状态的竹子画法，给出墨色的浓淡干湿变化范例，甚至可以有针对性地对比古人如文同、郑板桥的风格差异。然而，这本书的内容更像是进行了一次宏大的文化漫游。它涉及了禅宗思想对水墨的影响，以及宋代院体画与文人画在审美取向上的分野，篇幅很长，文笔典雅，读起来像是在听一场高水平的学术讲座。虽然这些知识背景的补充很有价值，能拓宽视野，但对于我迫切希望解决的“如何画出有生命力的竹子”这个问题，它提供的直接操作指导却非常稀少，更多的是启发性的引导，让我感觉自己像是在云端欣赏风景，而不是脚踏实地去学习如何攀登。

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这本书的阅读体验，更像是一场与一位高境界的前辈进行的心灵对话，而不是一次高效的技能培训。我原本期待能找到一些关于“如何处理不同季节花卉的写意特征”的对比性章节——比如春天的嫩绿、夏天的繁盛、秋天的萧瑟，每种季节感如何通过特定的笔触和墨法来体现。然而，这本书的重点似乎放在了超越季节和物象本身的“永恒意境”上。作者似乎在告诉我，一旦掌握了“道”，所有的“术”都会自然而然地涌现。这种论调无疑是高屋建瓴的，但对于日常练习而言，我更需要的是具体的、可操作的“术”。比如，如何区分不同种类花卉（如牡丹与芍药）的写意笔法差异，如何通过调整水分来模拟不同质地的花瓣等等，这些偏向于技法细节的讲解，在全书中几乎是缺席的，这使得本书在作为一本“提高班”教材的实用性上，打了一个问号。

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这本《写意花鸟画提高班（上册）》，从书名来看，我本以为会是一本系统讲解写意花鸟画技法的工具书，像那种手把手教你如何调墨、如何用笔锋勾勒出花瓣和枝干的书籍。然而，当我翻开之后，发现它更多的是一种“心法”的探讨，而非“招式”的传授。书中花了大量的篇幅去讨论中国传统文化中“写意”的哲学内核，如何通过寥寥数笔，捕捉到物象的神韵而非形似。这种对意境的强调，对我这样一个习惯了临摹范本的初学者来说，是相当大的冲击。我原本以为提高班会直接切入到难度更高的组合构图和复杂物象的处理上，但这本书却让我回到了最基础的“心手相应”的层面。它引导读者思考，一朵花的“精神气质”是什么，一只鸟的“动态”应该如何用线条去表达。虽然有些观点非常深刻，但对于急于求成的我来说，可能需要更扎实的技法支撑才能真正领会这些理论。它更像是一本画论，而非一本技法教材，适合有一定基础，想从“匠气”走向“书卷气”的画家去研读。

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坦白说，读完这本书的前三分之一，我感到有些迷茫，因为它似乎完全偏离了我对“提高班”的预期。我以为是技术层面的精进，结果它更像是一本关于东方美学和哲学思考的导读。书中充满了对“气韵生动”的各种阐释，引用了大量的古代文献，讨论了如何从自然万物中汲取灵感，如何让画作具有内在的生命力。我甚至从中读出了不少书法理论的影子，比如对“中锋、侧锋”在水墨中的延伸应用。这种广博的视野确实令人佩服，作者无疑是一位学养深厚的艺术家。但作为一个具体的目标导向型学习者，我希望看到更多关于构图平衡的案例分析——例如，如何处理画面中的“虚白”空间，如何利用留白来引导观者的视线，以及如何在高密度的花卉描绘中保持呼吸感。这些具体而实用的构图技巧，在书中并未得到足够的展开，反而是哲学思辨占据了主导地位。

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