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出版者:Simon & Schuster (Trade Division)

作者:Norman Lebrecht

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-07-07

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780684821290

丛书系列:

图书标签:

• 20世纪音乐
• 音乐史
• 音乐理论
• 音乐分析
• 作曲家
• 现代音乐
• 西方音乐
• 音乐文化
• 音乐流派
• 音乐百科全书

20世纪音乐风潮：一部关于时代脉搏的音乐编年史 20世纪，一个充满剧烈变革与前所未有的艺术探索的时代，音乐领域同样经历了翻天覆地的变化。从古典音乐的晚霞余晖，到爵士乐的兴起，再到摇滚、流行音乐的席卷全球，无数新生的声音和风格在此期间孕育、成长并深刻影响了世界。本书，并非对某个特定时期音乐风格的详尽分析，也不是对某一位音乐家生平的传记，而是一幅宏大的时代音乐画卷，它旨在捕捉20世纪音乐发展的脉络、关键转折点以及那些塑造了我们听觉世界的杰出人物和作品。 我们将跟随时代的脚步，回溯20世纪初，那些从浪漫主义余韵中挣脱，迈向全新和声语言的先驱们。勋伯格、韦伯恩、贝尔格，他们的十二音体系和无调性音乐，挑战了传统的音乐美学，开启了前卫艺术的新篇章。与此同时，斯特拉文斯基的《春之祭》以其原始的生命力和打破常规的节奏，在首演时引起了轰动，标志着音乐向着更为大胆和原始的方向迈进。这些开创性的探索，不仅是对现有音乐理论的颠覆，更是对人类情感表达极限的不断挑战。 当我们步入20年代和30年代，爵士乐如同一股奔放的野火，从美国南部的新奥尔良迅速蔓延至世界各地。路易斯·阿姆斯特朗的即兴演奏、艾灵顿公爵的精妙编排，以及无数爵士乐手的创新，为音乐注入了新的活力和灵魂。爵士乐的自由精神和即兴创作，深深地影响了后来的流行音乐，也成为了20世纪文化的重要组成部分。 第二次世界大战的阴影并未阻碍音乐的脚步。战后，音乐家们继续探索新的表达方式。电子音乐的兴起，利用合成器和录音技术创造出前所未有的音响效果，为音乐的未来打开了无限可能。施托克豪森、瓦雷兹等作曲家，在声音的实验室里进行实验，挑战听众的感知极限。 而在大众音乐领域，摇滚乐以其强烈的节奏、叛逆的精神和充满活力的舞台表现，在50年代和60年代彻底改变了音乐的面貌。猫王埃尔维斯·普雷斯利的出现，标志着摇滚时代的开启，随后披头士、滚石乐队等英国乐队的崛起，更是将摇滚乐推向了世界顶峰。摇滚乐不仅仅是一种音乐风格，更是一种文化现象，它承载着年轻一代的理想、反叛和对自由的渴望。 进入70年代和80年代，音乐风格日益多元化。迪斯科的节奏、朋克的粗粝、新浪潮的电子化，以及嘻哈音乐的崛起，都为20世纪的音乐图景增添了更多色彩。计算机技术的发展，进一步推动了音乐的创作和传播，独立音乐、电子舞曲等多种风格蓬勃发展。 本书还将审视音乐在20世纪社会变革中的作用。从反战歌曲到民权运动的音乐，音乐总是与时代同呼吸，成为表达社会情绪、传递思想理念的重要媒介。同时，我们也关注电影配乐、电视音乐的兴盛，以及音乐产业的商业化进程，这些都深刻地影响了音乐的生产、传播和消费方式。 本书并非试图描绘一幅包罗万象的音乐全集，因为20世纪音乐的丰富性和复杂性，早已超出了任何单一著作的范畴。相反，它旨在提供一个广阔的视角，让读者能够理解20世纪音乐发展的宏观趋势，感受不同风格之间的联系与演变，以及音乐如何作为时代精神的折射，反映了人类在技术、社会和文化方面的深刻变革。通过梳理这些重要的音乐事件、人物和流派，我们希望能为读者开启一扇通往20世纪音乐世界的大门，去聆听那些曾经震撼世界的旋律，去理解那些塑造了我们音乐品味的伟大创新。

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这本书的价值，在我看来，绝不仅仅在于罗列事实和作品名录，更在于它提供了一种看待二十世纪音乐的全新“视角”。作者似乎非常擅长捕捉隐藏在宏大历史叙事之下的那些细微的情感脉络和哲学思辨。比如，在探讨序列主义音乐兴起的那一部分，作者并没有仅仅停留在技术层面的讲解，而是深入挖掘了二战后欧洲知识分子对于理性秩序重建的渴望，以及音乐如何成为这种焦虑和希望的载体。文字的密度很高，但逻辑链条却异常清晰，读完一段，总会有一种豁然开朗的感觉。我尤其欣赏作者在处理不同地域、不同文化背景的音乐发展时所展现出的平衡感，它没有将焦点过分集中在维也纳学派，而是公平地给予了美国实验音乐、极简主义，乃至非西方音乐思潮应有的关注。每当我感到阅读有些疲惫时，翻到随后的“音乐家访谈录节选”部分，那些直率的、充满个性的言辞总能瞬间拉回我的注意力。这本书真正做到了将“历史”与“人”紧密结合，让你感受到那一代音乐家是如何在时代的洪流中，以手中的乐器和音符，发出自己的呐喊与思考。

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这本书的封面设计实在太引人注目了，那种复古的字体搭配着深邃的墨蓝色背景，让我忍不住在书店里多看了几眼。拿到手里掂了掂，厚度适中，一看就知道内容绝对扎实。我首先被吸引的是它对音乐史脉络的梳理方式，不像传统的教科书那样枯燥乏味，而是像一位经验丰富的向导，带着你穿梭于二十世纪那段波澜壮阔的音乐变革时期。作者的叙事节奏把握得极佳，从德彪西那朦胧的印象派色彩，到斯特拉文斯基那充满原始力量的《春之祭》，再到勋伯格那彻底颠覆传统的十二音体系，每一个转折点都被描绘得栩栩如生，仿佛我能亲耳听到那些划时代的乐音在耳边响起。尤其是关于不同流派之间相互影响和冲突的论述，分析得鞭辟入里，展现了那个时代音乐家们内心的挣扎与追求。这本书的排版也十分考究，适当地穿插了作曲家的小传和一些珍贵的历史照片，让抽象的音乐理论变得具体可感，极大地提升了阅读的趣味性。对于想要系统了解二十世纪音乐发展历程，但又害怕陷入晦涩学术术语的爱好者来说，这本书无疑提供了一个绝佳的入口，它既有学术的严谨性，又不失文学的流畅感，读起来完全没有压力。

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这本书的装帧设计，从内页的纸张质感到字体选择，都透露着一种对经典作品应有的尊重。它不仅仅是一本工具书，更像是一件可以收藏的艺术品。内容组织上，它最成功的一点是打破了传统的时间线索的束缚，更多地采用主题式划分，比如“节奏的革命”、“声音的颜色与质地”、“音乐与政治的张力”等等，这种结构使得读者可以根据自己的兴趣点灵活切入，而不是被动地从头读到尾。我特别喜欢作者在不同主题间建立的那些精妙的联系，比如如何将法雅的西班牙现代主义与拉威尔的印象派进行对比分析，再引申到美国作曲家对民间音乐的吸收，这种网状的知识结构，让二十世纪音乐不再是分散孤立的点，而是一个相互交织的复杂生态系统。此外，书后附带的那个详尽的术语索引和作曲家关系图谱，简直是救命稻草，让我能够迅速定位到感兴趣的知识点进行回顾和深化，极大地提升了这本书作为案头参考资料的实用价值。

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翻阅这本书，总有一种置身于二十世纪初那些充满争议和激情的艺术沙龙中的感觉。作者的文字功底非常深厚，他不仅能够精准地描绘出音乐的结构特征，更能够捕捉到那些转瞬即逝的时代精神和作曲家们创作时的内心独白。特别是对于那些被主流叙事边缘化的流派，比如达达主义音乐和早期偶然音乐的介绍，篇幅恰到好处，既保证了信息量，又不会让人感到陷入小众理论的泥潭。我特别欣赏作者在批判性分析和客观描述之间找到的微妙平衡点，他从不武断地下结论，而是引导读者去思考：“为什么是这样？”而不是“它就是这样”。这种开放性的提问方式，极大地激发了我的独立思考能力。读完之后，我感觉自己对卡尔海因茨·施托克豪森、约翰·凯奇这些名字的理解不再停留在教科书的定义上，而是有了一种更立体、更有人情味的认识，仿佛和他们进行了一次跨越时空的深度对话。这本书无疑是一部扎实、深刻且充满洞察力的二十世纪音乐指南。

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对于我这种半路出家的音乐爱好者来说，很多专业书籍动辄就跳入到复杂的和声分析和对位法讨论中，让人望而却步。然而，这本书的处理方式简直是太贴心了。它仿佛是一位耐心十足的导师，从最基础的语汇开始，循序渐进地引导我们理解二十世纪音乐的“陌生感”从何而来。其中关于“不协和音的解放”这一章节的论述尤其精彩，作者没有简单地把这视为一种技术创新，而是将其置于整个社会文化解放的大背景下进行解读，让我明白了为什么贝多芬之后，音乐不再仅仅追求“悦耳”本身。更让我感到惊喜的是，书中对录音技术和电子音乐的早期发展也有详尽的描述，这部分内容往往被传统音乐史所忽视。作者细致地描绘了录音棚如何成为新的创作工具，声音的物理特性如何被重新审视，这拓宽了我对“音乐”边界的认知。阅读过程中，我频繁地拿起耳机，去对照书中提到的那些标志性录音片段，这种“听读结合”的体验，极大地深化了对文本内容的理解，简直是打开了一个全新的听觉世界。

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