顾恺之、吴道子、任渭长、陈洪绶 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:朝华出版社

作者:贾德江 主编

出品人:

页数:每册25页

译者:

出版时间:2000年5月

价格:每册定价：10.00

装帧:平装

isbn号码:9787505406087

丛书系列:

图书标签:

• 线描
• 艺术作品集
• 中国文学
• W222
• 绘画史
• 中国绘画
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中国绘画的辉煌足迹：从东晋顾恺之到明末陈洪绶 这本著作，将带领读者穿越中国绘画史的漫长岁月中，聚焦于几位在中国艺术史上留下浓墨重彩印记的伟大画师。我们不仅仅是回顾他们各自的艺术成就，更试图在时代变迁与艺术演进的宏大叙事中，捕捉他们创作的时代精神，探寻他们对后世产生的深远影响。本书将以详实的研究、丰富的图例和深入的解读，勾勒出中国绘画从早期文人画雏形，到盛唐时期人物画的巅峰，再到明末士大夫阶层独特的审美趣味的演变历程。 第一章：东晋顾恺之——“以形写神”的开创者 东晋时期，中国社会动荡不安，却也孕育了玄学与清谈之风，这种精神上的自由与超脱，不可避免地影响了艺术的走向。顾恺之，作为这一时期的杰出代表，他的画风被后世誉为“以形写神”的典范。本章将深入探讨顾恺之的艺术理念，他如何超越对物体外形的刻板描绘，转而追求捕捉人物内在的精神气质。我们将分析其代表作《洛神赋图》和《女史箴图》，通过对线条的细腻运用、人物眼神的传神刻画以及构图上的巧妙安排，展现他如何将抽象的精神世界转化为具象的艺术形象。 “以形写神”的理论渊源与实践： 本章将追溯“以形写神”理论的萌芽，分析其在顾恺之笔下的具体体现。研究他如何通过“随其形而六逸”的观察方式，以及“发外形以制内情”的创作手法，使人物形象栩栩如生，仿佛跃然纸上。 《洛神赋图》的意境与情感表达： 详细解析《洛神赋图》的艺术构图、人物造型以及色彩运用。探讨顾恺之如何通过对洛神飘逸姿态、娇羞神情的描绘，以及山川景物的烘托，营造出一种既悲伤又缠绵的爱情意境，将曹植原作中的文学情感升华至视觉艺术的层面。 《女史箴图》的社会意义与艺术价值： 剖析《女史箴图》所反映的东晋女性道德规范，探讨其作为一面镜子，折射出当时社会的价值观。同时，分析画中人物的服饰、发髻、仪态等细节，以及顾恺之在人物动作和表情上的刻画功力，如何使这些古代女性形象具有了超越时代的艺术感染力。 顾恺之画风的影响与传承： 追溯顾恺之的画风对后世人物画的影响，考察其“点睛之笔”理论在唐宋时期的继承与发展，以及他如何为中国人物画确立了写实与写意相结合的传统。 第二章：盛唐吴道子——“吴带当风”的传奇 唐代是中国绘画的黄金时代，国力强盛，文化繁荣，艺术呈现出恢弘大气、色彩绚丽的特点。吴道子，被誉为“画圣”，他以其奔放雄健的笔墨，将唐代人物画推向了前所未有的高峰。本章将重点解析吴道子“吴带当风”的独特风格，探究其源于对现实生活的热爱与观察，以及他在线条运用上的创新。我们将分析其壁画作品，如《地狱变相图》和《孔子见老子图》，通过对人物造型的动态感、衣纹的飘逸感以及场景的宏伟感的描绘，展现他如何将宗教题材和历史人物赋予强大的生命力。 “画圣”的时代背景与艺术革新： 梳理盛唐社会文化对吴道子艺术创作的促进作用，分析他如何打破前代程式化的绘画模式，开创了更加写实、更具动感的绘画风格。 “吴带当风”的线条艺术： 深入解读“吴带当风”的艺术内涵，分析吴道子如何通过遒劲而富有弹性的线条，表现衣物的飘动感，赋予人物强大的动势和生命力。将与其他画家的线条风格进行对比，突出其独特性。 壁画艺术的巅峰之作： 详细考察吴道子著名的壁画作品，如《地狱变相图》所展现的阴森恐怖与惩恶扬善的主题，以及《孔子见老子图》所体现的儒道思想的交融。分析其在构图、色彩、人物表情和场景氛围营造方面的精湛技艺。 对后世绘画的影响： 探讨吴道子画风对唐宋乃至后世人物画、壁画创作的深远影响，考察其“笔简意不减”的创作原则如何成为后代画家学习的典范。 第三章：北宋任渭长——文人画的早期探索 北宋是文人画兴起的关键时期，士大夫阶层将个人情操、哲学思考融入绘画创作，追求笔墨情趣与内在意境。任渭长（任仁发），作为这一时期的重要画家，虽然以画马著称，但其作品中已隐约可见文人画的早期探索。本章将围绕任渭长的艺术风格，重点关注其在水墨写意方面的尝试，以及他对马匹神态的精准捕捉。我们将分析其代表作，如《九马图》等，探究他如何通过笔墨的浓淡干湿变化，以及对马匹肌肉纹理、动态姿态的生动刻画，展现出一种介于写实与写意之间的独特魅力，并以此作为文人画在笔墨趣味上早期探索的一个重要例证。 士人阶层的艺术追求： 探讨北宋文人画兴起的社会背景，分析士大夫阶层如何将绘画作为抒发情怀、表达个性的重要途径。 任渭长与马匹绘画： 详细研究任渭长画马的艺术特色，分析他如何通过对马匹解剖学的深入了解，结合写意的手法，准确捕捉马匹不同姿态下的神韵。 水墨写意的初步尝试： 考察任渭长在水墨技法上的探索，分析其笔墨的浓淡、干湿变化如何赋予画面生动的层次感和空间感，展现出文人画对笔墨趣味的初步追求。 文人画早期风格的体现： 论述任渭长的画作如何体现了文人画早期阶段的特征，即在题材选择、表现手法上，开始摆脱纯粹的写实描绘，融入了画家的主观情感与审美意趣。 第四章：明末陈洪绶——“奇崛”的士人画风 明末是一个社会动荡、文化思潮复杂的时期，传统与革新并行，士大夫阶层的审美趣味也发生了显著变化。陈洪绶，以其“古拙”、“奇崛”的画风独树一帜，成为明末士人画的重要代表。本章将深入解析陈洪绶的艺术风格，他如何继承传统又大胆创新，创造出一种极具个性的绘画语言。我们将分析其人物画，如《九歌图》、《羲之爱鹅图》等，通过对其人物造型的夸张变形、线条的刚劲扭曲以及色彩的浓烈对比的解读，展现他如何将内心的愤懑、孤傲与对古朴审美的追求融入笔端，塑造出一种不同于前代的、充满精神力量的人物形象。 明末社会动荡与艺术变革： 描绘明末时期的社会思潮和文化氛围，分析其如何促使艺术创作呈现出更加个性化、反叛性的特征。 “古拙”与“奇崛”的艺术语言： 深入剖析陈洪绶绘画的独特之处，分析其人物造型的变形、夸张手法如何打破常规，营造出一种强烈的视觉冲击力。探讨其线条的刚劲、扭曲如何表现出强烈的个人情感。 人物画的创新与突破： 详细解读陈洪绶的人物画作品，分析其在题材选择上对古代典籍、历史人物的偏爱，以及他如何通过对人物神情的刻画，表达内心的孤傲、愤懑与对传统的尊重。 陈洪绶的艺术哲学与精神世界： 探讨陈洪绶的艺术创作与其个人经历、哲学思想之间的关联，分析其画作中所蕴含的对人生、社会和历史的深刻反思。 对后世的影响与评价： 考察陈洪绶的画风对清代乃至近现代绘画的影响，以及后世对其艺术成就的评价和研究。 结论：中国绘画的时代精神与艺术传承 在本书的最后，我们将对这四位不同时代、不同风格的伟大画师进行一个整体的回顾与总结。我们将进一步探讨他们作品中所蕴含的中国绘画的独特精神，即对“神”的追求，对笔墨的重视，以及艺术与人生的紧密结合。通过比较分析，我们将看到中国绘画在不同历史时期所展现出的旺盛生命力与不断创新的能力。本书旨在抛砖引玉，激发读者对中国绘画史更深入的了解与热爱，认识到这些艺术巨匠的遗产，不仅是绘画技法的宝库，更是中华民族精神与审美情趣的重要载体。 这本书将是一次穿越时空的艺术之旅，它不仅为艺术史研究者提供严谨的学术参考，也为广大艺术爱好者提供一次深入了解中国绘画精髓的绝佳机会。在每一幅画作的背后，都隐藏着一个时代的呼吸，一位画家的心跳，以及中华民族源远流长的艺术血脉。

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这本书的装帧设计实在是太吸引人了！封面那种带着岁月痕迹的仿古宣纸质感，初上手的时候就让人心头一紧，仿佛握住了某件穿越时空的珍宝。我特别欣赏作者在细节处理上的用心，比如扉页那几行小楷，遒劲有力，一下子就把人拉进了那个笔墨丹青的年代。内容上，虽然我还没有完全读完，但光是目录和前言部分，就已经展现出一种深厚的学术底蕴。它不像市面上那些流行的艺术史快餐读物，而是沉下心来，试图挖掘出那些伟大艺术家的精神内核。尤其是对人物生平与时代背景的交叉论述，那种层层剥茧的分析，让人感觉作者不是在罗列事实，而是在进行一场与古人的深度对话。我期待着接下来的章节，希望能看到作者如何将这些艺术巨匠的生命轨迹，与他们留下的不朽杰作进行有机结合，揭示出艺术创作背后那些不为人知的挣扎与辉煌。这本书的排版也十分精良，留白得当，使得那些严肃的论述读起来也并不感到枯燥，非常适合静下心来，在茶香缭绕中细细品味。

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这本书的装帧和纸张选择简直是为“收藏”而生的，摸上去手感温润，那种细腻的纹理仿佛在低语着历史的厚重。不过，比起外在的美，我更被其中对于艺术史“非主流”脉络的挖掘所吸引。作者没有把笔墨过多集中在那些耳熟能详的定论上，反而是在那些模糊不清、记载稀少的节点上，进行了大胆而审慎的考证和推测。这体现出一种极强的求真精神，也让这本书避免了落入俗套的风险。阅读过程中，我感觉自己像是一个考古学家，在作者的引导下，小心翼翼地剥开历史的尘土，去触摸那些被时间半掩埋的真相碎片。这种探秘式的阅读体验，让人欲罢不能。书中的配图虽然克制，但每一张都选得恰到好处，像是点睛之笔，瞬间激活了文字描述的场景，让抽象的理论变得可感可知。

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老实讲，这本书的学术密度很高，第一次通读时会需要非常专注，因为它不像那种可以轻松快速翻阅的普及读物。作者的行文风格是那种古典的、讲究对仗和韵味的，句子结构相对复杂，处处透露着一种文人的雅致与严谨。我个人非常喜欢这种略带拗口的、需要回味再三的语言，它强迫读者放慢速度，去感受每一个词语背后的深意。这本书的价值在于，它不仅仅是在“讲故事”或者“评作品”，更深层次是在构建一个关于“中国士人精神图谱”的复杂系统。它探讨了艺术如何成为个体对抗世俗洪流的精神堡垒，以及这种精神力量如何跨越千年依旧能感染我们这些现代人。读完之后，我的脑海里留下的是一种对古典美学更深一层的敬畏感，也对如何将这种精神融入到当下的创作实践中，有了更多的思考方向。这本书无疑是值得所有严肃的艺术爱好者反复研读的力作。

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坦白说，我一开始是抱着试一试的心态购入的，毕竟涉及到如此多重量级的文化符号，很容易写成一本平庸的“名人录”。然而，这本书在理论构建上的野心和实现度，完全超出了我的预期。它巧妙地搭建了一个跨越时代的对话框架，使得本来看似不相关的几位艺术家，在作者的笔下被赋予了某种内在的、精神上的血脉关联。我尤其欣赏作者对于“传承”与“颠覆”这一对矛盾体的探讨。他不是简单地赞美，而是尖锐地指出，每一位革新者都必然是前人的继承者，同时又是那个时代局限性的挑战者。这种辩证的视角，让这本书的学术价值陡然提升。对于我这种对中国古典美学有一定了解的读者来说，这本书提供了许多新鲜的切入点，很多过去我认为理所当然的艺术观点，都在作者的重新梳理下，变得更加清晰和富有张力。这是一本需要反复咀嚼、值得在案头常备的案头书。

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这本书的叙事风格简直是一股清流，读起来完全没有一般艺术史书籍那种刻板和说教感，更像是听一位饱学之士在壁炉边娓娓道来的江湖秘闻。作者的文笔极其老辣，对于人物性格的刻画入木三分，活灵活现得让人忍不住会想象出他们当年的音容笑貌。特别是对一些关键历史事件的转述，他总能抓住那种微妙的人性光辉或阴影，用极富画面感的语言将其描摹出来。我印象最深的是其中关于某个画家晚年心境的揣摩，那种笔法之变，似乎都暗合了生命哲学的更迭，读完让人不禁长叹一声，为艺术家的孤独与执着感到唏嘘。这本书的魅力就在于，它没有停留在技法分析的层面，而是深入到了“人”的层面，让我们看到了那些名字背后，活生生的、有血有肉的灵魂。它的阅读体验是沉浸式的，读完一个章节，你需要的不是马上翻到下一页，而是得停下来，点上一支烟，让那种情绪在胸腔里慢慢沉淀。

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