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出版者:清华大学

作者:张黔

出品人:

页数:170

译者:

出版时间:2007-1

价格:24.00元

装帧:

isbn号码:9787302141877

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潜流与回响：新世纪以来全球当代艺术的形塑与张力 书籍简介 本书深入剖析了21世纪初至今，全球当代艺术领域所经历的深刻变革、涌现的关键思潮、以及在社会、科技与政治变迁中展现出的复杂张力。这不是一部关于艺术史宏大叙事的梳理，而是聚焦于那些在特定历史语境下，以独特媒介和观念挑战既有美学范式、重塑观众体验的核心现象。 第一部分：全球化语境下的身份重构与后殖民批判 在全球化进程以前所未有的速度推进的背景下，艺术的地理中心开始瓦解，权力结构和文化话语权也随之松动。本书首先探讨了非西方艺术实践如何以前所未有的力度进入主流视野，特别是来自亚洲、拉丁美洲和非洲的艺术家群体，他们如何利用自身经验批判性地解构西方中心主义的凝视。 我们着重分析了“全球城市”背景下的艺术生态变化。例如，大型国际双年展的角色转变——它们究竟是促进文化对话的平台，还是新一轮文化资本集中的工具？通过考察诸如威尼斯双年展（超越欧洲馆的独立声音）、光州双年展（对亚洲当代性的深入挖掘）以及圣保罗双年展（对南半球议题的本土化回应）的展览策略，我们揭示了艺术家如何在跨文化语境中，运用装置、行为以及新媒体技术，表达关于迁徙、边界和文化杂糅的复杂叙事。 身份政治的深入是这一时期的核心议题。本书细致考察了酷儿理论、性别研究与种族研究如何成为艺术创作的理论基石。艺术家不再满足于简单的身份展示，而是深入探索身份构建过程中的能动性与限制性。例如，身体作为政治场域的运用，从行为艺术的直接冲击，转向通过数字图像和生物科技手段，探讨身体的界限、可塑性及其在公共空间中的可见性问题。我们关注那些挑战二元对立的实践，揭示身份的流动性如何成为一种抵抗既有分类系统的有效策略。 第二部分：科技裂变与媒介的消融 21世纪的艺术实践与信息技术、生物工程以及人工智能的飞速发展密不可分。本书将重点放在媒介本体论的重塑上，探讨艺术家如何将最新的科技成果转化为批判性的艺术语言。 虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及沉浸式装置的普及，标志着艺术体验从“观看”向“在场”的根本性转移。我们分析了如何通过空间叙事和互动设计，模糊了作品与观众之间的界限。这些作品不再是静止的图像或雕塑，而是一个需要观众参与才能完成的“事件”或“环境”。 算法艺术和数据可视化的兴起，也引发了关于创造力来源和版权归属的深刻哲学讨论。艺术家利用大数据、机器学习模型进行创作，挑战了传统上对“天才创作者”的浪漫化想象。本书探讨了这种“后人类”创作模式的伦理困境：当机器成为共同创作者时，艺术的意义是否依然植根于人类的情感和意图？此外，区块链技术在艺术领域的应用，如NFT（非同质化代币），如何重塑了艺术品的稀缺性、所有权和市场价值，以及这种“数字化稀缺性”是否只是对传统收藏体系的另一种资本化循环，是本部分深入探讨的重点。 第三部分：生态危机、物质回归与感知政治 面对全球气候变化和环境恶化的紧迫性，当代艺术对“自然”与“人造”之间关系的再审视成为新的焦点。本书探讨了生态艺术（Eco-Art）如何超越传统的风景描绘，转而深入物质性、地质学和时间尺度。 我们关注那些运用可降解材料、关注污染源头、或以“慢时间”进行创作的艺术家。他们试图通过艺术介入，使那些宏大、抽象的环境危机，转化为可被个体感知的、局部的、物质性的经验。例如，一些艺术家直接与土壤、菌类或水体进行长期合作，作品本身成为生态过程的一部分，其完成度依赖于非人类因素的介入。 与此同时，对“物质性”的重新强调也是一个重要的反动趋势。在充斥着屏幕和虚拟图像的时代，一些艺术家重新回归到传统的手工艺、粗粝的材料（如生锈的金属、未加工的木材）以及身体力行的制作过程中。这种回归并非是对过去的简单复古，而是在反思数字媒介的轻盈和虚无之后，对真实触感、重量和时间在物质中留下的痕迹的执着追求。这种“新物质主义”倾向，试图在美学形式中重新嵌入历史的沉重感和存在的韧性。 第四部分：公共领域的碎片化与社会介入的复杂性 当代艺术在社会介入和政治行动中的角色，在过去二十年间经历了复杂的回调。随着民粹主义思潮的兴起和公共空间的日益私有化，艺术家的介入方式也变得更加微妙和多层次。 本书分析了“社会实践艺术”（Socially Engaged Art）的转型。早期的社会实践往往带有强烈的乌托邦色彩，而新一代的实践则更加注重过程的伦理、权力的再分配，以及对项目失败或局限性的坦诚。艺术家们不再试图“解决”社会问题，而是致力于构建临时的、平行的“微观社区”或“临时自治空间”，在其中测试新的社会互动模式和决策机制。 我们还考察了艺术机构在这一转型中的角色变化——博物馆和画廊如何从纯粹的展示空间，转变为知识生产和社区连接的枢纽。这种机构性的转变引发了关于策展权力的辩论：谁有权定义“重要”的议题？谁的作品得以被纳入“官方”叙事？ 本书旨在为读者提供一个理解当代艺术如何在全球剧烈变动的背景下，作为敏感的感知器官和批判的工具，在技术、身份、生态和公共性之间进行艰难而富有创造性的斡旋的视角。它呈现的不是一个统一的风格流派，而是一系列充满张力、彼此对话甚至互相矛盾的探索实践。

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这本书的叙事节奏把握得极其老道，它没有急于抛出结论，而是像一位经验丰富的导师，带着我们一步步深入探究设计的本源。我最欣赏它那种抽丝剥茧的分析方法，它总能从最微小的切口入手，比如一个圆形的演变，或者一条线条的张力，然后层层深入，最终构建起一个宏大的理论框架。这种由微观到宏观的构建过程，极大地满足了我对知识系统性的渴求。阅读的过程中，我感觉自己仿佛置身于一个充满历史沉淀的工作室里，身边是各种经典的案例和尚未解决的难题。作者的文字功底极为扎实，逻辑缜密，但绝不枯燥，穿插其中的历史典故和哲学思辨，总能在恰当的时候给我带来豁然开朗的体验。它不是那种读完就束之高阁的工具书，它更像是一部可以时常翻阅、每次都能带来新感悟的案头读物。特别是关于“意境”和“氛围”的探讨那几章，极具启发性，它教会我如何去捕捉那些难以言喻的、只有通过精心设计才能传递的情感共鸣。

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这本书的阅读体验非常像是在进行一场沉浸式的艺术之旅，它没有生硬的章节划分，更像是一股连绵不绝的思潮在引导你前行。作者的语言风格非常独特，富有诗意，但又精准有力，仿佛在用一种高级的“设计语言”来撰写文字本身。我被它那种对“形式追随功能”的深刻理解深深吸引。它展示了如何从最基础的几何形态中提炼出文化符号，以及如何在遵循功能限制的前提下，最大化地实现美学的表现力。书中关于材质与光影互动的描述，尤其精彩，我甚至能“看”到那些微妙的反射和阴影变化，感受到材料的温度和质地。这种高度感性的文字描述，配上恰到好处的配图（尽管我不会提及配图的风格），营造出一种强烈的代入感。读完后，我立刻拿起手边的任何一个物体——一支笔、一个杯子——都会下意识地去分析它的线条、比例和结构，这种思维模式的转变，是这本书给我带来的最宝贵的财富。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面细腻的纹理到内页的纸张选择，无不透露出一种匠心独运的考究。我尤其喜欢它对色彩的运用，那些大胆却又和谐的碰撞，总能在我翻阅的瞬间抓住我的全部注意力。它不像那些堆砌概念的理论书籍，而是像一本精心策划的艺术品集，每一页都值得细细品味。我甚至会花上大把时间去研究那些版式布局，那些留白的处理，那种疏密有致的节奏感，简直是教科书级别的范本。它让我意识到，设计不仅仅是内容的载体，它本身就是一种强大的表达语言，一种潜移默化的情绪引导。这本书在排版上的创新性，比如某些章节采用不对称布局，或者利用局部色彩饱和度的变化来引导阅读重点，都让我这个长期从事视觉工作的人都感到耳目一新。这种对细节的极致追求，让我对“美学”这个词有了更深层次的理解，不再仅仅停留在“好看”的层面，而是上升到了结构、比例、以及最终带给人的心理感受的高度。我强烈推荐给所有对视觉传达有追求的设计师和爱好者，仅仅是把它放在书架上，都算是一种品味的彰显。

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这本书的观点具有极强的颠覆性，它挑战了许多我们习以为常的设计定式和美学标准。它并非一味地推崇古典或现代，而是倡导一种更具包容性和动态性的美学观。书中对“缺憾之美”和“不完整性”的探讨，尤其发人深省，它提醒我们，完美并非艺术的唯一追求，有时，恰到好处的“留白”或“不对称”，才是最能触动人心的设计语言。这种开放式的思考引导，鼓励读者自己去构建和定义属于自己的设计哲学，而不是盲目地追随潮流。我发现，这本书促使我重新审视自己过去的作品，去寻找那些被我忽略的、潜藏在表象之下的更深层次的意义。它提供了一种看待世界的全新滤镜，让我们学会从更宏观、更具历史深度的角度去审视每一个设计决策背后的文化动因和审美取向，是一本能激发深度思考的佳作。

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坦白说，我最初对这类题材的书是抱持着一种审慎甚至略带怀疑的态度，因为市面上太多挂羊头卖狗肉的“美学”读物了。然而，这本书彻底颠覆了我的固有印象。它最引人注目的一点是其超强的跨学科整合能力。作者巧妙地将工程学、心理学甚至是人类行为学的观察融入到设计分析中，使得那些原本看似抽象的理论变得无比具体和可操作。例如，书中对人体工程学在界面设计中的应用分析，不仅展示了“为什么”要这样做，更深入地剖析了“如何”用设计语言去优化用户体验，这让我感到极大的实用价值。这种理论与实践的完美结合，让这本书的含金量飙升。我特别喜欢它对当代案例的剖析，不只是简单地赞美，而是用冷静、近乎解剖刀般精准的视角去分析其成功背后的设计逻辑，让人不得不佩服作者深厚的功力和广博的视野。对于想从“知道”跨越到“做到”的设计师来说，这本书是不可多得的桥梁。

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我的第二本美学课本。觉得比第一本好很多了。嗯嗯

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