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出版者:北京体育大学出版社

作者:美国网球协会

出品人:

页数:193

译者:

出版时间:2007-1

价格:29.00元

装帧:

isbn号码:9787811007077

丛书系列:

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《精通古典弹奏：巴洛克时期键盘乐的实践与理论》 图书简介 本书深入探索巴洛克时期（约1600年至1750年）键盘音乐的精髓，旨在为演奏者、音乐学者以及对早期音乐实践抱有浓厚兴趣的读者提供一套全面且富有洞察力的指南。我们摒弃了现代演奏习惯的束缚，专注于重构那个时代音乐家所处的语境、使用的技法以及对乐谱的理解方式。 本书的结构分为三个主要部分：历史语境与乐器考证、演奏技法与实践、以及曲目分析与诠释。 --- 第一部分：历史语境与乐器考证 第一章：巴洛克键盘音乐的起源与演变 本章追溯了从文艺复兴晚期到巴洛克盛期的过渡时期，重点分析了羽管键琴（Harpsichord）和早期管风琴（Organ）在欧洲各地，尤其是在意大利、法国和德意志地区的发展历程。我们探讨了不同地域音乐风格的特性如何影响了键盘乐的创作。例如，意大利的 toccata 传统如何侧重即兴和炫技，而法国的圆舞曲套曲（Suite）则更注重结构和装饰的精致性。 我们详细考察了“气味”（Affections Theory）理论在音乐中的体现，即音乐如何被设计用来唤起听众特定的情感状态。这不仅仅是关于和声或旋律，更是关于音色选择和力度控制（在缺乏动态踏板的羽管键琴上如何实现）。 第二章：乐器形制与音准探究 理解巴洛克音乐，必须理解其载体。本章对羽管键琴、clavichord（古钢琴）和早期的钢琴（Fortepiano，虽然严格意义上其成熟期稍晚，但早期模型的影响不可忽视）的机械结构进行了详尽的解剖。 我们比较了不同地域的乐器构造差异：法国双层键盘羽管键琴的音色分层、意大利单层乐器的清脆音质、以及英国和德意志乐器在设计哲学上的区别。书中附有大量乐器图解和详细的尺寸描述，帮助读者想象其声学特性。 至关重要的一点是音律（Temperament）的讨论。我们深入分析了“良好平均律”（Good Temperament）的几种主要形态，例如维尔纳（Werckmeister）的划分，以及它们如何影响特定调性的听感——某些调性听起来光亮辉煌，而另一些则带有阴郁或紧张的色彩。这对于理解巴赫如何利用调性对比来构建宏大结构至关重要。 第三章：手稿、印刷与版本问题 音乐的传播媒介直接影响了演奏实践。本章探讨了巴洛克时期乐谱的制作方式，从手抄本到早期铜版印刷的演变。我们分析了不同版本之间的差异，例如，手稿中可能存在的抄写错误，或是印刷厂为了简化而进行的删减。 我们指导读者如何批判性地看待现代乐谱版本，辨识其中可能融入的浪漫主义时期解读痕迹（如过度的延音或不符合时代背景的力度标记）。书中提供了一些原始手稿的对比示例，强调了“回到源头”的重要性。 --- 第二部分：演奏技法与实践 第四章：手指定位与触键哲学 本章挑战了现代钢琴演奏中流行的“放松”和“重量下压”的观念，转而探讨巴洛克时期对清晰度、驱动力和关节灵活性的要求。我们研究了当时文献中描述的“手指的独立性”与“均匀性”之间的平衡。 重点内容包括： 1. 指法（Fingering）的选择：如何利用当时的指法习惯（例如，更多使用拇指跨越而非依赖手指的五指固定位）来实现流畅的乐句线条。 2. “拍打”与“抓取”：描述了羽管键琴的机械特性要求演奏者采用更快速、更具弹性的触键方式，而非钢琴所需的深度压入。 3. 双手交织：在复调音乐中，如何清晰地分离和突出各个声部。 第五章：装饰音与即兴的艺术 巴洛克音乐的活力很大程度上来源于其华丽的装饰音。本章将其视为结构性元素，而非简单的“点缀”。我们详细分类讲解了颤音（Trill）、回音（Mordent）、倚音（Appoggiatura）和各种碎音的演奏规则。 最核心的讨论是装饰音的起音位置：是高音还是低音先行？这通常取决于地域风格和具体的小节位置。我们通过分析库朗（Couperin）和巴赫的明确指示，推导出了实践中的通用法则。 此外，即兴创作能力在巴洛克时期是演奏者的基本功。本章也涉及即兴低音（Basso Continuo）的演奏技巧，以及在协奏曲和奏鸣曲中即兴处理乐章间的衔接段落的方法。 第六章：力度控制与音色塑造（没有踏板的时代） 在没有延音踏板和力度控制机制的羽管键琴上，演奏者如何创造出音乐的“呼吸感”和动态对比？ 本章聚焦于： 1. 音色层级（Registration）：对于双层羽管键琴，如何利用不同音栓（Lute Stop, Nasal Stop, Coupler）的切换来制造对比，这相当于现代的“音色变化”。 2. 节奏的弹性（Tempo Rubato的巴洛克形式）：区别于浪漫主义的自由处理，巴洛克的节奏处理更多地体现在对附属音符的微小加速或对关键重音的轻微延迟，以强调文本结构。 3. 对位法的“发光”：讨论了如何在不改变音量绝对值的情况下，通过清晰度、连贯性以及对特定声部重音的微妙强调，使得主旋律或重要声部“听起来更响亮”。 --- 第三部分：曲目分析与诠释 第七章：法国键盘风格的优雅与结构 本章聚焦于法国羽管键琴学派的代表人物，如吕利（Lully）、迪克（D'Anglebert）和库朗。我们分析了他们对舞曲形式（如萨拉班德、加沃特）的精妙编排，以及其乐谱中高度符号化的装饰性记号。重点探讨了如何准确地演奏法国式的“均匀性”（Uniformité）和微妙的节奏摇摆感。 第八章：意大利即兴的活力与赋格的逻辑 本章深入研究了斯卡拉蒂（Scarlatti）的奏鸣曲，分析其单乐章结构中突然的性格转变和精妙的技巧要求。我们探讨了意大利风格中“活力”（Vivace）的来源——通常是快速的琶音、交叉手技巧和明确的二声部对位。 随后，我们将视野转向键盘赋格，特别是巴赫的《平均律键盘曲集》和《哥德堡变奏曲》。本书提供了一种基于早期演奏实践的赋格声部分离方法，着重于清晰地“歌唱”每个声部的线条，而非仅仅追求技术上的完美无瑕。 第九章：管风琴实践：气势与架构 最后，本章将焦点转向管风琴，尤其是北德意志学派（布克斯特胡德、巴赫）。我们详细介绍了如何阅读复杂的管风琴谱，如何根据不同的乐章性质（如托卡塔的狂野即兴与赋格的严谨逻辑）来选择音栓组合。本章提供了关于踏板技巧的实践指导，以及如何在缺乏现代电子控制的条件下，对乐章的结构进行宏观的“建筑式”控制。 --- 结语 本书力求成为一座桥梁，连接现代演奏者与巴洛克键盘音乐的原始精神。通过对历史、乐器和实践技法的全面回归，读者将不仅学会如何“弹奏”这些作品，更能理解它们是如何被创作、被聆听，并最终，如何以最忠实于时代精神的方式重现其光芒。掌握这些知识，演奏将不再是简单的模仿，而是深度的对话与重建。

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说实话，这本书的排版和插图设计实在有些……朴素得过头了。我拿到的是精装版本，纸张质量摸起来倒是挺厚实的，但内页的设计风格，简直像是从上世纪八十年代的教学资料里直接搬出来的。每一页都是密密麻麻的文字，即便是那些试图解释复杂步法和挥拍轨迹的示意图，也显得线条僵硬，缺乏动态感。举个例子，书中介绍反手削球时，为了描述球拍面角度的变化，画了六张几乎一模一样的静态图，只是在细微处用虚线标注了不同帧的差异，这对于需要快速捕捉动作连贯性的学习者来说，简直是一种折磨。我试着对照图纸去模拟练习，结果发现自己完全抓不住那种流畅感。我甚至需要自己拿着手机去录像，然后逐帧对比书上的静态图，才能勉强理解作者想表达的那个“微妙的触球瞬间”。这种体验，让我不禁怀念起那些配有高清视频链接或者至少是动作分解流畅动画的书籍。如果一本关于“成功教学”的书，其视觉传达效果不能帮助读者更好地模仿和内化动作，那么它的“教学”价值就大打折扣了。这更像是一份详尽的文字报告，而不是一本激发学习热情的工具书。

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最后，这本书的更新程度和对现代网球趋势的反映，让我感到有些脱节。书中的案例和技术分析，似乎停留在十年前的某个时间点。当然，网球的基本原理是恒久不变的，但现代网球的打法和器材技术发展得非常快。例如，对于现代轻量化、高张力球拍带来的底线力量和旋转的变化，书中的讨论显得非常保守和谨慎，更多的是强调传统“控制型”打法的好处。而在谈到发球技术时，对于近年来流行的“平击加速发球”的风险评估和应对策略，也显得不够深入和前瞻。我总觉得，一个宣称能提供“成功教学”的当代教材，应该更紧密地结合当前顶级巡回赛中普遍采用的技术革新和战术演变，而不是仅仅停留在对经典动作的完美复述上。读起来总有一种“经验之谈”的感觉，缺乏对未来趋势的预判和对新兴打法的科学解析，这让这本书的“成功”定义，似乎有些固化在了过去。它是一本扎实的旧教材，但可能不是一本面向未来的训练指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书，我可是期待了很久才拿到手的，毕竟“网球成功教学”这个名字听起来就充满了吸引力，仿佛翻开就能立刻掌握制胜的秘诀。然而，当我真正沉下心来阅读时，却发现它更像是一本详尽的“网球理论基础词典”，而不是我原本设想的那种手把手、手把手教你击球要领的实操指南。开篇花了大量的篇幅去阐述网球运动的历史渊源，这部分内容虽然详实，但对于一个急切想上场挥拍的初学者来说，未免显得有些过于学术化了。比如，对于正手击球的分析，书中并没有直接给出“身体重心如何转移”、“击球瞬间手臂伸展的角度”这类立即可用的技巧，而是将其分解为无数个微观的物理学概念，用复杂的图表和公式来解释力量是如何产生的。我理解作者的出发点可能是想让读者从根本上理解网球的力学原理，但这种深度解析，对于我这种更注重实战效果的读者来说，阅读体验略显晦涩。我更希望看到的是，如何通过调整呼吸来保持耐力，或者在关键分时如何调整心态的案例分析。坦白说，这本书更像是为那些想从事网球教学研究或者已经有扎实基础，想追求“完美理论模型”的进阶选手准备的“参考手册”，而不是我期待中那种能让人迅速提升球技的“快速上手秘籍”。读完前三分之一，我感觉自己更像是在上大学的物理选修课，而不是在接受网球训练。

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阅读这本书的过程中，我最大的困惑在于其目标读者的定位非常模糊。它既没有深入到职业选手的细致训练计划中去谈论巡回赛的战术细节，也没有足够简洁明了地为零基础的“小白”提供一套可以立即上场的入门步骤。它似乎卡在了中间地带，试图面面俱到，结果却是哪一方面都没有做到极致。比如，关于双打配合的章节，作者提到了“跑位意识”和“轮转换位”的重要性，但随后便开始讨论不同天气条件下球的飞行轨迹变化如何影响战术选择，这对于两个刚学会发球的朋友来说，简直是天书。我们更想知道的是，谁应该站在网前，谁应该在底线，以及如何进行最基础的“交叉跑位”。相反，在谈论到高阶的底线对抗时，书中又过于依赖于对前辈球星战术风格的引用，而鲜有针对普通业余爱好者在体能受限情况下如何优化战术的建议。感觉作者的视角一直停留在一种理想化的“完美对决”场景中，忽略了现实中大多数球友的局限性和不断进步的过程。这种定位的偏差，使得这本书的实用性打了折扣，让人感觉像是在读一本关于“理论上如何打出完美网球”的论文集。

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我对书中关于“心理建设”那一章的期望值非常高，毕竟网球被誉为“一半是身体，一半是心理”的运动。然而，这一章的内容，更多的是引用了一些非常宏大的哲学概念，探讨了“专注的本质”和“胜利的哲学意义”。这很有深度，我承认，读完后会让人感觉心境平和，仿佛看透了输赢的本质。但是，当我真正站上球场，面对对方一个刁钻的放小球，我的内心是那种肾上腺素飙升的焦虑，而不是哲学家般的超脱。我期待的是具体可操作的“心理急救包”：比如，在连续失误后如何进行“三秒钟快速调整仪式”，或者在关键局点前如何通过特定的身体动作来强制降低心率。这本书提供的心理指导，更像是给一个已经非常稳定、只需要微调的选手看的“锦上添花”，对于我们这些容易被一两分影响全盘心态的普通人来说，就显得有些“不接地气”。它给了我们一个远大的目标——追求内心的平静，却没有告诉我们如何穿越眼前的技术障碍和情绪风暴。这种理论上的高度，让人在实践中感到无力。

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