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出版者:Kodansha America

作者:Michel Beurdelay

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1983-02

价格:USD 63.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780870113871

丛书系列:

图书标签:

• 中国家具
• 明式家具
• 清式家具
• 家具史
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• 文化遗产

东方神韵：中国古典园林艺术的审美与哲学 内容提要： 本书带领读者穿越时空，深入探索中国古典园林——这一凝结了中华民族数千年审美情趣与哲学思想的独特艺术形式。它不仅仅是对自然景观的模仿与再现，更是文人雅士寄托情怀、追求天人合一境界的精神家园。本书以详实的资料、精美的图版和独到的见解，系统梳理了中国古典园林的起源、发展脉络、核心构成要素、地域风格差异及其背后的文化意涵。我们将聚焦于“咫尺之内再造乾坤”的造园手法，解析山、水、建筑、植物在空间序列中的巧妙布局与诗意营造，探讨私家园林（如苏州园林）的精巧曲折与皇家园林（如颐和园）的恢弘大气之间的美学张力。同时，本书还将深入剖析儒家“中庸”、道家“自然无为”以及禅宗“空寂”思想对园林布局、命名、对景所产生的深远影响。通过对留园“曲溪风声”、拙政园“远香堂”等经典意象的细致解读，读者将领略到中国园林如何以有限的空间，容纳无限的意境，实现“虽由人作，宛自天开”的至高境界。 --- 第一章：根植于土地的艺术——中国园林的诞生与演进 中国古典园林，是人类文明史上独树一帜的景观艺术。它并非简单的花草树木的堆砌，而是将建筑、文学、绘画、雕塑等多种艺术形式融为一体的综合性空间艺术。要理解园林，必须追溯其文化基因的源头。 1.1 溯源：从祭祀坛台到私家休憩地 园林的历史可追溯至先秦时期的“囿”——用于狩猎和帝王游赏的苑囿。这些早期的场所，象征着权力与财富的集中，更多地服务于政治目的。随着周代礼乐制度的完善，园林开始融入一定的礼仪功能。 魏晋南北朝时期，是中国园林思想发生质变的关键时期。玄学和道家思想的兴盛，使得人们开始厌倦朝堂的纷争，转而追求自然山水的精神慰藉。竹林七贤的隐逸生活，直接催生了士大夫阶层对“隐居情结”的实践，私人山水园林开始出现雏形，强调“清雅”和“洁身自好”。 1.2 鼎盛：唐宋的成熟与意境的深化 唐代是中国古典园林发展的第一个高峰。无论是宫廷园林（如大明宫含元殿前的池沼）还是文人园林，都展现出大气磅礴、兼收并蓄的时代风貌。唐诗中对园林的描绘，如王维“诗中有画，画中有诗”的实践，奠定了中国园林追求“意境”而非单纯“形似”的审美基调。 宋代，特别是两宋时期，园林艺术达到了理论与实践的统一。文人园林在江南地区（尤以苏州为代表）得到空前的发展。宋徽宗时期编纂的《营造法式》，虽然主要关注建筑，但也反映了对造园技术规范化的探索。同时，以欧阳修、苏轼为代表的文人，不仅是园主，更是园林理念的阐述者，他们强调“以诗入园，以画筑园”。 1.3 蜕变：明清的精工与哲学的内化 明清两代，尤其是江南私家园林和皇家苑囿的建设达到了登峰造极的阶段。明代园林，尤其以拙政园、留园等为代表，注重细节的雕琢和意境的含蓄，体现了儒家中庸之道与道家顺应自然的完美结合。建筑的比例、漏窗的虚实处理，无不体现着深思熟虑的哲学构架。 清代园林在继承前代成就的基础上，吸收了南北方的特色，皇家园林如颐和园、圆明园的体量宏大，彰显了盛世气象。但在精致化和主题化的趋势下，园林的文学性和象征性达到了顶峰。 第二章：天人合一的构建——园林的核心构成要素 中国园林的精髓在于如何用有限的元素，模拟无限的自然。这依赖于对山、水、建筑、植物的精妙运用与有机结合。 2.1 叠山理水：空间的诗意骨架 山与水，是中国园林的两大灵魂。 山： 园林中的山石并非简单的堆砌，而是“立骨点睛”之笔。古人讲究“无石不成山，无水不成园”。山石的选择极为讲究，如太湖石的瘦、透、漏、皱，被视为“自然之骨”。叠山手法模拟自然山脉的走势，或取法嵩洛之雄奇，或效仿江南之秀美。通过堆叠、凿挖、点缀，创造出可游、可居、可观的微缩景观。 水： 水是园林的血脉。水体形态多样，可以是蜿蜒曲折的溪流、宁静开阔的池塘，或用于景观对景的镜面水。水不仅能调节气候，更重要的是提供动态的视觉焦点，通过倒影，实现“天光云影共徘徊”的虚实相生效果。 2.2 建筑的介入：步移景异的序列 园林建筑（亭、榭、轩、廊、舫）是为人服务的实体空间，其设计原则是“顺应自然，服务于游览”。 框景与借景： 建筑的门窗、漏窗、月洞门是绝佳的取景框。通过控制视线，将园外（如远山、邻家竹林）的景物“借”入园内，打破了物理边界，扩大了空间的深度。 空间序列的营造： 游览园林是一个动态体验，园林设计强调“步移景异”。曲折的回廊、忽开忽闭的空间转换，使人不断产生新的期待与发现。从曲径通幽的幽静，到豁然开朗的开阔，节奏变化丰富了游者的心境体验。 2.3 植物的诗意：色彩与气韵的烘托 植物的选择并非随机，而是承载了深厚的文化寓意。松、竹、梅被称为“岁寒三友”，象征坚贞；兰花象征高洁；荷花象征出淤泥而不染。植物的配置讲究层次感和季节感，使得园林在四季流转中，都能展现出符合文人雅士情趣的“气韵”。 第三章：美学哲学的深度交融——园林意境的解读 中国古典园林之所以能够超越一般的园艺设计，关键在于它成功地将哲学、美学和文学融入了空间语言。 3.1 道家思想与自然崇拜 道家“道法自然”、“无为而治”的思想是园林造境的哲学基础。园林力求“天然去雕饰”，反对生硬的人工痕迹。例如，池水边缘不使用规整的石砌，而是采用天然的土坡和乱石相接，以实现“宛自天开”的境界。山石的安排，遵循自然地质的逻辑，体现了对宇宙秩序的尊重。 3.2 禅宗美学与空寂之境 禅宗的“空”与“寂”影响了园林的局部处理，尤其体现在书房或禅思空间。通过对留白（如枯山水庭院的沙石、一块巨石），营造出静谧、内省的氛围。禅宗强调瞬间的领悟，园林中的一处小景，一个奇特的角度，可能就是引导游人进入顿悟状态的媒介。 3.3 文人情怀：诗、书、画的立体呈现 园林是文人将自己的诗词歌赋在物质空间中进行物化的尝试。每一处景观往往都有一个典雅的名字，如“听雨轩”、“掬月池”，这些名字本身就是一首微型诗。园林通过对景、对联、匾额，将文学意境直接投射到游览者的感知中，使人“身临其境，心游物外”。 --- 结语：永恒的精神栖居 中国古典园林，是古代中国人与自然沟通的独特方式，是凝固的音乐，是可居、可游的诗篇。它以含蓄内敛、富有哲理的独特审美，向世界展示了一种和谐共生、物我两忘的东方智慧。本书旨在提供一个深入理解这些“可游可居”的精神载体的窗口，感受那份跨越千年的东方神韵。

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这本书最让我感到惊喜的地方在于它对家具“修复与保护”这一议题的关注。在当今这个热衷于“更新换代”的时代，我们很少有著作能够如此真诚地探讨一件老家具的“生命周期”。作者详细阐述了不同时期使用的天然漆料、蜡的配方，以及如何根据木材的老化程度进行恰当的养护。这不仅仅是技术指导，更是一种对待历史遗存的伦理观的体现。通过作者的描述，我仿佛能感受到那些经过几代人抚摸、使用的家具表面，所散发出的那种独特的“包浆”的光泽，那是一种时间打磨出的温润，是任何现代工艺都无法复制的。书中对一些标志性家具的“身世”追溯也做得引人入胜，例如某件传世的戗金画案，其流转的历史轨迹，穿梭于不同的家族、朝代，本身就是一部浓缩的社会变迁史。这种对文物“故事性”的挖掘，让阅读过程充满了寻宝般的乐趣和对往昔的无限遐想。

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这部关于中国古典家具的著作，以其详实的考据和精美的图版，无疑为我们打开了一扇通往古代匠心独运的门。书中的文字并非枯燥的学术罗列，而是充满了对材料、结构乃至文化寓意的深刻洞察。我尤其欣赏作者在描述一件圈椅或一张条案时，那种近乎于“触摸”的细腻笔触。他不仅仅关注了榫卯的精巧，更追溯了这种结构哲学如何根植于中国传统的天人合一的宇宙观。举例来说，书中对于明式家具“以简驭繁”的审美取向的剖析，简直令人醍醐灌顶。作者没有停留在表面的线条优美，而是深入挖掘了文人士大夫阶层对物质生活去繁就简的精神追求，是如何最终物化为家具的造型语言的。书中对不同地域家具风格的区分也做得极为出色，比如苏式家具的温婉秀美与京作家具的庄重沉稳之间，那种细微的、却又决定性的差异，被作者用近乎文学性的语言描绘出来，读起来丝毫没有阅读障碍，反而让人沉醉其中，仿佛亲身走访了苏州的作坊和紫禁城的陈设之中。这种将历史、美学与工艺融为一炉的叙事方式，让即便是对家具史不甚了解的普通读者，也能感受到其中蕴含的深厚文化底蕴。

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老实说，一开始我对这么一本“专业”书籍抱有敬畏，担心充斥着晦涩的术语和难以理解的结构图。然而，作者的叙事节奏感极佳，像一位经验老到的行家，牵着我们的手，一步步走进了中国家具的殿堂。最让我印象深刻的是关于木材学的部分。不同于其他书籍简单地罗列黄花梨、紫檀的珍贵，作者深入浅出地解释了这些木材的物理特性——它们的密度、纹理走向、以及它们在不同气候下的“脾气”。这种对“材料本身”的尊重，是构成中国家具灵魂的关键。书中对不同年代家具风格演变的梳理，尤其精彩，它不是简单的时间轴罗列，而是将每一次风格的转变都与当时的社会思潮紧密挂钩，例如宋代极简主义的兴起，与当时禅宗思想的渗透有着必然联系。这种宏大叙事和微观剖析的完美结合，使得整本书的阅读体验极为流畅，即便涉及到复杂的力学原理，作者也总能找到恰当的比喻来加以说明，让这些“硬核”知识变得平易近人，令人拍案叫绝。

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如果要用一个词来概括这本书给我的感受，那会是“敬畏”。这种敬畏感并非源于对昂贵材料的膜拜，而是对中国传统工匠群体智慧的深深折服。作者的写作风格是极其克制且严谨的，没有丝毫夸张或煽情的辞藻，但正是这种沉稳的力量，使得书中的论断更具说服力。例如，在讨论到家具的“模块化”概念时，书中指出，古代家具的设计思路，很大程度上已经具备了现代工业设计中“可拆卸、可组合”的思维，只是被含蓄地隐藏在了榫卯的连接之中。这种超越时空的洞察力，让人不禁感叹古人的超前智慧。全书的版式设计也极为考究，图片的选择精准地服务于文字的论述，没有一张多余的插图，每一张都如同精准的注解。阅读完毕后，我感觉自己对“坐”这个动作的理解都加深了，它不再是简单的休息，而是与空间、与文化进行对话的一种仪式。这是一部值得反复翻阅，并在不同人生阶段都能读出新意的杰作。

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这本书的价值，绝非仅仅停留在对家具“形制”的记录上，它更像是一部关于“时间凝固”的史诗。我之所以这么说，是因为作者花费了大量篇幅去探讨家具背后的“使用情境”。比如，关于官帽椅两侧扶手的弧度设计，书中不仅解释了人体工程学的考虑，更引申到古代等级制度下，使用者在特定场合的坐姿与礼仪规范。这种将“物”与“人”、“空间”与“时间”紧密联系起来的分析方法，极大地拓宽了我对“家具”这个概念的理解。不再是冰冷的木头，而是承载了无数生活片段的载体。其中有一章专门讨论了清代宫廷家具中繁复的装饰纹样，作者没有满足于简单地罗列吉祥寓意，而是结合当时的政治气候和审美风尚，分析了这种“堆砌”如何反映了皇权的扩张欲和对“万邦来朝”的心理投射。阅读时，我常常需要停下来，反复琢磨那些被文字放大的细节——一道漆面的裂纹，一块木材的天然瑕疵——作者成功地将这些“不完美”提升到了艺术审美的层面，让我们看到了古人对待自然材料的尊重与顺应。

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