图解中华食品雕刻技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:苏社有

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2001-1

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787538837728

丛书系列:

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• 食品雕刻
• 中华美食
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中国传统雕刻艺术的视觉盛宴：从器物到人物的精湛技艺 本书深入探索中国传统雕刻艺术的广阔天地，聚焦于非食品领域的精妙创作，旨在为读者呈现一场穿越历史、跨越材质的视觉盛宴。我们不涉及任何与食品相关的雕刻技术，而是将目光投向那些承载着深厚文化底蕴和高超工艺的石头、木材、玉石以及金属工艺品。 第一部分：石之魂——玉石与岩石雕刻的千年对话 本部分详尽阐述了中国玉石雕刻的悠久历史与当代实践。玉，在中国文化中拥有至高无上的地位，被视为“五德”之石。本书首先追溯了新石器时代良渚文化中玉琮、玉璧的原始形态，分析了其几何造型中所蕴含的早期宇宙观与礼制思想。随后，重点剖析了汉代玉器的雄浑大气与汉赋般的叙事性，例如对“升仙”主题的刻画，以及对动物纹饰的夸张与象征化处理。 进入唐宋时期，玉雕技艺进入成熟期，器物造型日趋圆润精巧，注重对玉料自然色泽（“俏色”）的利用。我们将详细介绍清代“扬州工”和“苏州工”的工艺流派差异，前者以大气磅礴著称，多用于大型山子雕刻；后者则以细腻入微、注重文人趣味的小件摆件为代表。 在岩石雕刻方面，本书着重介绍了四大名石——青田石、寿山石、巴林石、昌化石的特性与应用。我们不谈论食用材料的雕刻，而是聚焦于篆刻艺术（印章制作）与印纽的雕刻技法。对于寿山石的“荔枝冻”、“高山水洞”等特级石材，我们分析了雕刻师如何通过“薄意”、“浮雕”、“圆雕”等手法，在极小的空间内营造出深远意境。特别是对“薄意”这一独有技法的解析，它要求雕刻者以极浅的层次雕出门窗、山峦或人物的轮廓，体现了中国传统绘画中“计白当黑”的审美哲学。 此外，本书也涉及了大型石刻艺术，如佛教石窟造像（如敦煌、云冈的石雕佛像）的力学结构与面部表情的程式化处理，以及对摩崖石刻的保护与摹刻技术，这些都是对岩石材料掌握的极致体现。 第二部分：木之韵——家具、建筑与佛像的结构美学 木雕作为中国传统工艺中应用最广泛的门类之一，其题材包罗万象，从实用家具到纯粹的宗教艺术品均有涉及。本书系统梳理了不同木材（如黄花梨、紫檀、红木、楠木）的物理特性与适宜雕刻的技法。 在家具雕刻领域，我们深入剖析了明式家具的简约线条与清式家具的繁复装饰之间的风格演变。重点解析了“一榫一卯”的结构哲学与雕刻的有机结合。例如，对清代官帽椅靠背板上“棂格花”的精细镂空技术，以及在案桌、屏风上常见的“高浮雕”与“透雕”的工艺难度对比。我们强调的是木材的结构力学在装饰艺术中的体现，而非其作为载体的其他用途。 在宗教木雕方面，本书详细介绍了中国古代木制佛像的制作流程，包括“一木连雕”、“分段拼接”等技术。分析了唐代佛像的“丰腴健硕”与宋代佛像的“慈悲写实”的面部处理差异。木雕的韵味很大程度上依赖于木材的自然纹理，我们会讲解如何“顺纹理”或“逆纹理”进行雕刻，以达到光影变化的最佳效果。 此外，我们还探讨了徽派木雕与苏派木雕在题材上的偏好差异，前者多见于门楼、窗棂上的戏曲故事与历史典故的叙事性雕刻，后者则更偏爱花鸟、山水等文人画题材的精细刻画。 第三部分：金属的温度——青铜、金银器的铸造与雕饰 本部分转向了金属工艺的雕刻与装饰。我们避开现代工业技术，专注于古代失蜡法、范铸法在复杂器物成型中的应用，以及后续的精细打磨与装饰工艺。 青铜器雕刻，主要体现在礼器、酒器上的纹饰。本书详细解析了商周时期“饕餮纹”、“凤鸟纹”等神秘图腾的象征意义和线刻的力度把握。特别是对商代晚期青铜器上精细的“云雷纹”的刻画，它要求在铸造完成后，通过手工錾刻或镂刻，达到极高的精度与密度的要求。 在金银器的装饰艺术中，我们侧重于唐宋以后出现的“鏨花”、“镶嵌”与“錾刻”技术。例如，对于宋代定窑的金银胎盘饰，其细如发丝的阳刻纹饰，展示了工匠如何利用金属的延展性，进行近乎纤维级的精细操作。我们会对比金饰的“软雕刻”与银饰的“硬錾刻”在视觉效果上的不同。 第四部分：书法与绘画在雕刻中的转化 雕刻的终极目标是将二维的平面艺术转化为三维的立体形态。本书最后一部分深入探讨了如何将书法（篆、隶、楷、行）和绘画的笔墨韵味，成功地转化到雕刻材料上。 例如，在玉石或木料上模仿中国水墨画的“皴法”——如何用不同的刀法表现石头的嶙峋或山体的厚重感。对书法线条的模仿，要求雕刻者对刀尖的控制达到出神入化的境界，以再现墨迹的飞白与浓淡变化。我们分析了如何通过雕刻的深浅变化，来模拟中国画中的空间层次感，这是一种对光影和体积的精妙调控，完全独立于任何食品的制作流程之外，纯粹体现了传统造型艺术的精髓。 本书力求以严谨的学术态度和专业的工艺描述，为读者展现中国非食品雕刻艺术的博大精深，是一部着重于材质、结构与文化内涵的工艺美术鉴赏指南。

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这本书的装帧设计确实让人眼前一亮，封面那种淡雅的色彩搭配上那种精致的图样，完全符合我对传统手工艺书籍的期待。翻开内页，首先映入眼帘的是那些高清的实物照片，每一个雕刻的细节都处理得极为到位，光影的变化、食材的肌理感都被捕捉得清清楚楚。我尤其欣赏它在基础功展示上的耐心，对于那些刚入门的新手来说，那些关于刀具选择和握持手法的图解简直就是救星。很多其他教程只是简单带过，但这本书却花了整整一章的篇幅，用近乎工笔画般的线条勾勒出每一个动作的微妙之处，让你感觉像是有一位老手师傅在旁边手把手地指导。更妙的是，它没有一味地堆砌复杂的成品，而是非常注重过程的分解，比如如何处理易碎的蔬菜、如何保持水果的色泽不至于太快氧化，这些“旁门左道”的经验，才是真正体现作者功力的地方。我试着跟着书上的一个基础花卉雕刻步骤操作，发现即便我天赋平平，也能在几个小时内做出一个像模像样的作品，这极大地增强了我继续钻研下去的信心。

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这本书的叙事方式非常新颖，它不像传统的教科书那样干巴巴地罗列知识点，而是像在娓娓道来一个关于东方美学的探索之旅。作者似乎很有意识地将每一种雕刻技法都融入了特定的文化背景中，比如在讲解“龙纹”的刻画时，会穿插一些古代宫廷宴饮的文化片段，这种“食艺合一”的叙述角度，让原本枯燥的技艺学习变得生动有趣，充满了人文关怀。我本来只是想学点实用的刀工，但读完它的引言和每一章的“文化随笔”后，我对食品雕刻的认识一下子提升到了艺术鉴赏的层面。它让我明白，手中的这把刀，雕刻的不只是萝卜和西瓜，更是历史的沉淀和匠人的心境。我特别喜欢作者在描述某一种“镂空”技巧时所用的比喻——“如穿针引线，要心静如水”，这种充满禅意的语言，让人在面对失败时也能保持一种豁达的心态。

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从实用性的角度来衡量，这本书的“可操作性”评分绝对是顶级的。它没有过多地谈论那些遥不可及、需要十年功力才能完成的巨型作品，而是集中火力攻克了家庭宴会和日常聚餐中可以快速应用的中小型创意。比如关于如何用黄瓜快速制作“立体蝴蝶”的步骤，简直是宴会应急必备的绝招。书中详细列出了不同食材对刀具锋利度的要求，这一点太重要了，很多新手就是因为用错了刀具，导致食材破碎而心灰意冷。书中对“固定支撑点”的讲解非常到位，它清晰地指出了在雕刻三维结构时，哪个部位是承重和平衡的关键，避免了成品在端上桌前就轰然倒塌的尴尬场面。而且，它的“食材保存”章节也极其详尽，提供了用不同溶液浸泡食材以保持其新鲜度和脆度的独家配方，让我这个以前只会用冰水浸泡的“老油条”大开眼界。

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这本书最让我感到震撼的，是它对“速度与精细”之间平衡点的把握。通常来说，那些追求极致精细的作品往往耗时巨大，而追求速度的作品又容易粗糙，这本书却巧妙地提供了一个“效率优化流程”。它清晰地划分了“初稿塑形”、“中细修饰”和“最终打磨”三个阶段，并为每个阶段推荐了不同的刀具组合。例如，它建议在快速塑形阶段使用偏厚重的雕刻刀以增加力度反馈，而在收尾阶段则换用更轻巧、刀尖更尖锐的工具来处理细节。这种分步走的策略，极大地缩短了我的学习曲线。此外，作者在介绍一种“螺旋纹”时，用了一种非常形象的描述，将雕刻的过程比喻成“跟随食材的天然纹理旋转”，这种将自然规律融入人工技艺的哲学思考，让这本书的价值远远超出了单纯的技法手册，更像是一本关于如何与自然万物和谐相处的艺术指南。

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我注意到这本书在版式设计上做了一个非常大胆的尝试，它并没有采用传统书籍左右对开的布局，而是更多地利用了竖向的留白和不对称的构图，这使得原本应该很“满”的页面看起来非常清爽透气。尤其是那些展示复杂雕刻的跨页大图，其排版逻辑简直像是一幅精心设计的现代艺术品，每一个元素的位置都不是随意的，都在引导读者的视线流向关键的雕刻线条。更让我惊喜的是，它在书的后部附带了一个很小的“失败案例分析”部分。作者没有回避自己也曾遇到的挫折，例如“雕刻果皮纹理时刀刃回弹的原因分析”或者“花瓣边缘干裂的抢救措施”，这种坦诚和剖析，比一味地展示成功案例更能赢得读者的信任和亲近感，让人感觉作者是真正站在学习者的角度来组织内容的。

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