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出版者:总编合作部

作者:程杰铭

出品人:

页数:257

译者:

出版时间:2006-9

价格:29.00元

装帧:

isbn号码:9787030180599

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《流光拾遗：穿梭于光影的叙事》 本书并非关于色彩理论的枯燥阐述，也非探讨物理光学中色彩的形成。它是一趟视觉的旅程，一次心灵与光影的对话，一串关于瞬间之美与永恒之感的拾遗。作者以敏锐的观察力，捕捉了生命中那些转瞬即逝，却又深深烙印在记忆中的光影瞬间。 故事从一个被朝霞染红的山峦晨曦开始。这里没有冗长的风景描写，而是通过对第一缕阳光如何悄无声息地穿透薄雾，如何在远山勾勒出柔和的金边，如何在露珠上折射出细碎的虹彩，来唤醒读者沉睡的感官。这并非对色彩的科学分析，而是对那种“看见”的纯粹体验的描摹。那种被晨光温柔唤醒的宁静，那种自然界勃勃生机的涌动，都被浓缩在这短暂而辉煌的序曲中。 随后，笔触转向城市。高楼林立的都市，并非如某些文本中描绘的那般冰冷或喧嚣。在这里，作者记录的是傍晚时分，夕阳如何以一种近乎诗意的方式，将办公楼的玻璃幕墙变成一面面流动的画卷。光线在建筑的棱角间跳跃、折射，投下长长的、变幻莫测的影子。这影子并非单调的灰暗，而是混合着周围环境的色彩——天空的淡蓝，远处的绿意，甚至是路面上车灯留下的短暂光斑。作者试图捕捉的是，即使在最寻常的城市景观中，也蕴藏着多少被忽略的、如梦似幻的光影游戏。 书中有一章节，聚焦于一张老旧的黑白照片。但这并非关于黑白摄影的技术探讨。作者着眼于照片中人物的眼神，他们身着褪色的衣裳，身后的背景模糊不清。然而，透过那斑驳的光影，作者仿佛看到了尘封的往事，感受到了时间的重量。照片中的人物，他们的喜怒哀乐，他们的生活痕迹，都凝聚在那些明暗的对比之中。这不是对“无色彩”的解读，而是对光影如何承载情感，如何诉说故事的深层探索。每一处划痕，每一丝模糊，都仿佛是时间留下的低语。 再往后，故事转入自然深处。一片森林，并非简单地呈现绿色的海洋。作者描绘的是阳光穿透茂密树冠，在林间投下的斑驳光点，如同精灵在跳跃。苔藓上的露珠，在光线下闪烁着微弱的光芒，宛如藏匿的宝石。风吹过树叶，光影随之摇曳，形成变幻莫测的图案。作者在这里，着重于光影如何塑造空间，如何定义感知。它不仅仅是视觉的体验，更是对生命律动的感悟。 书中还有一段关于水墨画的描写。这里同样避开了水墨技法和笔触的分析。作者着重于水墨在宣纸上的晕染，黑白之间那微妙的层次感，以及留白所带来的无限想象空间。一滴墨，在水的引导下，可以蔓延出深邃的意境，如同远山重叠，又或是云雾缭绕。这种“空”与“色”的融合，这种“有”与“无”的共生，构成了独特的东方哲学的美感。作者捕捉的是水墨所传递的那种含蓄、内敛，却又极富生命力的精神气质。 最后，本书以一个关于烛光晚餐的场景收尾。餐桌上的烛火，摇曳不定，为周围的环境披上了一层温暖的光晕。食物的质感，杯中的酒液，烛光在它们表面投下的光泽，都与黑暗形成鲜明的对比。这并非对美食的描绘，而是对那份温馨、静谧，以及在微光中升腾的情感的捕捉。烛光，如同一位沉默的叙述者，见证着人与人之间的温情，也照亮了内心深处的情感。 《流光拾遗》是一本关于“看见”的书，一种对光影的细致入微的感知。它没有枯燥的理论，没有生硬的定义，只有作者用心灵去捕捉、去体验、去描摹的那些，存在于我们生活中的，转瞬即逝却又永恒珍贵的光影叙事。它邀请读者放慢脚步，重新审视那些被忽略的细节，去发现并珍藏那些，在光影变幻中悄然绽放的美丽瞬间。

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说实话，我买这本书主要是冲着它宣传的“色彩心理学”部分去的，因为我从事市场营销工作，深信色彩对消费者决策的影响至关重要。这本书的这部分内容处理得相当到位，结构清晰，逻辑严密。它不是简单地罗列“蓝色=信任，红色=激情”这种肤浅的对应关系，而是深入剖析了这些联系是如何在进化心理学和社会学习的共同作用下建立起来的。让我印象深刻的是，书中专门用一个章节讨论了“色彩疲劳”现象，并结合实际的用户界面设计案例，展示了如何在长时间的视觉接触中保持色彩的有效性和舒适度，这对我优化App界面色彩方案有直接的指导意义。书中还探讨了不同年龄层和性别对色彩偏好的差异，数据翔实，图表专业，绝非凭空臆断。阅读过程中，我感觉自己像是在上心理学的应用课，时刻在思考如何将这些理论应用到我的广告创意和产品包装上。对于营销和用户体验领域的从业者，这本书提供了比许多营销教科书更坚实的科学基础。

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这本《色彩学》简直就是为我这种对视觉艺术一窍不通的小白量身定做的入门指南！我一直觉得色彩是个玄学，看到漂亮的设计图只能干瞪眼，但这本书的讲解方式非常亲和，完全没有那种高高在上的学术腔调。它从最基础的光学原理讲起，用你能理解的语言解释了为什么我们能看到颜色，而不是上来就抛一堆复杂的色度、饱和度定义。我记得最清楚的是它关于“环境光”对色彩感知影响的那一章，作者举了很多生活中的例子，比如在不同时间段的自然光下，同一件衣服看起来的差异有多大，这让我恍然大悟，原来我之前总觉得色差大，很多时候是怪错了对象。书里还穿插了很多历史典故，比如不同时期艺术大师如何运用色彩来表达情绪，那些故事读起来非常有趣，让原本枯燥的理论知识变得生动起来。而且，这本书的排版和插图质量非常高，那些示范图的色彩过渡自然流畅，即便不用额外的色卡，光看书里的印刷品就能感受到那种微妙的变化。对于想从零开始建立色彩体系认知的人来说，这本书绝对是扎实的第一步，它教会的不是如何调色，而是如何“看”颜色。

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我是一个经验尚可的设计师，手头上的项目突然要求我必须深入研究特定文化背景下的色彩象征意义，这简直是把我难住了。我需要的不是初级入门的书籍，而是那种能提供深度文化解读和跨学科联系的工具书。《色彩学》这本书在这方面展现出了惊人的广度和深度。它没有停留在RGB和CMYK的简单讨论上，而是花费了大量的篇幅去解析不同文明体系中，特定颜色所承载的社会功能、宗教含义甚至是心理暗示。比如，它详细对比了东方文化中“红色”的生命力与西方宗教语境中“红色”的牺牲感之间的微妙张力，这对于我做品牌全球化视觉策略时提供了非常宝贵的理论支撑。书中的引文来源非常权威，引用了大量的社会学、人类学和心理学的研究成果，让你感觉每读一页都在进行一场高级的学术探讨。唯一的“不足”或许是，对于纯粹想快速学会调色的实用主义者来说，这本书的理论密度可能会让他们感到吃力，因为它更侧重于“为什么是这样”，而不是“怎么做”。但我个人非常欣赏这种求本溯源的态度。

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我是一个业余的绘画爱好者，我遇到的瓶颈一直是：我的画作色彩感觉总是“脏”或者“平淡”，缺乏层次感。我希望找到一本能告诉我如何运用色彩来创造空间感和戏剧性效果的书。《色彩学》在这方面的讲解，可以说是教科书级别的示范。它非常细致地拆解了“冷暖对比”、“邻近色调和”以及“互补色的动态平衡”这些概念，并且不是空谈理论，而是直接展示了大量的古典油画和现代艺术作品的局部放大图作为案例。比如，书中分析伦勃朗如何利用暗部中的微妙冷光来突出主体暖色调的例子，简直是打开了我对“光影与色彩”关系的新认知。它教会我如何通过精确控制色彩的“纯度”和“明度”来引导观众的视线，而不是仅仅依靠物体的轮廓。这本书的优势在于，它把色彩当成了一种可以被精确“控制”的工具，而不是一种随机的美学选择。读完后，我立刻尝试在我的水彩练习中加入更多微妙的中间色调，效果立竿见影，画面不再是简单的色块堆砌，而是有了呼吸感。

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我必须要说，《色彩学》这本书的学术严谨性达到了我没有想到的高度。我购买它原本是期待一本偏向艺术应用类的书籍，结果发现它更像是一本严谨的光谱学和感知科学的综合教材。书中的前三分之一几乎都在探讨物理学基础，包括可见光谱的精确范围、不同波长对视网膜细胞的刺激机制，以及色彩恒常性（Color Constancy）的神经学解释。这些内容对于想要挑战色彩科学领域的研究者来说，无疑是非常宝贵的资料库，引用了大量的诺贝尔奖级别学者的早期实验数据。但对于追求快速应用的设计师或艺术家来说，这部分的阅读门槛确实很高，需要一定的物理学背景才能完全领会其精髓。这本书的图解部分也非常专业，很多图表是精确绘制的科学模型，而非简单的示意图。它真正做到了深入到色彩的“物质”层面进行剖析，而非停留在美学表象。总而言之，这是一本严肃、深入、需要沉下心来精读的专业著作，绝非市面上那些浮于表面的“色彩速成指南”。

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还是讲得比较清楚的

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大概翻了一遍吧

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