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出版者:华中科技

作者:汤雅莉 编

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2006-9

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787560937847

丛书系列:

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《空间之舞：从具象到抽象的艺术探索》 本书并非一本关于二维平面图形组合的入门教程，也非对基础视觉元素进行机械罗列的百科全书。相反，《空间之舞》是一场深入探索三维立体世界构建与感知之奥秘的艺术之旅。它旨在引导读者超越平面的二维束缚，去理解和创造具有深度、体积和动态的空间体验。 核心内容： 深度感知与错觉的构建： 书中将详细剖析人类感知深度的多种生理和心理机制，并探讨艺术家如何利用视觉语言，如透视法（线性透视、空气透视）、色彩的冷暖与远近关系、明暗对比、物体遮挡、尺寸比例变化等，在二维媒介（绘画、摄影、电影画面等）中创造出逼真的三维空间感。这部分将涉及从文艺复兴时期大师的经典作品到现代CG艺术的案例分析，揭示空间幻象的巧妙之处。 体块的塑造与构成： 我们将深入研究不同几何体（立方体、球体、圆柱体、锥体等）以及自由形体在空间中的表现。本书将探讨如何通过光影的运用、纹理的表现、材质的模拟，来赋予静态的体块以重量感、质感和内在的生命力。同时，也会介绍如何将这些体块进行组合、切割、变形，以生成复杂而富有张力的三维结构，从抽象雕塑的构成到建筑空间的组织，都有详尽的阐述。 动态与流动的空间： 空间并非总是静止的。本书将审视运动、时间和节奏如何影响我们对空间的感知。从电影蒙太奇的叙事性空间到动态装置艺术的延展性空间，再到城市规划中人流的导向性空间，我们将探讨如何通过元素的排列、过渡、变化来营造空间的动势和时间维度，使观者在其中感受到引导、节奏和故事的流动。 材质、光影与氛围的营造： 真实的空间离不开物质的存在。本书将着重分析不同材质（金属、木材、玻璃、织物、石材等）的视觉特性，以及它们在光线下的反射、折射、吸收效果。同时，我们将深入研究光影的科学与艺术：光源的类型、方向、强度如何塑造形体、烘托情绪、定义空间属性。从戏剧化的舞台灯光到柔和的自然光，光影是构建空间氛围的关键。 具象与抽象的空间表达： 本书将涵盖从写实主义对客观世界的精准再现，到抽象表现主义对内在情感的空间化处理。我们将分析具象作品如何通过对现实空间的观察和提炼来传递空间信息，以及抽象艺术如何完全脱离具象，仅凭线条、色彩、体块的组合来唤起观者对空间、体积、运动甚至情感的想象。 从二度到三度的跨越： 尽管本书聚焦于“空间”的探索，但也会触及某些与二维表现手法息息相关的概念，但其目的不是教授二维构成，而是阐述二维表现如何“欺骗”或“暗示”三维空间。例如，点、线、面的运用在表现三维体量时的微妙之处，色彩在视觉深度上的影响，以及构图在引导观众视线穿越平面进入想象中的空间时的作用。但这部分内容始终围绕着“空间”这一核心主题展开，而非独立讨论二维构成。 目标读者： 本书适合对艺术创作、设计理论、建筑学、电影视觉语言、数字媒体艺术等领域感兴趣的专业人士及爱好者。无论是希望提升作品的空间表现力，还是渴望深入理解艺术作品中空间运用的奥秘，都能从中获得启发。 本书特点： 理论与实践并重： 结合丰富的艺术史案例、设计实例和理论分析，帮助读者将抽象概念具象化。 跨学科视角： 融合了艺术史、物理学（光学）、心理学（视觉感知）和设计学等多学科的知识。 深度洞察： 旨在提供对空间本质的深刻理解，而非肤浅的技巧讲解。 视觉引导： 配备大量高质量的图例，直观展示空间构成的多样性和表现力。 《空间之舞》邀您一同踏入一个充满可能性的立体世界，去感受、去创造、去体验“空间”的无穷魅力。

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作为一个对色彩心理学有一定涉猎的读者，我原本以为这本书会更多地集中在形态和结构上，对色彩的讨论可能会比较浅薄，仅仅停留在“三原色”的层面。然而，我惊喜地发现，作者对“色彩的构成性”有着极为深刻的见解。他不仅仅是描述了颜色本身，而是着重分析了**色块的并置**如何影响观者的心理感受。例如，书中有一段分析了在高对比度的黑白环境中，一个微小的暖色点是如何瞬间成为视觉焦点，这种现象背后的心理学原理被解释得清晰而有力。更令人耳目一新的是，作者将“材质”与“色彩”进行了深度融合的探讨——他指出，相同的色值，应用在光滑的金属表面和粗糙的亚麻布上，其视觉重量和情感倾向是完全不同的。这本书提供了一种非常实用的工具箱，帮助我理解如何通过控制色块的边界清晰度、饱和度的微小梯度，来精确调控信息传递的强度和情绪氛围，这对于我进行品牌视觉识别系统的构建帮助巨大。

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最近我对极简主义设计在不同文化背景下的应用非常感兴趣，尤其想知道那些看似简单的构图背后，究竟隐藏着怎样的逻辑支撑。这本书给我提供了一个非常扎实的理论基础来分析这个问题。它没有拘泥于某一种特定的风格流派，而是从最底层的视觉元素——比如如何通过色彩的冷暖和明度对比来建立视觉层级——开始层层深入。我印象最深的是关于“韵律与重复”那一章。作者用一系列看似毫无关联的图案（从古老的几何瓷砖到现代的极简主义海报）来证明，人眼对于节奏的偏好是跨越文化和时代的本能反应。最妙的是，书中将“韵律”与“变化”的辩证关系阐述得极其透彻：没有重复就没有稳定感，但没有变化又会导致呆板乏味。我尝试着将书中的一个关于“渐变节奏”的练习应用到我的网页设计稿中，仅仅是微调了导航图标之间的间距，整个页面的流动感和引导性就提升了一个档次，这完全得益于书中对视觉运动轨迹的精准描述。

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这本书的结构安排非常巧妙，它不是线性推进的，更像是一个螺旋上升的过程。前期的基础概念铺垫得非常扎实，但它并没有止步于此，而是不断地将这些基础概念与更复杂的实际应用场景结合起来，形成一种螺旋上升的阅读体验。我尤其欣赏作者处理“不确定性”和“偶然性”的章节。在许多设计规范中，我们被教导要追求精确和控制，但这本书却花了相当的篇幅来讨论如何“管理”失控。例如，作者探讨了如何在排版中引入一定程度的错位或者随机性，来模拟自然界中的有机生长感，从而避免设计变得过于僵硬和机械化。这种对设计“不完美美学”的探讨，对于那些总想把所有东西都控制得死死的创作者来说，无疑是一剂良药。它教会我们，真正的设计力量往往来自于对边界的试探和对偶然性的拥抱，而不是对每一个像素点的死板固守。读完这部分内容，我对“实验性设计”的理解上升到了一个全新的维度。

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我是在一个深夜，被朋友强力推荐下翻开这本书的。坦白说，我最初对这类基础理论书籍总是抱持着一种“应付任务”的心态，期待能从中找到几条可以套用的公式，快速过关即可。然而，这本书的叙事方式出乎意料地富有启发性。它不像传统教材那样冷冰冰地陈述规则，反而更像一位经验丰富的老匠人，带着你一步步走进材质与形状的内心世界。其中探讨“负空间”的部分，简直是颠覆了我以往的认知。过去我总关注物体本身如何被塑造，但这本书却引导我去思考被物体“排除”掉的空间是如何反过来定义和强化主体形态的。我记得有一个案例是关于建筑外墙的窗洞处理，作者通过不同尺寸和排列的负空间，展示了光线如何被“切割”并投射出时间感。这种对“留白”的深刻解读，让我开始重新审视我正在做的那些项目——很多时候，我只是忙着填充内容，却忽略了那些未被占用的地方所蕴含的巨大潜力。这本书的价值不在于它教了你什么，而在于它如何巧妙地撬动了你原有的思维定势，让你用全新的视角去观察日常的视觉信息。

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这本书的装帧设计实在是太抓人了，封面选用的那种低饱和度的灰蓝色调，配合着烫金的简约字体，第一眼看上去就有一种沉静而高级的艺术气息扑面而来。我本来还担心内容会过于学术化和晦涩难懂，毕竟“构成”这个词听起来就带着理工科的严谨感，但翻开内页后，发现排版非常考究。大量的留白处理，让每一个案例和图例都有了呼吸的空间，阅读体验极佳。装订上也看得出是用心了，平摊非常顺滑，这对于需要经常对着书本临摹或者对比研究的设计学习者来说，简直是福音。我特别喜欢其中关于“点、线、面”如何在二维空间中实现动态平衡的章节，作者没有堆砌复杂的理论公式，而是用非常直观的视觉语言展示了它们之间的张力与和谐。比如，那一页展示如何通过改变线条的粗细和方向来实现视觉重心的巧妙转移，我反复看了好几遍，那种不动声色的设计力量，确实让人醍醐灌顶。这本书的纸张质感也值得称赞，印刷色彩还原度很高，即便是那些复杂的肌理和阴影变化，也能清晰地捕捉到。总而言之，从物理形态到视觉呈现，这本书本身就是一件完成度很高的设计作品，让人爱不释手。

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编者对概念性词语的措词略显随意和含糊，此为一大缺憾，是此书的缺憾，也是中国艺术设计教材普遍存在的缺憾。

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编者对概念性词语的措词略显随意和含糊，此为一大缺憾，是此书的缺憾，也是中国艺术设计教材普遍存在的缺憾。

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编者对概念性词语的措词略显随意和含糊，此为一大缺憾，是此书的缺憾，也是中国艺术设计教材普遍存在的缺憾。

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编者对概念性词语的措词略显随意和含糊，此为一大缺憾，是此书的缺憾，也是中国艺术设计教材普遍存在的缺憾。

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编者对概念性词语的措词略显随意和含糊，此为一大缺憾，是此书的缺憾，也是中国艺术设计教材普遍存在的缺憾。