CG电影生产流程与管理

CG电影生产流程与管理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:海洋
作者:陈明
出品人:
页数:230
译者:
出版时间:2006-11
价格:68.00元
装帧:
isbn号码:9787502766733
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

本书是国内首部全三维动画电影生产流程与管理的优秀专业教材。全书以动画电影《魔比斯环》的实际案例为基础,以电影生产的实际流程为线索,详细介绍CG电影生产的全部关键环节,深入浅出地介绍三维动画的创作与制作流程,配合大量的剧照和图解,全面展示了动画电影生产的管理和创作过程:前期策划—CG生产流程—电影后期制作;详细解释从概念—故事—剧本—概念稿—分镜头—颜色制定—动态故事板—3D预演—场景设计—角色设定—模型—材质—灯光—动画—渲染—合成的全套流程。

  《魔比斯环》是中国电影历史上投资最大,也是中国首部从内容风格、制作技术到市场运作完全与国际接轨的三维动画电影。该片历时4年多,耗资1.3亿元人民币,集聚了来自法国、美国、英国、加拿大、马来西亚以及中国400多名艺术家的才智,是呕心沥血的大制作。在2005年的戛纳电影节上,《魔比斯环》热映十多天,全球120多位片商和业界人士,对于中国能够制造出具有如此视觉效果的数码动画巨片感到非常吃惊,认为在艺术和技术两方面,这部片子都达到了国际一流水平。

  动画生产与创作具有很强的实践性,参与本书编写人员全部来自电影生产过程中的主创人员,具有很强实战性,也是他们过去6年的生产经验和真实心得的珍贵写照。

  本书内容极为丰富,讲解生动翔实,为当前高等动画教育提供了专业范本教材。对有志于从事动画产业的年轻人会更加了解CG领域的专业知识,找到更合适自己的行业定位提供帮助。

  本书配套1DVD,收录了《魔比斯环》的电影预告片和珍贵的制作花絮。

《经典文学译注与跨文化阐释:从文本细读到全球视野》图书简介 导言:在经典与当代的交汇点上重塑理解 本书旨在为读者提供一套系统而深入的框架,用以理解经典文学作品在跨文化传播与当代语境下的复杂性、生命力与挑战。我们聚焦于文学翻译的理论与实践、文本细读的方法论创新,以及经典在全球不同文化场域中被接受、挪用和重塑的动态过程。这不是一部单纯的文学史或翻译技术手册,而是一部旨在培养批判性思维、提升跨文化敏感度的学术工具书与思想指南。 第一部分:文本的细密织网——经典文学的深度解读方法论 本部分深入探讨了对经典文学文本进行“细读”(Close Reading)的必要性与具体操作步骤。我们摒弃了宏大叙事的简化倾向,转而强调文本内部的张力、歧义和多重编码。 第一章:语义的迷宫与语法的隐喻 本章首先梳理了自新批评学派以来,文本细读在西方文学研究中的演进历程,并将其与现象学美学相结合。重点分析了文学语言中“失语”(Aphasia)、“空缺”(Lacuna)和“冗余”(Superfluity)的修辞功能。通过对莎士比亚十四行诗和卡夫卡短篇小说的案例分析,展示如何通过对标点符号、句法结构和词源学的考察,揭示文本深层结构中的意识形态预设或美学突破。 第二章:叙事视点与时间错位:结构主义的再审视 本章关注叙事学的前沿发展,特别是对不可靠叙事者(Unreliable Narrator)的复杂心理学和哲学基础进行剖析。我们探讨了布莱希特“陌生化效应”在小说叙事中的运用,以及福柯对“话语权力”在文本组织中所起作用的分析。例如,如何通过对小说中时间标记(如过去完成时、将来时态的反复出现)的计量分析,来重建作者对读者认知时间的操控策略。 第三章:物质性、文本性与考古学 超越纯粹的语言层面,本章探讨了经典文本的“物质性”——手稿、早期印刷本、插图、装帧以及阅读环境对作品意义的塑造。引入德里达的“延异”概念,分析手稿的修正与印刷版本的定稿之间产生的意义漂移。同时,结合本雅明的“灵光”理论,探讨在数字时代,经典文本的“在场感”如何通过媒介的转换而发生根本性改变。 第二部分:语言的桥梁与文化的藩篱——翻译的艺术与理论 文学翻译绝非简单的词语替换,而是一场跨越文化鸿沟的“阐释之舞”。本部分构建了一个多维度的翻译理论模型,涵盖了从文学翻译哲学到具体操作层面的所有关键议题。 第四章:翻译的伦理与本体论:归化与异化的辩证 深入探讨了韦努蒂(Venuti)提出的“归化”(Domestication)与“异化”(Foreignization)的对立统一关系。本书主张,优秀的文学翻译必须在保持目标语读者接受度的同时,尽可能地保留源语文本的“他者性”。我们将通过对比不同语种、不同历史时期对同一部外国经典(如陀思妥耶夫斯基或普鲁斯特)的译本,量化分析“异化”策略对译文节奏和韵律的影响。 第五章:不可译性与意义的流失:修辞的边界探索 本章集中讨论那些极难跨越的语言障碍,特别是双关语、典故、地域性俚语(Dialect)和特定的韵律结构(如格律诗)。我们引入了符号学视角,将修辞视为一种“文化密码包”,分析在转换过程中,译者是如何“牺牲”部分意义以维护整体“效果”的。案例分析将侧重于蒙太涅随笔中那种独特的散文节奏,以及中国古典诗词中“意象并置”的翻译困境。 第六章:翻译的“可见性”与译者的“隐形” 探讨译者身份的能见度问题。在早期翻译中,译者常被要求隐形,但在后现代语境下,译者的干预(Intervention)本身成为一种新的阐释行为。本章分析了当代“重译”现象背后的文化驱动力,即新的时代背景如何催生对旧有经典翻译的修正和挑战。我们将使用翻译研究中的“场景”(Skopos Theory)理论,评估特定时代背景下翻译目的对译文选择的决定性影响。 第三部分:经典的回响——跨文化传播与接受美学 经典之所以成为经典,在于其在不同历史时期和文化背景下持续产生新的意义。本部分将视角从文本内部转向文本与外部世界的互动。 第七章:原型、母题与文化过滤机制 本章运用荣格的原型理论,结合法国年鉴学派对“集体表象”的研究,分析哪些文学母题(如流浪汉、失落的黄金时代、末世情结)具有跨文化的普适性。同时,重点分析了“文化过滤机制”——即在作品被接受前,目标文化如何通过审查、预设的文学范式或意识形态偏见,对源文本的某些元素进行“稀释”或“放大”。 第八章:从“中心”到“边缘”:译介路径与学术建制 考察经典作品是如何被引入一个新文化体系的。我们分析了“知识的地理学”:哪些译者扮演了文化“守门人”的角色?哪些学术机构或文学期刊决定了一部作品的“正典化”地位?通过对二十世纪中叶某一特定外国文学思潮在亚洲或拉丁美洲的引进案例研究,揭示学术建制如何塑造了公众对经典的“标准理解”。 第九章:挪用、戏仿与抵抗:当代语境下的经典再生 经典并非一成不变的偶像,而是不断被当代创作者“挪用”(Appropriation)和“戏仿”(Parody)的资源库。本章分析了后殖民批评、女权主义批评如何通过对经典文本的“再阅读”来挖掘其被主流叙事所压抑的面向。特别是探讨当代电影、流行音乐如何对古典文学进行碎片化引用,以及这种“碎片化”如何构建出新的文化符号系统,证明了经典的适应性与韧性。 结语:永恒的对话 本书最终导向的结论是:对经典的理解是一个开放的、永无止境的对话过程。每一次细读,每一次翻译,每一次跨文化接收,都是对作品意义边界的一次新的探索。本书旨在为读者提供探索这一广阔领域所需的理论工具和批判视角,使读者能够以更加复杂和审慎的态度面对任何文学遗产。

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目录信息

读后感

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用户评价

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天呐,我最近拿到了一本关于电影制作流程的书,名字叫做《数字视效的魔术师》,简直是打开了我对CG动画世界的新大门!这本书的作者显然是个深谙行业内幕的行家,他没有落入那种枯燥的技术术语堆砌,而是非常巧妙地将整个大型CG项目从概念设计到最终渲染的每一步骤,都描绘得像是一场精彩的舞台剧。我特别喜欢它在“前期策划”这一章中对故事板和预演(Pre-vis)的细致阐述。很多业余爱好者总觉得CG就是画画和建模,但这本书让我明白了,真正的魔力其实是在于前期对镜头语言的精准控制和对叙事节奏的把持。他用生动的案例解释了,为什么一个简单的镜头角度调整,能让观众的情绪产生天翻地覆的变化。尤其赞赏的是,作者对不同制作阶段的资源分配和时间管理有着非常现实的洞察,读完之后,我感觉自己仿佛是跟着一个经验丰富的制片人走了一圈项目现场,对“魔术背后”的艰辛与智慧有了更深的敬畏。这本书不仅仅是教你怎么做技术,更是教你如何成为一个有远见的电影人。

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这本书,暂且称之为《数字叙事的引擎》吧,它最让我耳目一新的是对“动画表演”的深入挖掘。许多技术书籍会花大量篇幅讲解骨骼绑定(Rigging)和形变捕捉(Blendshapes),但这本书却将重点放在了“意图”上。作者认为,最好的CG角色动画,其核心依然是演员的表演,软件和工具只是实现表演的媒介。他用大量的截图对比了关键帧的密度对角色情绪表达的影响,并详细拆解了如何通过细微的面部肌肉运动来传达潜台词。这种对艺术层面的强调,让我对CG的理解从“制作”提升到了“创作”的层次。书中还附带了一个关于“运动捕捉数据清理与再利用”的专题研究,这部分内容非常专业,它揭示了如何将采集到的原始、粗糙的表演数据,转化为可以在不同角色上安全复用的精修表演资产,极大地提高了动画师的工作效率和表演的一致性。这本书完美地平衡了艺术的感性与技术的理性。

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说实话,一开始我对《视效工业的幕后真相》这本书并没有抱太大期望,以为又是泛泛而谈的行业概览,结果啪啪打脸了。这本书最让我震撼的是它对“协作”和“沟通壁垒”的剖析。它没有美化这个行业,反而赤裸裸地揭示了不同部门间(比如建模组和动画组,或合成组和导演组)经常出现的沟通失误和术语障碍。作者似乎采访了数十位来自不同岗位的老兵,通过他们的亲身经历,构建了一个极其真实的“战场图景”。我印象最深的是其中一个案例,关于一次全球远程协作中,由于文化差异和时差造成的素材版本混乱,最终导致了昂贵的返工。这本书深刻地指出了,在CG制作中,解决人的问题往往比解决技术问题更复杂。它提供的“跨部门术语速查表”简直是救命稻草,让我这个圈外人也能迅速理解他们在争论什么,避免了在未来交流中产生不必要的隔阂。这对于任何希望进入或正在制作流程中的人来说,都是一份极具实操价值的“避坑指南”。

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我最近拜读了《三维世界的构建逻辑》,这本书的独特之处在于它彻底颠覆了我对“效率”的理解。它不强调使用最新最炫的软件,而是着重于如何在初期设定合理的拓扑结构和场景层级,以确保后期修改时不会陷入“泥潭”。书中有一段关于“非破坏性工作流程”的论述,我看了三遍才完全理解透彻。作者强调,一个好的流程设计,其价值在于让你在项目后期有足够的“回旋余地”,而不是在最后关头因为一个小小的改动而推翻所有努力。这种前瞻性的思维方式,对于习惯了“先完成,再优化”的快速迭代模式的人来说,是一种非常及时的警醒。书中甚至对比分析了不同资产管理系统(Asset Management System)的优缺点,并给出了针对中小型团队的定制化建议,这些内容非常具体,完全不是空话套话,读完后我立即回去整理了自己的项目文件结构,效果立竿见影。

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这本书的装帧设计和排版简直是一场视觉享受,我指的是那本《光影的炼金术》。首先,它的纸张质感就非常高级,拿在手里沉甸甸的,翻阅时那种细微的摩擦声都透露出专业的气息。但更让我惊喜的是内容组织,它完全跳脱了传统教材那种横平竖直的章节划分,而是以“概念的诞生”到“角色的呼吸”再到“场景的沉浸”这条逻辑线索徐徐展开。比如在描述材质表现那一节,作者居然引入了大量的艺术史知识来佐证其对光线折射和反射的理解,让我忍不住停下来思考,原来逼真的皮肤纹理背后,蕴含着对光学和美学双重标准的考量。我以前总觉得特效是冰冷的技术堆砌,但这本书让我看到了其中蕴含的“人性化”的温度。它对渲染农场管理和分布式计算的探讨也十分精辟,没有过度渲染高深莫测,而是用一种非常务实的笔调分析了不同规模工作室的效率优化策略,读起来非常痛快淋漓,仿佛真的参与到了一场高效率的工业化生产竞赛中。

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诶~那是一种情怀,我当年也是贡献票房的。可惜死在了天涯路,第一步~

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