沃兴华书法

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出版者:河北教育出版社
作者:沃兴华
出品人:
页数:124
译者:
出版时间:2005-8
价格:70.00元
装帧:
isbn号码:9787543448834
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术理论
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具体描述

去年春节,整理几年中积累下来的作品,数量不少,面貌较多,想再努力一把,出本作品集。发表作品,无论展览或者出版,都是非常严肃的事。我读研究生时的导师偏重考据,有乾嘉遗风,一篇文章可以磨上十几年,“不示人以璞”是他的治学准则和度人金针,我很敬佩,但是艺术创作有其特殊性,眼高手低,看自己的作品总有这样那样的缺憾,再怎么改都像翘翘板一样,这边高了那边低,永远是不完美的璞,因此只好从另一个角度去理解老师的教诲,相对作品而言,更看重过程的完美,努力使每一次作品的发表都有一个探索和提高的创作过程。我开始为出集子忙碌,平时大量临摹,每逢寒假、暑假、五一、十一长假则集中创作。将临摹时得到的感觉融入到创作之中,带着创作时发观的问题去寻找临摹对象,临摹与创作双向互动,不断有新的想法和新的作品出现,原定今年春节出版的计划因意犹未尽欲罢不能而一拖再拖。今天总算告一段落,将所有比较满意的作品翻检出来,仔细挑拣,选出八十多件,发现大部分是这一年半写的,这使我非常高兴。我的作品在传统借鉴上重视民间书法,在创作上强调形式构成,不少人表示非议,而我还是认为自己的创作方向没错,“心以为是,不敢不为”, 因此集子中的作品依然“独持己见,一意孤行”。但是我很希望能够得到大家的理解,因此集中穿插了几篇文章,它们所表达的思想观念可能有助于大家对作品的认识。陶渊明有首诗云:“先师有遗训:忧道不忧贫。瞻望邈难逮,欲志长勤。秉耒欢时务,解颜劝农人。平畴交远风,良苗亦怀新。虽末量岁功,即事多所欣。耕种有时息,行者无问津。日入相与归,壶浆劳近邻。长吟掩柴门,聊为陇亩民。”将其中的“秉未”改成“秉笔”来理解全诗,句句贴切我现在的所思所想、所作所为,而且精妙入微。五十初度那天,写了这首诗,现在把它放在集子的最后,作为压卷作品,既是存照,又是自勉。

《墨海拾珍:中国古代书画艺术的流变与鉴赏》 引言:穿越时空的对话 艺术,是人类精神世界最直观的投影。在中国,书画艺术以其独特的东方哲学底蕴和精湛的技艺,屹立于世界艺术之林数千年。它们不仅是视觉的享受,更是历史的见证、哲思的载体。本书《墨海拾珍:中国古代书画艺术的流变与鉴赏》,旨在带领读者穿越历史的烟尘,深入探究自汉魏至清末,中国书画艺术发展脉络的复杂性、审美范式的演变,以及鉴赏的关键要素。我们不求面面俱到地罗列所有名家,而是着重于提炼出各个历史阶段最具代表性的风格转向和理论构建,力求为初学者提供清晰的路径,为资深爱好者提供深入思考的切入点。 第一部分:笔墨之源——早期书画的肇始与确立(汉魏至唐代) 本篇聚焦于中国书画艺术的“童年”与“青春期”。 一、汉魏风骨:篆隶的雄浑与初具规模的绘画 汉代,是文字形态发生重大变革的时期,隶书的成熟奠定了后世楷书的基石。《张迁碑》、《乙瑛碑》等摩崖石刻所展现出的雄强、朴拙之美,是那个时代精神的体现。我们详细分析隶书“蚕头燕尾”的结构特征及其在魏晋时期向楷书过渡的内在动力。 绘画方面,汉代墓室壁画和帛画,如马王堆汉墓出土的帛画,展现了早期神话叙事和人物描摹的朴素力量。虽然此时期书画尚未完全脱离实用功能,但其意境已初现端倪。 二、魏晋风度:士人精神的注入与书法的“自觉” 魏晋时期是中国艺术史上一个极其关键的转折点。随着玄学的兴起和士人阶层的崛起,书法艺术首次被提升到“人格”与“性情”的高度。 1. 书法——“中和”之美的探寻: 本章重点剖析了从钟繇到“二王”(王羲之、王献之)的演变。王羲之的“尽善尽美”,如何将隶书的古拙与草书的奔放熔铸于楷行之中,形成“遒媚”而不失“法度”的典范。我们通过对《兰亭序》的摹本研究,探讨其章法布局的疏密变化和用笔的提按顿挫,揭示其“自然天成”背后所蕴含的极高技巧。同时,我们也辨析了早期草书(章草、今草)在精神表达上的差异。 2. 绘画——“以形写神”的理论确立: 谢赫的“六法”理论是理解早期绘画的关键。本节详述“气韵生动”与“骨法用笔”的内涵,并以顾恺之的《洛神赋图》(宋摹本)为例,分析线条如何承载人物的内心世界,展现魏晋士人对生命和情感的关注。 三、盛唐气象:规范化、多元化与绘画的成熟 唐代国力强盛,文化自信达到了顶峰,这直接反映在书画上。 1. 书法:法度森严与个性解放的并存: 欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等“初唐四家”确立了楷书的典范性,追求法度森严。然而,盛唐的活力又催生了张旭、怀素的“狂草”,这种对传统笔墨极限的挑战,标志着书法艺术表达力的空前解放。我们深入对比张旭“我自得之”的率性与怀素“飞动”的结构美学。 2. 绘画:青绿与水墨的并驾齐驱: 李思训的金碧山水代表了唐代宫廷艺术的辉煌,强调装饰性和理想化的空间营造。而吴道子则以“吴带当风”的线条和“写实”的精神,开创了中国人物画的崭新局面。山水画在此阶段开始独立发展,李昭道的设色山水是研究早期山水构图的重要参照。 第二部分:意境的深化——宋元时期的审美转向与文人画的兴起(宋代至元代) 宋代,艺术的重心由官方转向士大夫阶层,审美取向由“盛大”转向“内敛”、“雅致”。 一、宋代绘画:院体精工与写实精神的极致 宋徽宗时期的翰林图画院,将技艺推向了顶峰。北宋范宽的《溪山行旅图》展现了雄伟壮丽的北方山川,强调对自然力量的敬畏。南宋,在政治环境的影响下,绘画转向小品化和个人情感的抒发,如马远、夏圭的“边角式”构图,极富诗意和留白之美。 二、宋代书法:尚意书风的確立 宋代书法家(苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”)彻底摆脱了对唐法的盲目遵从,追求“意在笔先”。苏轼强调“我书意造我”,黄庭坚的“长枪大戟”,米芾的“刷字”,都是艺术家主体意识觉醒的体现。本章将详细解析“尚意”书风如何将书法从“写字”提升到“抒情”的层次。 三、元代:文人画的全面胜利 元代,由于士人政治抱负的受挫,他们转而将全部热情投入到艺术创作中,标志着“文人画”理论体系的成熟。 1. 水墨的哲学: 赵孟頫倡导“复古”,强调书法入画,力求以书入画的筋骨。而“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)则将水墨技法推向极致,注重笔墨自身的情感表达和笔意的抒发,画面中常蕴含着对故国和隐逸生活的复杂情愫。倪瓒的“平淡天真”成为后世追求的至高境界之一。 2. 书法:回归晋韵与个性化的融合: 赵孟頫力图恢复晋人笔法,强调“结字严谨,笔画婉转”,对后世书法影响深远。 第三部分:技法的革新与程式的定型——明清书画的探索与总结(明代至清末) 明清两代,书画艺术在继承中求变,形成了更为复杂和流派纷呈的局面。 一、明代:学院派的严谨与江南的文人趣味 明初以“台阁体”为代表的官方审美,强调整饬与规范。然而,吴门画派(沈周、文徵明)继承了元代文人画的衣钵,将水墨趣味发扬光大,尤其是文徵明在书法上对“二王”和“台阁体”的融合,影响了整个中晚明。晚明的董其昌,提出了“南北宗论”,对中国山水画的发展史进行了第一次系统的理论梳理,其“淡墨为主”的笔法也形成了鲜明的个人风格。 二、清代:技法的集大成与书学的考据 清代书画呈现出“正统”与“反叛”并存的局面。 1. 碑学对帖学的冲击: 乾嘉时期,考据学兴盛,书家们开始将目光投向汉魏碑刻,碑学的兴起是对帖学(以“二王”为代表)的巨大反拨。邓石如、何绍基等人的出现,极大地拓宽了书法的审美维度。 2. 山水画的分流: “四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁)的仿古集大成,强调对前代笔墨的“集大成”式总结,画面严谨,笔墨精到。而以“四僧”(弘仁、髡残、八大山人、石涛)为代表的个性化创作,则将笔墨推向了极端的个人化表达,尤其八大山人对简洁、孤寂意象的提炼,具有极强的现代意味。石涛“我自成一家”的理论,对后世影响深远。 结语:跨越时代的永恒价值 本书的最后一部分,将探讨中国书画艺术在近现代转型期的挑战与坚守。通过对数千年艺术史的梳理,我们发现中国书画的魅力,在于其对“笔墨”二字的终极探索——它既是物质的媒介,更是精神的载体。本书期望读者在了解这些流派和技法演变的同时,能够建立起一套自己的鉴赏框架,真正体会到“一笔一世界,一点一乾坤”的艺术魅力。 本书特色: 脉络清晰: 按时间顺序梳理关键的风格转折点,避免史料的堆砌。 理论结合实例: 深入解析重要理论(如“六法”、“南北宗论”),并配以具体作品进行解读。 注重审美变迁: 探讨不同历史时期,社会思潮如何影响了艺术家对“美”的定义。 鉴赏导向: 提供辨识真伪、理解意境的基本方法论。

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当我仔细研读《沃兴华书法》这本书,我深切地感受到,书法艺术不仅仅是线条的排列组合,更是一种思想的载体,一种生命的表达。我一直对沃兴华先生在当代书法界所扮演的角色充满好奇,这本书以一种非常细腻的方式,为我展现了他艺术生涯中的点点滴滴。书中对沃兴华先生书法风格的演变,以及他对不同书体的理解和创新,都进行了深入的探讨。我特别关注书中对他如何处理“古意”与“时代精神”相结合的论述。他并没有刻意追求复古,而是将传统精髓与现代审美相融合,创造出具有独特时代气息的作品。书中对沃兴华先生书法中“韵味”的解读,让我明白,书法艺术的魅力,往往体现在那些难以言说的微妙之处,体现在笔画之间的气息流动,体现在墨色的深浅变化之中。我发现,沃兴华先生的作品,总能给人一种“耐人寻味”的感觉,越看越有味道,越品越能体会到其中的深意。这本书也让我认识到,书法学习是一个漫长而艰辛的过程,但也是一个充满乐趣和收获的过程。

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《沃兴华书法》带给我的,不仅仅是关于一位书法家作品的介绍,更是一次关于艺术创作精神的洗礼。我一直认为,优秀的艺术作品,其背后一定蕴含着作者深厚的情感和不懈的追求。这本书成功地将沃兴华先生的艺术人生与他的书法实践紧密结合起来,让我看到了一个书法家是如何在时代变迁中,坚守初心,不断创新。书中的某些章节,详细阐述了沃兴华先生在不同的人生阶段所面临的挑战和机遇,以及他如何将这些经历融入到他的书法创作中。我印象特别深刻的是,书中提到他对于“师古而不泥古”的深刻理解。这让我明白,真正的艺术传承,并非照搬照抄,而是要融汇贯通,化古人之精华为己所用,最终形成自己独特的风格。书中对沃兴华先生书法中“气韵生动”的解读,更是让我受益匪浅。作者用生动的语言,描述了那些线条中蕴含的生命力,以及它们如何组合成一个有灵魂的整体。这种对“气韵”的阐释,帮助我理解了书法作为一门艺术,不仅仅在于形似,更在于神似,在于那种难以言说的内在精神。我尤其欣赏书中对一些非主流书体,如行草书的深入探讨,这让我看到了书法艺术的无限可能性,也激发了我尝试不同书体的兴趣。

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阅读《沃兴华书法》,我仿佛置身于一个书法艺术的万花筒中,每一页都呈现出不同的色彩与光泽。本书最吸引我的地方在于其对沃兴华先生书法风格演变的深入剖析。作者并非简单地罗列作品,而是通过对他早年受到传统书法精髓的汲取,到中年对个性化书风的探索,再到晚年沉淀出的炉火纯青境界的描写,为我勾勒出一位书法家在艺术道路上不断求索、精进的生动轨迹。我尤其关注书中对沃兴华先生在处理“筋骨”与“血肉”关系上的论述。他如何让刚劲的笔画拥有生命的活力,又如何使流畅的线条饱含内在的力量,这些细致的讲解,让我对“力”与“美”的平衡有了全新的认识。书中选取了大量的作品进行放大和细节分析,通过对每一个字的结构、笔势、墨色的细微观察,我得以窥见沃兴华先生在创作过程中所付出的心血和思考。例如,在解读他某幅行书作品时,作者详细描述了某个字的起笔、行笔、收笔的微妙变化,以及这些变化如何传递出作者的情绪和意境,这种“解剖式”的分析,让我从“看热闹”变成了“看门道”,极大地提升了我对书法艺术的鉴赏能力。书中的排版也十分用心,字与图的搭配恰到好处,留白的处理也很有韵味,让整个阅读过程成为一种视觉和精神上的享受。

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《沃兴华书法》这本书,带给我一种别样的阅读体验,它不像教科书那样枯燥,也不像画册那样单薄,而是充满了智慧与温度。我是一个对汉字之美有着浓厚兴趣的普通读者,过去我对书法艺术的认识,大多停留在“好看”的层面,缺乏深入的理解。然而,这本书如同一位善于引导的老师,耐心地向我展示了沃兴华先生书法艺术的精妙之处。我特别欣赏书中对于“笔墨之道”的细致讲解。作者并没有用过于专业的术语,而是用通俗易懂的语言,解释了笔锋的运用、墨色的浓淡、力道的轻重如何共同塑造出一个个生动的汉字。我发现,沃兴华先生的书法,不仅仅是笔画的组合,更是一种情感的抒发,一种生命力的展现。书中对某些字的“精神”解读,让我感受到了沃兴华先生在创作过程中,是如何将自己的情感和意境融入到每一个笔画之中。例如,他如何用飞扬的笔触表达喜悦,又如何用沉凝的墨色传递思索,这些细节的描绘,让我对书法艺术有了更深层次的感悟。这本书让我明白,真正的书法,是“心手合一”的艺术,是“笔尖上的舞蹈”。

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当我捧起《沃兴华书法》这本书,我感觉自己仿佛走进了一个宁静而充满智慧的艺术殿堂。我一直对中国传统书法的魅力心向往之,但苦于没有系统的指引,往往只能浅尝辄止。这本书为我提供了一个绝佳的契机,让我能够深入了解沃兴华先生这位当代书法大家的作品和艺术理念。书中对沃兴华先生书法风格的梳理,并非仅仅是对其作品的简单介绍,而是对其艺术道路上每一次探索和突破的细致描绘。我特别喜欢书中对沃兴华先生书法中“结体”的分析。他如何处理字的结构,如何做到平衡与变化并存,如何让每个字都充满了生命力,这一点让我对汉字的构造之美有了全新的认识。书中对沃兴华先生在不同书体上的造诣的介绍,让我看到了他跨越不同风格界限的能力,无论隶书的古朴,还是行草的流畅,他都能够游刃有余地驾驭。我发现在许多作品中,沃兴华先生都能在严谨的笔法中,透露出一种自然的韵味,这种“不雕不琢,玉汝于成”的艺术境界,让我深受启发。这本书不仅让我欣赏到了优美的书法作品,更让我对中国传统艺术的博大精深有了更深的敬意。

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当我深入阅读《沃兴华书法》,我发现这本书的价值远不止于欣赏精美的书法作品。它更像是一本关于书法精神与传承的百科全书。我一直对书法作品中的“时代感”感到好奇,为何有些作品能够穿越时空,依然散发出迷人的魅力?这本书通过对沃兴华先生书法风格变化与时代背景的紧密联系,给了我答案。作者并没有回避沃兴华先生在不同历史时期的艺术探索,反而将其视为其艺术成长的重要组成部分。书中对不同时期代表性作品的分析,不仅展示了其书法的演变,更反映了他在时代洪流中的思考和选择。我特别关注书中对沃兴华先生“师承”与“创新”辩证关系的论述。他如何从前人的经典中汲取营养,又如何在继承的基础上,走出一条属于自己的艺术道路,这一点对我启发很大。书中对那些经典碑帖的引用与比较,让我得以看到沃兴华先生深厚的传统功底,以及他如何在掌握传统的基础上,注入自己的理解和创造。这种“厚积薄发”的艺术成长过程,让我对书法学习有了更清晰的认识:基础的扎实是多么重要,而在此之上,个性的表达又显得如此可贵。

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当我翻开《沃兴华书法》,首先映入眼帘的是那封面设计,一种沉静而内敛的气质扑面而来,仿佛隔着纸张,我都能感受到笔尖与纸面摩擦的细微声响。书页的质感也相当考究,微黄的色调,触感温润,不像一些现代印刷品那样过于光滑刺眼,这让我立刻进入了一种阅读古籍般的仪式感。我是一个对书法艺术充满好奇但又略显笨拙的初学者,一直以来,书法对我来说似乎是一个高不可攀的领域,那些行云流水般的线条,变化万千的结构,总让我望而却步。然而,《沃兴华书法》的出现,就像一位循循善诱的良师,以一种极其细腻和友好的方式,引导我一步步探索书法的奥秘。书中对沃兴华先生的书法历程的梳理,与其说是作品的堆砌,不如说是一场穿越时空的对话。我能感受到他在不同时期,面对不同书体,是如何思考、如何实践的。文字的阐述并非空泛的理论,而是结合了具体的字例和创作背景,让我在理解每一笔每一画时,都能触碰到历史的温度和创作者的心跳。我尤其喜欢书中对于他作品中“神采”的解读,作者并没有用过于艰深的术语,而是用朴实而生动的语言,描绘出那些难以言喻的韵味。这种“可感可触”的引导,极大地消除了我对书法艺术的距离感,让我觉得,原来书法不仅仅是技巧的展现,更是一种情感的流露,一种精神的寄托。

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《沃兴华书法》这本书,仿佛是一扇窗,让我得以窥见沃兴华先生那丰富而深邃的艺术世界。我是一个对汉字形态之美有着天然喜爱的人,但长期以来,对于如何欣赏和理解书法,我总觉得隔着一层窗户纸。这本书以一种极为友好的方式,为我揭开了这层神秘的面纱。书中对沃兴华先生书法作品的介绍,不仅展示了作品本身的美,更深入地解析了其背后蕴含的艺术理念和创作过程。我特别欣赏书中对沃兴华先生书法中“笔势”的分析。作者用生动的语言,描绘了每一笔的起承转合,如何如龙蛇起舞,如何如山峦起伏,这些描述让我仿佛亲眼目睹了沃兴华先生创作时的情景。书中对沃兴华先生不同时期作品的对比,让我看到了他艺术风格的不断成熟和升华,这其中既有对传统的尊重,更有对创新的追求。我印象深刻的是,书中提到沃兴华先生在创作时,非常注重“气”的运用,他如何让线条中充满内在的张力,如何让作品散发出一种生动的生命力。这本书也让我开始思考,书法不仅仅是技巧,更是精神的修行。

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《沃兴华书法》这本书,给我的感觉就像一位温厚的长者,在静静地诉说着关于书法艺术的智慧与传承。我是一个对传统文化充满敬畏的现代人,在快节奏的生活中,我常常会感到精神上的浮躁,而翻阅这本书,总能让我沉静下来,回归到内心深处。书中对沃兴华先生书法作品的解读,不仅仅是对笔画、结构、墨色的分析,更重要的是对作品背后精神内核的挖掘。作者用细腻而富有洞察力的语言,描绘了沃兴华先生在创作过程中对“道”的追求。我尤其喜欢书中关于“笔由心生”的阐释。它让我明白,书法艺术的最高境界,是情感与技巧的完美融合,是个人精神世界的外化。书中对沃兴华先生书法作品中“势”的分析,让我看到了线条是如何在运动中形成一种生命的力量,这种力量不仅仅是视觉上的冲击,更是精神上的感染。我发现在许多作品中,沃兴华先生都能在严谨的法度中,透露出一种自由的精神,这种“法随心变”的艺术境界,让我心生向往。这本书为我提供了一个理解书法艺术的新视角,也让我对中国传统文化的魅力有了更深切的体会。

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当我拿到《沃兴华书法》这本书时,一种莫名的亲切感油然而生。我并非书法专业人士,但我一直以来都对中国传统文化怀有深厚的情感,而书法无疑是其中最璀璨的明珠之一。这本书为我打开了一扇通往沃兴华先生艺术世界的大门,让我有机会近距离感受一位当代书法大家的心路历程。书中对沃兴华先生书法作品的介绍,并非仅仅是作品的展示,更重要的是对其创作理念、艺术追求的深入挖掘。我尤其被书中关于“学养”与“功力”关系的论述所吸引。作者指出,沃兴华先生的书法之所以能够达到如此境界,离不开其深厚的文化底蕴和日复一日的勤奋练习。书中对沃兴华先生在不同时期对篆、隶、楷、行、草各种书体的探索和造诣的介绍,让我看到了一个艺术家在艺术道路上不断超越自我的精神。我非常喜欢书中对他书法作品中“拙”与“巧”的辩证处理的分析。他如何在看似不经意的笔画中流露出深厚的功力,又如何在严谨的结构中展现出超凡的灵动,这一点让我对“大巧若拙”有了更深的理解。这本书不仅是欣赏艺术的载体,更是对我自身艺术认知的一次深刻提升。

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