具体描述
有人说一切艺术都倾向音乐，参照自己长期实践的经验我认为言之有理。造型艺术的形式、音乐的韵律、戏曲、舞蹈、诗歌……无不依靠对比、均衡、虚实、空灵等等抽象因素，而所谓音乐的，等于抽象的。抽象，或被认为近乎空灵，其实是艺术不可或缺的潜在载体。 “有意味的形式”，这”意味”是什么呢，是情意，是诗意，是一种难以语言表达的感受。如果没有这”意味”，那么形式美失去了灵魂，空洞了，虽美，却乏味。我对”一切艺术都倾向音乐”的说法不认同了，而感到一切艺术都倾向于诗，诗比音乐深一层内涵，她比形形式式偏官感的抽象美感更富思想深度，拨人心弦。众技皆求归于艺，诗就在艺之堂奥。 我自己作画。一向探索形式之美，但同时竭力追求意境，这是诗与画的邂逅吧，自己并未分析。只是，有画意时作画，而有时，似有灵犀。怀孕了，却并非形式感，是一种难以描画的异种，近乎诗了。我以文字表达这类情思，不知不觉，日积月累，写出了一百几十万字的随笔或散文。常有友人说我这个“名”画家的画他并不完全了了，而对我的文却十二分欣赏，认为胜于我的绘画。 或文或画，一母所生，良知良心一色，见仁见智，当由读者感受。文字的流传比绘画方便快捷，其读者群的扩大，很可能超过绘画，作为双胞胎的母亲，希望生下一双郎才女貌的完美后裔。 湖南美术出版社正在出版我的大型绘画全集，今山东画报出版社又开始出版我的文字全集，男婚女嫁，母亲该心安了。
作者简介
目录信息
读后感
今年五月去上海美术馆看展览时，有吴先生的特展。 看到吴先生将复杂的场景变为简单的点，线，面，颇为激动。 再看到展览中对吴老的简介，摘抄其文章中的一些话。 被吴老先生在文学上的情真意切所打动。 未想到，书未读完，人先去。 今年六月，吴先生长辞于世。 一位将东西文化...
今年五月去上海美术馆看展览时，有吴先生的特展。 看到吴先生将复杂的场景变为简单的点，线，面，颇为激动。 再看到展览中对吴老的简介，摘抄其文章中的一些话。 被吴老先生在文学上的情真意切所打动。 未想到，书未读完，人先去。 今年六月，吴先生长辞于世。 一位将东西文化...
今年五月去上海美术馆看展览时，有吴先生的特展。 看到吴先生将复杂的场景变为简单的点，线，面，颇为激动。 再看到展览中对吴老的简介，摘抄其文章中的一些话。 被吴老先生在文学上的情真意切所打动。 未想到，书未读完，人先去。 今年六月，吴先生长辞于世。 一位将东西文化...
今年五月去上海美术馆看展览时，有吴先生的特展。 看到吴先生将复杂的场景变为简单的点，线，面，颇为激动。 再看到展览中对吴老的简介，摘抄其文章中的一些话。 被吴老先生在文学上的情真意切所打动。 未想到，书未读完，人先去。 今年六月，吴先生长辞于世。 一位将东西文化...
今年五月去上海美术馆看展览时，有吴先生的特展。 看到吴先生将复杂的场景变为简单的点，线，面，颇为激动。 再看到展览中对吴老的简介，摘抄其文章中的一些话。 被吴老先生在文学上的情真意切所打动。 未想到，书未读完，人先去。 今年六月，吴先生长辞于世。 一位将东西文化...
用户评价
《画里阴晴》带给我的，是一种前所未有的阅读体验，它不是一本简单意义上的画册，更不是一本枯燥的艺术史论著，它更像是一本充满诗意与哲思的散文集，只不过，它的“文字”便是那些古老而迷人的画卷。我喜欢作者叙述故事的方式，不疾不徐，却总能抓住最核心的情感和最动人的细节。在阅读关于那幅描绘战场景象的画作时，我仿佛听到了金戈铁马的嘶鸣，感受到了硝烟弥漫的紧张，也看到了战场上士兵们眼神中的恐惧、勇敢以及对家乡的思念。作者并没有回避战争的残酷，而是通过画作的笔触，去捕捉那些转瞬即逝的人性闪光，去思考战争背后更深层次的意义。他并没有直接给出结论，而是引导读者去思考，去感受，去体会。这种“留白”式的表达，正是《画里阴晴》的魅力所在，它尊重读者的独立思考能力，鼓励我们去构建属于自己的理解与感悟。我曾一度认为，艺术作品是独立于时代而存在的，但《画里阴晴》这本书，彻底颠覆了我的这种看法。它让我深刻地认识到，每一幅画作都深深地烙印着它所处的时代背景，承载着那个时代人们的思想观念、价值取向，甚至是他们的恐惧与希望。作者在这方面的洞察力令人惊叹，他总能在看似寻常的画面中，挖掘出不寻常的时代信息，并将之娓娓道来，引人入胜。这本书，让我对“读画”这件事有了全新的认识，它不再只是眼睛的观赏，更是心灵的对话，是灵魂的共鸣。
我一直认为，好的书籍应该能够引发读者的思考，而不是仅仅提供答案。《画里阴晴》在这方面做得尤为出色。作者并没有试图去“标准”地解读每一幅画，而是更多地抛出问题，引导读者去思考，去探索。在解读一幅描绘风雨交加的写意山水画时，作者并没有简单地说这幅画代表了什么，而是询问读者，当面对如此壮阔的自然景象时，我们会有怎样的感受？是敬畏？是渺小？还是对生命力量的赞叹？他甚至会引导读者去思考，在人生的风雨中，我们又该如何自处？这种开放式的解读，让我觉得仿佛置身于一个艺术的论坛，与作者以及其他未曾谋面的读者，共同探讨着艺术的奥秘。书中关于“阴晴”的阐释，也让我受益匪浅。作者认为，“阴晴”是中国文化中一种非常重要的哲学观念，它体现了对自然规律的尊重，对事物发展变化的洞察，以及对人生起伏的通达。他将这种“阴晴”的观念，巧妙地融入到对每一幅画作的解读之中，让读者在欣赏艺术的同时，也能领悟到深刻的人生哲理。这本书，不仅仅是一次艺术的旅行，更是一次心灵的洗礼，一次智慧的启迪。
初次翻开《画里阴晴》这本让我好奇许久的书，就被那副古朴而充满故事感的封面所吸引。我是一个对传统文化和艺术史有着浓厚兴趣的读者，一直以来，我都觉得那些流传下来的古画不仅仅是色彩和线条的堆砌，它们承载着时代的记忆，记录着历史的变迁，更倾诉着无数创作者的情感与哲学思考。《画里阴晴》这本书，恰恰满足了我对深度探索的渴望。作者的笔触细腻而富有穿透力，仿佛穿越了时空，将我置身于那些画作诞生的年代，与画师们一同感受他们的喜怒哀乐，一同品味他们笔下的世界。书中对每一幅画作的解读，都不仅仅停留在技法的层面，更是深入挖掘了其背后的文化语境、社会风貌，甚至画家个人的生活经历和心路历程。我尤其被书中关于一幅描绘江南水乡的仕女图的章节所打动。作者没有简单地赞美画面的柔美，而是细致地分析了画中人物的服饰、妆容、以及她们身处环境的微妙之处，从而推测出那个时代女性的生活状态、社会地位以及她们内心深处的情感追求。这种解读方式，让我看到了隐藏在画面之下的更广阔的历史图景，也让我对“阴晴”这两个字有了更深的理解，原来，艺术作品中的“阴晴”并非仅仅指天气，更是人生百态，是情感的起伏，是时代的悲欢。整本书的阅读体验，就像是与一位饱学多识的智者进行着一场场关于艺术与人生的深度对话，每一次翻页，都仿佛在开启一个新的宝藏，每一次驻足，都能获得新的启迪。它让我重新审视了那些曾经或许只是匆匆一瞥的画作，赋予了它们更鲜活的生命力和更深刻的意义。
《画里阴晴》这本书，最让我感到惊艳的地方在于，它能够将抽象的艺术理论，转化为生动鲜活的故事，将遥远的古代生活，拉近到触手可及的距离。作者的叙述，充满了画面感，仿佛他手中握着一支神笔，轻轻一点，那些沉睡的画作便在他笔下苏醒，一个个生动的人物，一幅幅壮阔的场景，就这样跃然纸上。我特别喜欢书中对中国传统山水画的解读。作者并没有简单地罗列名家名作，而是通过对山水画意境的深入剖析，展现了中国人与自然的独特关系。他会去描绘画中隐士在山间的悠然自得，描绘文人在水边的寄情山水，描绘士大夫在乱世中的避世情怀。这些描绘，都充满了诗意与哲理，让我对中国传统文人的精神世界有了更深的理解。而当作者谈到那些描绘市井生活的画作时，又展现出另一种独特的魅力。他会去描绘热闹的街市，描绘繁华的酒楼，描绘普通百姓的日常生活。这些描绘，真实而鲜活，让我仿佛能听到市井的喧嚣，闻到食物的香气，感受到那个时代的生活气息。这本书，让我看到了中国艺术的包容性与多样性，也让我更加热爱我们璀璨的中华文化。
《画里阴晴》这本书，给我最大的惊喜，莫过于它所展现出的作者对艺术的“深情”。他对待每一幅画，都仿佛对待一位久别重逢的老友，充满了敬意与热爱。他的文字，不是那种冷冰冰的学术分析，而是充满了温度和情感的叙述。我曾被书中关于一幅描绘花鸟的画作所深深打动。那画师用极其细腻的笔触，描绘了一只在枝头婉转歌唱的黄鹂，以及一朵含苞待放的梅花。作者并没有简单地赞美画面的精巧，而是去想象画师在创作这幅画时，心中所怀揣的对自然的喜爱，对生命的热爱。他甚至去揣测画师当时的心情，是在喜悦中挥洒笔墨，还是在孤独中寻求慰藉。这种充满人情味的解读，让我感受到了艺术创作背后那种纯粹的情感力量，也让我更加理解了为什么这些古老的画作能够穿越时空，依然打动人心。书中还穿插了一些作者个人的艺术感悟和生活体验，这些内容，让整本书显得更加丰满和立体。它不仅仅是一本关于艺术的书，更是一本关于人生、关于情感、关于生命的书。它让我看到了，艺术是如何与我们的生活息息相关，是如何丰富着我们的内心世界，是如何引导我们去感受生活的美好与不易。
我向来对那些能将复杂事物解释得通俗易懂，却又不失深度和趣味的作者情有独钟，而《画里阴晴》的作者无疑就是这样一位大师。我不是艺术科班出身，对于一些专业的术语和理论，我常常感到晦涩难懂，但在这本书中，我却从未有过这样的困扰。作者的语言风格非常亲切自然，仿佛一位老朋友在与你分享他心中珍藏的故事。他擅长运用生动的比喻和贴切的类比，将抽象的艺术概念具象化，让我能够轻松地理解画作的构图、色彩、以及其中蕴含的象征意义。例如，在解读一幅描绘文人雅集的画作时，作者没有过多地去分析笔墨技法，而是着重描写了画中人物的神态，他们交流的姿态，以及他们所处的环境氛围，从而勾勒出一幅生动的士大夫生活图景。他甚至会去想象画中人物的对话内容，他们的思想碰撞，他们的生活情趣，让这些静态的画面立刻鲜活起来，充满了生命力。我特别喜欢书中对“留白”艺术的阐释。作者认为，在中国画中，留白并非是“没有”，而是“有”的极致升华，它给予了观者无限的想象空间，也寄托了画家含蓄而深邃的情感。这种解读，让我对中国画的“意境”有了更深刻的领悟，也让我更加欣赏那种“此时无声胜有声”的美学追求。
《画里阴晴》给我最直观的感受，就是它像一场盛大的艺术盛宴，而我，作为一名幸运的宾客，得以近距离地品味每一道精心烹制的“菜肴”。作者的文字，就像是那最精湛的厨艺，将那些原本可能沉寂在博物馆角落的画作，重新焕发出生机与活力。我不是一个能够轻易被感动的人，但读到书中关于一幅描绘离别场景的画作时，我的眼眶却湿润了。那画师用极其细腻的笔触，描绘了一个女子站在渡口，目送远去的船只，她的背影显得那么的孤单，那么的无助。作者并没有直接描写她的内心活动，而是通过对画作细节的解读——例如她紧握的衣角，她微微低垂的头颅，以及她身边随风飘动的柳条——将那种离别的愁绪和思念之情，层层递进地展现在读者面前。这种“不动声色”的叙述方式，却有着摧枯拉朽般的力量，直击人心。书中还穿插了一些关于画作背后鲜为人知的故事，这些故事，有的是关于画师的传奇经历，有的是关于画作的流传轶事，有的是关于画作所引发的社会事件。这些故事，让原本可能显得有些遥远的艺术作品，变得更加真实可感，也更加引人入胜。它让我明白，艺术不仅仅是存在于画布上的，它也存在于人们的生活中，存在于历史的变迁中，存在于每一个讲述它的人的心中。
《画里阴晴》这本书，最让我着迷的地方在于，它不仅仅是关于“画”，更是关于“人”和“生活”。作者在分析每一幅画作时，都会不自觉地将目光投向创作这幅画的人，以及这幅画所描绘的生活。他用充满人情味的笔触，去描绘画师的生活状态，他们的创作灵感来源，他们的情感寄托，甚至他们所处的社会地位和人际关系。我曾被书中关于一位古代宫廷画师的故事深深吸引。这位画师，终其一生都未能画出自己心中真正想要表达的东西，他必须迎合皇室的审美和政治需求，他的才华被束缚在宫墙之内。作者用一种悲悯的笔触，去描绘这位画师内心的挣扎与无奈，让我们感受到了那个时代艺术家所面临的困境。而当作者谈到那些描绘普通百姓生活的画作时，又展现出另一番截然不同的视角。他会去关注画中人物的衣食住行，他们的喜怒哀乐，他们的生活细节，仿佛透过画作，我们能与他们进行一场跨越时空的对话，分享他们的喜悦，分担他们的忧愁。这本书，让我看到了艺术与生活之间密不可分的关系，艺术并非高高在上，而是深深地植根于生活的土壤之中，它源于生活，又反哺生活，为我们的世界增添了更多的色彩与温度。
我原本以为，对于一本探讨艺术的书籍，我会需要大量的背景知识才能阅读，但《画里阴晴》的出现，彻底打消了我的顾虑。作者的叙述方式非常“非线性”，他并不拘泥于严格的时间顺序或艺术流派的划分，而是选择了一种更为自由和感性的方式来组织内容。他会从一幅画联想到另一幅画，从一个时代的情感转向另一个时代的心境，这种跳跃式的叙述，反而让阅读过程充满了惊喜与探索的乐趣。我尤其喜欢书中将不同时代、不同风格的画作进行对比解读的章节。作者能够从中找到共性，也能发现差异，并通过这种对比，展现出艺术发展的脉络和人类情感的共通性。例如，他会对比描写山水的画作，从宋代的苍劲雄浑，到元代的淡雅疏朗，再到明清的工整华丽，他不仅分析了风格上的演变，更解读了这种演变背后所折射出的时代精神和士人情怀。这种宏观的视角，让我对中国艺术史有了更清晰的脉络感，也让我更深刻地理解了“阴晴”二字在不同历史时期所代表的文化意涵。这本书，就像是一个巨大的万花筒，每一次转动，都能呈现出令人目不暇接的美丽画面，每一次凝视，都能发现隐藏在其中的深刻寓意。
第一次读到《画里阴晴》这本书，就被其独特的视角和深入的解读所吸引。我一直认为，解读艺术作品，最重要的是要理解创作者所处的时代背景和文化语境，而这本书恰恰在这方面做得非常出色。作者并没有孤立地看待每一幅画，而是将它们置于历史的长河中，去考察它们是如何产生的，又如何影响着后世。他会去追溯一幅画的渊源，去分析它与其他画作之间的联系，去探讨它所代表的时代思潮。我尤其被书中关于一幅描绘历史事件的画作的章节所打动。作者并没有仅仅停留在对画面的描绘，而是深入挖掘了画作背后的历史真相，揭示了画师在创作过程中所面临的政治压力和个人选择。这种解读方式，让我看到了艺术作品不仅仅是美的载体，更是历史的见证，是思想的载体，甚至是政治的隐喻。这本书，让我对“读画”这件事有了更深刻的认识，它不再仅仅是视觉的欣赏，更是历史的追溯，是文化的探寻，是思想的碰撞。每一次翻阅，都仿佛在进行一场穿越时空的对话，与古人进行着思想的交流。
把自己感受讲得很好，荐！
他画中的的构成曾经对我的设计有许多帮助，愿他在天堂能继续画画。
··
2006年8月第1版， 2006年8月第1次印刷。
大二
