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出版者:中国少年儿童出版社

作者:郝怀明

出品人:

页数:282

译者:

出版时间:2006-8

价格:12.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787500779216

丛书系列:

图书标签:

• 徐悲鸿
• 绘画
• 艺术
• 中国美术
• 历史
• 文化
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• 传记
• 艺术作品

《徐悲鸿》 卷一：翰墨流芳，悲鸿之初 在中国绘画的宏大画卷中，徐悲鸿的名字犹如一颗璀璨的明星，光芒万丈，照耀古今。他不仅仅是一位杰出的画家，更是中国现代美术教育的奠基人，一位以笔墨为武器，以艺术为旗帜，唤醒民族精神的伟大战士。本书，将带领读者一同走进徐悲鸿先生波澜壮阔的一生，从他的呱呱坠地，到他艺术生涯的每一个重要节点，细致描绘这位中国现代绘画史上的巨匠，是如何以其独特的艺术语言和坚定的教育理念，深刻地影响了中国画坛的走向。 徐悲鸿，1895年出生于江苏宜兴一个贫寒的书香之家。父徐达章，是一位颇有造诣的民间画家，家传的绘画技艺，为徐悲鸿打下了扎实的童子功。在父辈的熏陶下，他自幼便显露出过人的绘画天赋，临摹名家画作，对山水、花鸟、人物无不涉猎。然而，贫困的家境，使得他的童年和少年时期，充满了艰辛与磨砺。但他对艺术的执着，却如同寒冬中的梅花，愈发傲骨铮铮。 随着年龄的增长，徐悲鸿对传统的中国画技法有了更深刻的理解，但也开始感受到其局限性。在那个风雨飘摇的时代，古老的国画似乎已难以应对西方文化的冲击，也无法真实地反映现实社会的苦难与变革。年轻的徐悲鸿，内心涌动着一股强烈的改革冲动，他渴望将中国画推向一个新的高度，让它重新焕发生机，与世界艺术对话。 1915年，20岁的徐悲鸿远赴上海，开始了他更为广阔的艺术探索之路。在上海，他接触了大量西方艺术品，深入研究素描、油画等西方绘画技法。他对西方古典主义绘画大师的作品，尤其是对透视、解剖、光影的严谨处理，深感震撼。他认识到，将西方写实主义的科学性和严谨性融入中国画，是提升中国画表现力，使其更具时代感和现实意义的关键。 1919年，徐悲鸿怀揣着学习西方艺术的梦想，获得了官费留法的机会。在巴黎美术学院，他如饥似渴地学习，在埃塞尔·弗拉芒（Emmanuel Frémiet）等名师门下深造。他刻苦钻研解剖学，反复临摹古典名作，他的素描功底日渐精湛，油画技艺也炉火纯青。然而，他从未忘记自己的根，从未放弃对中国传统艺术的热爱。他在学习西方技法的同时，也时刻关注着中国文化的发展，关注着民族的命运。 在留法期间，徐悲鸿结识了许多志同道合的艺术家和文化界人士，其中包括著名的艺术评论家、收藏家，以及后来的夫人蒋碧薇。这段经历，不仅在艺术上给予他巨大的启迪，也在思想上让他更加成熟。他开始深刻思考中国艺术的未来，如何才能在吸收外来优秀文化的同时，保持民族特色，如何才能用艺术的力量，来服务于民族的复兴。 卷二：东西荟萃，艺术革新 徐悲鸿在欧洲的求学经历，并非简单的技术模仿，而是深刻的理解与融合。他看到了西方写实主义在表现现实、刻画人物方面的强大力量，也认识到中国传统绘画在写意精神、笔墨韵味上的独特魅力。他坚信，未来的中国画，应该是一条融合东西方艺术精髓的道路，既要有西方艺术的科学精神，又要有中国传统艺术的民族魂魄。 1927年，徐悲鸿学成归国，怀揣着改造中国画坛的宏图壮志。他深知，要实现艺术的革新，仅仅靠个人的创作是远远不够的，必须从教育入手，培养新一代的艺术家，让他们掌握新的艺术理念和技法。 回国后，他先后在国立中央大学艺术系、北平艺术专科学校（后来的中央美术学院）等高等学府任教。他大刀阔斧地改革教学内容，将素描、人体写生、油画等西方写实主义的训练方法引入中国画教学体系。他提倡“为人生而艺术”，反对脱离现实的“文人画”和小打小闹的“趣味画”，强调艺术应反映社会现实，表达真挚的情感，服务于人民。 在教学过程中，徐悲鸿极其重视基础训练。他曾说过：“素描是造型艺术的根基。”他要求学生们扎扎实实地练习素描，从线条、明暗、透视，到结构、形体，一丝不苟。他鼓励学生们走出画室，深入生活，观察自然，写生对象，积累素材。同时，他也并未放弃对中国传统绘画的尊重，而是将其与西方写实技法相结合，探索新的表现形式。 徐悲鸿的艺术思想，体现在他的绘画创作中，更是淋漓尽致。他创作了大量以现实生活为题材的作品，如《愚公移山》、《田横五百士》、《九方皋》、《立即相马》等。这些作品，构图宏大，人物形象生动，情感饱满，深刻地反映了中华民族不屈不挠、奋发图强的精神。他画的马，更是闻名遐迩，奔腾的骏马，充满了力量和生命力，成为他个人艺术风格的标志性符号，象征着民族的崛起和希望。 他的油画作品，如《印度妇人》、《箫声》等，也展现了他扎实的造型功底和细腻的情感表达能力。他将中国传统文化的意境，与西方油画的写实技巧巧妙地结合，创造出一种独特的艺术风格。 然而，徐悲鸿的艺术革新之路，并非一帆风顺。他大胆的教学理念和创作风格，在当时的中国画坛引起了巨大的争议。一些保守的传统画家，指责他“崇洋媚外”，“背叛国粹”。但他从未退缩，始终坚定自己的信念，用自己的作品和教学，来证明他的艺术道路是正确的，是符合时代发展的。 卷三：桃李芬芳，教育宏业 徐悲鸿之所以被誉为中国现代美术教育的奠基人，不仅仅在于他高超的艺术造诣，更在于他为中国美术事业培养了大批杰出的艺术人才。他的一生，致力于教育事业，将毕生的精力投入到培养下一代艺术家身上。 他在国立中央大学艺术系、北平艺术专科学校等院校任教期间，呕心沥血，诲人不倦。他不仅传授绘画技艺，更注重学生思想品德的培养，引导他们树立正确的人生观和艺术观。他经常教导学生，要“为人而艺术”，要“深入生活，服务人民”。 在北平艺专，徐悲鸿推行“教学相长”的理念。他鼓励学生大胆创新，勇于探索，也愿意虚心听取学生的意见。他打破师道尊严的传统观念，与学生平等交流，共同进步。在他的悉心指导下，北平艺专培养出了一大批在中国美术史上占据重要地位的艺术家，如吴作人、李可染、艾中信、董希文等，他们后来都成为了中国画坛的中坚力量，并将徐悲鸿的艺术思想和教育理念发扬光大。 徐悲鸿对学生的要求非常严格，但他的关怀更是无微不至。他关心学生的学习生活，了解他们的困难，并尽力帮助他们。他曾多次利用自己的积蓄，为贫困学生提供资助，让他们能够安心学习。他的爱才之心，深深地感染着每一位学生，也赢得了他们由衷的敬佩。 除了在国内任教，徐悲鸿还积极参与国际艺术交流。他曾多次出国展览，介绍中国艺术，也学习借鉴世界各国的艺术经验。他相信，只有与世界对话，中国艺术才能获得更广阔的发展空间。 徐悲鸿的艺术和教育思想，对中国美术产生了深远的影响。他所倡导的“写实主义”，为中国美术的发展指明了方向，也为中国画的现代化注入了新的活力。他所开创的美术教育模式，至今仍在影响着中国的美术教育体系。 1953年，徐悲鸿先生因病逝世，但他留下的艺术遗产和教育思想，却如同一座不朽的丰碑，永远矗立在中国美术史的长河中。他的名字，已经成为中国现代艺术的象征，激励着一代又一代的艺术家，为中国美术的繁荣和发展而奋斗。 本书，旨在通过对徐悲鸿先生一生事迹的细致梳理和深入挖掘，展现这位艺术巨匠的传奇人生，以及他为中国美术事业所做出的不可磨灭的贡献。我们希望通过文字的力量，将这位伟大的艺术家、教育家，永远铭刻在读者的心中。

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我得说，这本书的学术严谨度达到了令人赞叹的程度。它的参考文献列表和注释部分简直是教科书级别的典范。每一处关键论断的提出，背后都有扎实的史料支撑，那些看似信手拈来的观点，实则是经过了无数次考证和比对的结果。我特意去查阅了其中一处关于某个画展记录的引用，发现其标注的原始出处清晰明确，连页码都精确无误。这种对细节的苛求，极大地增强了全书的说服力和可信度。对于任何希望进行严肃艺术研究的读者而言，这本书无疑是一座宝库，它提供的不仅仅是结论，更是研究的方法论示范。即便是那些看似次要的配图说明，也往往蕴含着重要的考证信息，绝无敷衍了事之处。这样的治学态度，在如今快餐式的出版潮流中，显得尤为珍贵和可敬。它让读者确信，自己正在阅读的是一份值得信赖的、经得起时间检验的严肃著作。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳中透着典雅的气质，光是捧在手里就能感受到一种对艺术的敬畏。纸张的选择也非常考究，厚实而富有质感，使得内页的印刷效果达到了一个极高的水准。尤其是那些大幅的画作复制品，色彩的还原度简直令人惊叹，仿佛原作就悬挂在眼前，细节之处的笔触和墨韵都清晰可见，让人忍不住想要伸手去触摸那些线条的生命力。我特别喜欢它在版式编排上的用心，图文的穿插布局非常自然流畅，既保证了视觉的饱满，又不会显得拥挤杂乱。有些跨页的大图展示，魄力十足，将艺术家的创作气势完全烘托了出来。即便是那些早期的素描练习，也被赋予了一种庄重的美感，丝毫没有因为其“练习”的性质而被轻视。这不仅仅是一本简单的画册或传记，更像是一件精心打磨的艺术品，从封面到扉页，每一个细节都透露出编纂者对主题人物的深刻理解和无尽的敬意。可以说，光是作为家居陈设的一部分，它就已经极大地提升了空间的艺术品位，更别提其内在的文化价值了。

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我花了整整一个下午，沉浸在这本关于二十世纪中国画坛巨匠的深度解读之中，那种感觉，就像是跟随一位博学的向导，穿梭于一条条错综复杂的艺术史脉络里。作者的叙述视角非常独特，他没有采用那种平铺直叙的流水账式编年史，而是巧妙地构建了几个关键性的“冲突点”和“转型期”，以此来剖析艺术家是如何在传统与现代、东方与西方的巨大张力中，锻造出独树一帜的个人风格的。书中对某一时期留法经历的分析尤为精辟，不仅细致描摹了当时巴黎艺术圈的生态，更深入探讨了西方学院派写实主义对创作者思维模式的根本性冲击与重塑。尤其值得称道的是，对于那些常常被忽略的学术思想的探讨，比如他对“骨法用笔”在现代语境下的重新诠释，那段文字的逻辑推演严密，论据充分，让一个原本感觉抽象的概念变得鲜活而可把握。读完后，我对这位艺术大师的理解，不再仅仅停留在那些耳熟能详的作品表象，而是深入到了其创作哲学和文化担当的深层结构之中。

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这本书的行文风格，简直像是一首由优美散文谱写的交响乐。语言的驾驭能力高超到令人惊叹，它在保持高度信息密度的同时，居然能做到阅读过程中的极致愉悦。作者的句式变化丰富多端，时而如长河奔流般一泻千里，将复杂的历史背景娓娓道来；时而又如精雕细琢的宝石，用凝练精准的词语捕捉住某个瞬间的艺术精髓。例如，当描述一幅作品中人物的眼神时，所用的比喻和形容词既古典又新颖，完全避开了陈词滥调。这种对文字本身美感的追求，使得阅读体验充满了文学上的享受。我常常需要停下来，不是因为理解上的困难，而是因为某个绝妙的措辞或精妙的比喻，让我忍不住要回味再三，甚至需要摘抄下来。它成功地将枯燥的史实叙述，转化成了一种高雅的审美体验，让读者在学习知识的同时，也进行了一次纯粹的语言艺术的熏陶。

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这本书给我最大的触动，来自于它对艺术家个人心路历程中那些微妙情绪的捕捉与描摹。它摒弃了神化人物的倾向，转而呈现了一个有血有肉、充满挣扎与坚持的形象。比如，书中详细记录了他在某个特定历史阶段所面临的巨大社会压力，以及这种压力如何体现在他晚年作品中那种近乎悲壮的力度和对理想的执着追求。我读到其中一段关于他晚年对“时代的责任”的思考时，手中的书几乎拿不稳，那种跨越时空的共鸣感是如此强烈。作者运用了大量的书信、日记片段以及同期人物的回忆，使得叙事极具现场感和代入感。这些第一手资料的穿插，如同无数个闪烁的切片，共同拼凑出了一个复杂、立体、充满矛盾却又无比坚韧的灵魂肖像。这不仅仅是艺术史的记录，更是一部关于知识分子如何在时代洪流中坚守自我价值的微型史诗，读来令人唏嘘，也备受鼓舞。

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