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出版者:Victoria & Albert Museum

作者:Cotton, Charlotte (EDT)/ Verthime, Shelly (EDT)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-05-01

价格:USD 55.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780810966055

丛书系列:

图书标签:

• photography
• master
• 外国画册
• 时尚摄影
• Guy Bourdin
• 摄影集
• 艺术画册
• 时尚
• 摄影
• 艺术
• 视觉艺术
• 20世纪摄影
• 法国摄影

时尚摄影的隐秘史诗：探索色彩、欲望与失序的边界 本书并非关于盖·波丹（Guy Bourdin）的摄影集，而是对一个特定时代——20世纪中后期——时尚摄影美学和文化转向的深度剖析。它聚焦于那些在光影与布景之间，悄然构建起一个关于现代性、消费主义和潜意识欲望的视觉叙事体系的摄影师群体。通过对多位关键艺术家的作品、创作背景以及他们所处的时代语境进行细致入微的考察，我们得以揭示一个更为广阔的图像生态，一个比任何单一摄影师的风格所能涵盖的范围都要宏大、复杂且充满张力的世界。 第一部分：战后繁荣与摄影语言的重塑 (1950s – 1960s) 二战结束后的欧洲和北美，伴随着经济的复苏，时尚界迎来了一场前所未有的变革。传统的、强调优雅和贵族气质的摄影风格开始受到挑战。本部分将从战后初期广告摄影的转型入手，探讨摄影师们如何开始运用更具戏剧性、更具电影感的布景和光线来描绘新兴的中产阶级审美。 我们首先关注那些在《时尚芭莎》（Harper's Bazaar）和《Vogue》等顶级杂志中崭露头角的先驱者。他们不再仅仅是记录服装的工具，而是开始将模特的身体、环境的氛围与服装设计融为一体，创造出具有强烈叙事张力的“场景”。例如，对场景中道具的精心挑选——那些带有特定时代烙印的汽车、建筑细节或室内装饰——如何暗示着一种特定的社会地位和生活方式。研究将深入探讨如何利用高对比度的黑白摄影，捕捉人物面部表情中的微妙焦虑或强烈的自信，这与战前那种相对温和的肖像风格形成了鲜明对比。 此阶段的重点在于“设置”（Staging）的艺术。摄影师们开始意识到，一张成功的时尚照片不仅仅关乎衣物本身，更关乎它所承载的幻想。我们将分析几位关键摄影师如何利用自然光与人工光的复杂互动，制造出一种既真实又超脱现实的视觉效果，为后来的超现实主义时尚摄影奠定了基础。 第二部分：超现实主义的渗透与色彩的革命 (1960s – 1970s) 随着文化思潮的激进变化，时尚摄影的审美开始偏离传统的“美”的标准，转而拥抱更具挑衅性、更具心理深度的表达。这一时期的摄影师们不再满足于对服装的纯粹美化，他们开始将潜意识理论、波普艺术的平面化处理以及电影中的暴力美学引入商业摄影。 本部分将详细分析色彩在时尚图像中的解放过程。从早期的饱和度极高的胶片运用，到对特定色调组合的偏执追求，色彩不再是装饰，而是传达情绪和语境的核心元素。我们将研究那些在户外、在非传统地点（如废弃工厂、偏僻公路）进行的拍摄，这些环境的选择本身就是对传统摄影棚内精致布景的颠覆。 更重要的是，本部分将考察“叙事断裂”的运用。许多作品中出现了看似毫无逻辑的元素并置：一个穿着高定礼服的模特出现在一个荒凉的加油站，或者一个日常的动作被置于极其夸张的姿态之下。这种视觉上的“失序”并非偶然，而是对当时社会对既有秩序的反叛情绪的捕捉。通过分析几组具有里程碑意义的系列作品，我们可以看到摄影师是如何巧妙地利用模特的眼神和肢体语言，在观众与被摄对象之间建立起一种既吸引人又保持距离的紧张关系。这种关系，深刻地影响了后来的广告叙事。 第三部分：叙事模糊与商业艺术的融合 (1970s – 1980s) 进入七十年代末和八十年代初，时尚摄影达到了一个复杂而成熟的阶段。一方面，商业需求要求图像必须具有即时的、强烈的冲击力以抢占有限的读者注意力；另一方面，摄影师们坚持将个人艺术表达融入其中，模糊了艺术与商业的界限。 我们将重点探讨“环境叙事”的深化。此时的摄影师们极大地依赖于环境的选择来讲述一个完整的（尽管往往是开放式的）故事。例如，对豪华轿车内部、异国情调的酒店套房，或是特定年代风格的室内装饰的细致描绘，都服务于构建一个关于“奢华”的复杂定义。然而，这种奢华往往被刻意处理得略显粗糙或带有某种颓废感，暗示着光鲜表面之下的某种空虚或不安。 本部分还将分析构图的演变。更频繁地出现大幅面的、几乎占据整页的特写镜头，迫使观众面对模特的形象，挑战了传统上以展示服装整体轮廓为主的构图习惯。同时，镜头的运用也变得更加大胆，包括低角度的仰视和高角度的俯视，这些都服务于重塑观看者与被观看者之间的权力动态。我们还将考察这些图像如何在当时关于女性主义、消费主义批判的社会讨论中占据一席之地，成为解读现代都市生活的视觉文本。 第四部分：风格的遗产与后现代的映射 最终，本书旨在通过审视这些图像背后的技术、哲学和文化驱动力，来理解它们如何共同构建了我们今天所理解的“时尚摄影史”。这些作品之所以经久不衰，并非仅仅因为它们的美学力量，更是因为它们成功地捕捉并固化了某种特定的“现代焦虑”——关于身份的构建、欲望的追逐，以及在快速变化的消费文化中不断流动的自我感知。 通过对这些非特定艺术家的风格、技法和时代背景的交叉分析，读者将获得一个关于20世纪后半叶视觉文化如何被重塑的全面视角，理解摄影如何从一个记录工具，蜕变为一种强有力的、具有颠覆性的艺术表达形式。这份探索无关某一个人的名字，而在于那股推动图像走向更深、更暗、更具诱惑力的集体力量。

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翻开这本书，我立刻被那种强烈的、近乎令人眩晕的视觉冲击力攫住了。这根本不是给那些追求“小清新”或者“自然光”摄影爱好者准备的“心灵鸡汤”。它更像是一剂强效的、需要被严格控制剂量的视觉兴奋剂。作者对于光影的掌控，简直到了炉火纯青的地步，那种硬朗的、戏剧性的布光，在最不经意的地方创造出了深刻的阴影和高光对比，让整个画面拥有了一种雕塑般的立体感和永恒感。我特别留意了构图的处理，那些水平线、垂直线的打破与重组，以及对透视关系的玩弄，都显示出一种近乎偏执的几何学上的追求。这不是随意的抓拍，而是一系列精确计算后的结果。最让我着迷的是，它成功地将极端的商业需求（推销产品）与深刻的个人表达（艺术家的视角）完美地融合在了一起。它告诉你，华丽和颓废、优雅和粗粝，完全可以共存于同一个画面之中，而且是相互成就。很多页面的处理，让人联想到经典电影中的某个瞬间，它不是在记录现实，而是在创造一种更浓缩、更纯粹的“现实感”。阅读这本书的过程，与其说是看照片，不如说是在进行一场关于“观看”本身的哲学思辨。

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这部作品，我得说，它就像一把锋利的解剖刀，直接切开了我们对“时尚摄影”这个词汇的所有刻板印象。它不是那种温文尔雅、只顾着展示衣物多么精美华丽的画册，恰恰相反，它充满了令人不安的美感和一种近乎病态的精致。每一次翻页，都像走进了一个精心布置的剧场，但舞台上的演员们却在进行着某种心照不宣的、充满张力的表演。色彩的运用简直是教科书级别的，那些高饱和度的红、蓝、黄，不是用来取悦眼睛的，而是用来刺痛和唤醒你的感官。你能在画面中捕捉到一种强烈的叙事感，尽管故事本身是模糊不清的，充满了潜台词和暧昧的暗示。那些模特的姿态，总是带着一种疏离和挑衅，仿佛她们知道的比镜头后的观看者多得多。我尤其欣赏它对环境的构建，那些看似日常的场景——一个空旷的泳池边、一辆停在路边的汽车里、或者是一间铺着地毯的房间——都被赋予了一种超现实的、近乎电影布景般的戏剧性。这哪里是单纯的商业摄影？这分明是在用光影和构图，探讨欲望、隔离以及现代都市生活的某种荒谬性。看完之后，你不会觉得“哇，这件衣服真好看”，而是会陷入沉思：“我刚才到底看到了什么？” 这种让人回味无穷的、略带压抑的美感，正是这部作品最迷人的地方。

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坦白讲，这本书初看之下，可能会让一些人感到不适，甚至可以说是有些冒犯性。它拒绝提供任何简单的答案或舒适的解读空间。如果你期待看到的是那种阳光明媚、模特笑靥如花的标准时尚大片，那你注定要失望。这里的世界是阴冷的、疏远的，充斥着一种难以言喻的紧张感，仿佛在每一个精致的画面背后，都潜藏着某种即将爆发的冲突。那些色彩，不再是柔和的调色盘，而是成了尖锐的符号，例如，那种近乎血腥的红色与冷峻的蓝色并置时产生的化学反应，让人不自觉地屏住呼吸。我发现自己不断地去研究模特的眼神——那种空洞、迷离、或是充满探询的目光，它们似乎在挑战观看者，质疑我们审美的标准和道德的界限。这本书的排版设计也极具野心，不同尺寸、不同主题的照片被巧妙地安排在一起，形成了一种节奏感，时而急促，时而悠长。它像是一部无声的默片，用极简的元素讲述着复杂的人性困境。对于那些习惯了被动接受视觉信息的读者来说，这本书无疑是一次强有力的“唤醒”之旅。

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读完这本作品集，我不得不承认，它彻底颠覆了我对摄影艺术与商业界限的固有认知。它不像是一本为市场妥协的作品集，而更像是艺术家在面对商业命题时，一次酣畅淋漓的、近乎任性的个人表达。它最大的魅力在于那种不动声色的挑衅，那种对既定规则的公然漠视。色彩的使用是如此的大胆和精准，仿佛每一张照片都有一个属于自己的专属色谱，强烈的色彩碰撞不再是为了吸引眼球，而是在构建一种更深层次的情感共振。我注意到，作者非常钟爱那些富有暗示性的、模糊了现实与梦境边界的场景，这使得观看过程充满了猜谜的乐趣，同时也带来了智力上的挑战。模特的呈现，绝非传统的“美丽”，而是一种被精心雕琢过的人造魅力，这种魅力带着一种致命的吸引力，让你明知其虚假，却又深陷其中无法自拔。这本书不是“好看”就能概括的，它更像是一次对视觉语言极限的探索，一次对现代社会浮华与空虚的犀利剖析，绝对是值得反复品味的重量级作品。

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当我把这本书合上时，我感受到的不是满足，而是一种奇妙的“视觉饥渴”。这绝对不是那种看完就可以束之高阁的装饰性画册，它像是一本需要反复咀嚼和研究的视觉词典。它的力量在于，它敢于直视那些被主流审美所刻意回避的东西——不安、欲望的阴暗面、以及精心维护的表象之下的脆弱。摄影师对于场景的调度达到了近乎舞台导演的级别，每一个道具、每一个角度，似乎都经过了深思熟虑，用以烘托那种特有的、被夸张放大的戏剧张力。我特别喜欢它处理“空间”的方式，无论是封闭的室内还是广阔的室外，都仿佛被某种无形的力量压缩或拉伸了，形成了一种扭曲的美学。那些服装和配饰，与其说是被展示，不如说是被融入到这种氛围中，成为叙事的一部分，而不是主角。这本书的价值在于它提供了一种全新的观察世界的“滤镜”，它教会你如何从司空见惯的场景中，提取出最具有冲击力和原创性的视觉元素。

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不仅是画册，后面的论文详细介绍了他的历程。

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