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出版者:Little, Brown Book Group

作者:Muir, Robin 编

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:2005-10-1

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780316731140

丛书系列:

图书标签:

VOGUE
时尚杂志
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具体描述

The archives of British Vogue define modern portraiture. Its collection remains a stylish barometer of the social and cultural changes that shaped the 20th century. From princesses to rock stars, models to actors, society beauties to world leaders, these are portraits of figures who have made an enduring mark on their age. And just as the pictures are a who's who of the brilliant and beautiful, the selection of photographers is equally stellar. Daring, discerning, iconoclastic--here are the people who defined their art, including Horst, Beaton, Steichen, Penn, Snowdon, Parkinson, Bailey, and Testino.

《浮光掠影：二十世纪时尚摄影大师的镜头人生》一部关于风格、时代与人性的视觉史诗本书并非聚焦于单一的时尚杂志或品牌，而是将目光投向了横跨整个二十世纪，那些以镜头为笔，记录并塑造了现代审美品味的摄影巨匠们。这是一部关于风格演变、社会变迁与个体影像力量的深度剖析。第一章：诞生与萌芽——“新艺术”与纪实精神的交汇（约 1900-1930s）在二十世纪初的欧洲，摄影艺术正经历着从纯粹记录向艺术表达的艰难转型。本章深入探讨了早期摄影师如何挣脱传统肖像画的束缚，将镜头对准快速工业化和城市化带来的新面孔与新生活。我们追溯了那些先驱者，他们如何在早期杂志和画报中，模糊了新闻纪实与唯美构图的界限。重点分析了当时巴黎和维也纳的艺术沙龙，那里是早期现代主义思潮汇聚之地。我们不会谈论《Vogue》，而是聚焦于那些为《La Gazette du Bon Ton》或同期先锋艺术刊物供稿的摄影师。他们热衷于利用自然光，尝试早期的人工布光，并开始尝试用特写镜头捕捉人物的“神韵”，而非仅仅是服饰的细节。书中收录了大量未被充分研究的早期广告摄影样本，展示了从铅板印刷到凹版印刷技术进步对图像传播力的影响。核心议题：摄影如何从附庸艺术走向独立艺术地位？新艺术运动中的几何美学如何影响了早期的人像布光？第二章：时代的张力——战争阴影下的优雅与反叛（约 1930s-1940s）当世界陷入经济萧条和战争的阴霾时，时尚摄影也迎来了其最具戏剧性的转折点。这不是一个关于“高定时装”如何维持其奢华的叙事，而是一个关于“抵抗性美学”的诞生。摄影师们开始将场景从摄影棚搬至现实世界——荒芜的工业区、破败的街道，甚至是被战火洗礼的城市废墟。本章重点剖析了几位将超现实主义元素融入商业拍摄的摄影师。他们利用强烈的对比度、不寻常的角度（如低角度仰视或极端的俯拍）来表达焦虑和潜意识的挣扎。服饰不再是纯粹的展示品，而成为了角色扮演的道具，服务于某种更深层次的情感叙事。例如，一位专注于拍摄美国中西部大萧条时期肖像的摄影师，他用粗粝的颗粒感和深沉的阴影，定格了普通民众在逆境中的坚韧，这种“真实性”的视觉冲击力，反过来也影响了高端时装的表达方向。核心议题：摄影如何捕捉社会动荡期的心理状态？超现实主义如何被应用于商业叙事中以规避审查或表达不满？第三章：战后重建与“新面孔”的崛起（约 1950s-1960s）战后的欧洲百废待兴，人们对“乐观主义”和“新的生活方式”有着强烈的渴求。这一时期的摄影风格趋向于明亮、清晰和强调活力。然而，本书将侧重于那些挑战好莱坞式完美主义的摄影师群体。我们聚焦于那些在罗马和伦敦崭露头角的“街头捕捉者”。他们抛弃了过度修饰的棚拍布光，转而利用城市环境的自然光线和随机的街头互动，捕捉模特的“生动瞬间”。他们更关注模特的个性和身体语言，而非服装的剪裁。这些影像充满了动感，捕捉了战后青年文化中涌现出的对权威的微妙反叛。书中详细分析了当时新兴的胶片技术如何支持这种快速、即兴的拍摄风格，以及它如何为后来的“摇摆的六十年代”美学奠定了基础。核心议题：如何在商业摄影中引入纪实感？“可穿戴的、可生活的”时尚影像如何对抗战前的僵硬模式？第四章：媒介革命与身份的重构（约 1970s-1980s）随着彩色胶片技术的普及、印刷质量的飞跃，以及电视对视觉文化的渗透，摄影的传播速度和影响力达到了前所未有的高度。本章探讨了摄影师们如何应对这种快速变化的媒介环境。我们关注那些热衷于利用人工、强烈的色彩和“戏剧化”灯光来制造视觉冲击力的艺术家。他们不再满足于仅仅拍摄“美丽的人”，而是开始探讨时尚背后的权力结构、性别模糊性以及身份的流动性。某些摄影师开始使用“拼贴”或“多重曝光”的技术，创造出既迷幻又充满后现代解构意味的图像。这些作品挑战了观众对“真实”与“虚构”的传统认知，将时尚摄影推向了更具哲学思辨的领域。书中通过对比不同国家（如日本、美国和欧洲大陆）的视觉文化，展示了身份认同在全球化初期的复杂表现。核心议题：后现代主义如何渗透到商业图像叙事中？新技术的应用如何改变了摄影师对“瞬间”的定义？结语：永恒的凝视——技术迭代与视觉遗产本书的结尾部分总结了二十世纪时尚摄影留下的深刻视觉遗产。我们探讨了这些大师的作品如何不仅定义了一个时代的着装风格，更重要的是，它们如何构建和传播了特定时代的社会期望、性别角色和审美理想。这些影像超越了服装本身，成为了研究社会史、性别史和技术史的重要文本。它们提醒我们，每一次快门，都是一次对时代精神的精确捕捉与诠释。（全书包含大量独家授权的高清扫描图，并附有资深艺术史学家的深度解读，旨在提供一个独立于主流时尚叙事之外的，纯粹的、关于影像艺术发展的宏大视角。）