怎样画古装人物 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:第1版 (2003年7月1日)

作者:徐永生

出品人:

页数:44

译者:

出版时间:2003-7

价格:19.50元

装帧:平装

isbn号码:9787533017842

丛书系列:

图书标签:

• jhjhjhjh
• 绘画
• 古装
• 人物
• 技法
• 教程
• 插画
• 漫画
• 服装
• 造型
• 艺术

《墨韵千载：古风人物绘事录》 引子：穿越时空的画笔，勾勒盛世风华 历史的长河中，中华文明以其璀璨的服饰文化、跌宕起伏的传说故事，以及无数风姿绰约的人物形象，为后世留下了宝贵的精神财富。从秦汉的雄浑庄重，到唐宋的雍容华贵，再到明清的精致典雅，不同时代的古装人物，不仅是历史的见证，更是东方审美情趣的集中体现。本书，并非一本枯燥的技术教程，而是一场穿越时空的绘画之旅，旨在带领您拾起画笔，用墨色与线条，重现那些活在史书、诗词、戏曲中的绝代风华。我们将一同探索古装人物的艺术魅力，领略其背后深厚的文化底蕴，并尝试用现代的绘画语言，赋予它们鲜活的生命。 第一章：溯源而上，解码古装的时代密码 要画好古装人物，首先要对中国古代的服饰文化有所了解。本章将带领读者“穿越”回不同的朝代，细致解析各时代的代表性服饰特点。 秦汉：古朴与礼制交织的时代 服饰特征： 深衣、曲裾、直裾的演变，汉代袍服的宽袖博带，以及对等级制度的严谨体现。我们不仅会关注袍服的廓形，还会深入研究其袖口、领口、衣襟的设计细节，以及不同身份人物在服装上的细微差别。 配饰与发型： 玉佩、冠帽、发簪的形制，以及当时流行的发髻样式，如垂髻、螺髻等。理解这些细节，能让人物形象更加真实可信。 人物气质： 秦汉时期的人物，往往带有刚毅、沉稳、庄重之感，无论是在描绘帝王将相，还是普通士人，都应捕捉这种内敛而强大的气场。 魏晋南北朝：风骨与飘逸的时代 服饰特征： 受玄学影响，服饰趋向宽袍大袖，追求飘逸洒脱之感。我们将重点描绘士族阶层的宽袖长袍，以及女性服饰上的轻盈飘逸。 发型与妆容： 飞仙髻、堕马髻等富于变化的女性发型，以及淡雅自然的妆容。 人物气质： 这一时期的文人雅士，气质独特，追求“魏晋风度”，绘画时要捕捉其超凡脱俗、遗世独立的精神面貌。 隋唐：开放与自信的盛世华章 服饰特征： 开放包容的唐朝，服饰色彩鲜艳，款式多样。女性的襦裙、半臂、披帛，男性的圆领袍衫，以及胡服的流行。我们将深入研究唐代服装的层次感、色彩搭配，以及对异域文化的融合。 妆容与发饰： 妆容的华丽（如额黄、花钿、面靥），发髻的丰满高耸（如高髻、倭堕髻），琳琅满目的金银饰品。 人物气质： 唐代人物，尤其是女性，展现出自信、热情、丰腴的美感，绘画时要体现出这种大气磅礴的气势。 宋朝：雅致与内敛的文人风韵 服饰特征： 宋代服饰相比唐朝更为内敛、精致，强调素雅的色彩和简洁的线条。女性的襦裙、褙子，男性的直裰、袍衫。我们将关注宋代服饰的剪裁、面料的质感，以及其低调的华丽。 配饰与妆容： 精巧的簪钗，淡雅的妆容，以及体现文人情趣的折扇、香囊等。 人物气质： 宋代人物，尤其是文人，追求的是闲适、淡泊、儒雅的气质，绘画时要捕捉其含蓄内秀的神韵。 明朝：严谨与华美的宫廷气象 服饰特征： 明代服饰承袭唐宋，但更显端庄、华丽。女性的袄裙、霞帔、凤冠，男性的官服、袍衫，以及补子制度。我们将详细解析不同等级的官服、命妇服饰，以及其繁复的纹样和精湛的工艺。 配饰与发型： 贵重材质的头饰、精美的绣花鞋、以及符合时代特色的发髻。 人物气质： 明代人物，尤其是在宫廷和官场中，展现出一种庄重、威严、一丝不苟的气质。 清朝：融合与变革的服饰风尚 服饰特征： 满汉服饰的融合，旗装、马褂、马面裙等标志性服饰。我们将探讨旗装的直身剪裁、满族服饰的马蹄袖，以及汉族服饰在这一时期的演变。 发饰与妆容： 旗髻、花翎、耳饰等，以及清末民初妆容的变化。 人物气质： 清代人物，既有满族服饰带来的刚毅之感，也有汉族文化的影响，绘画时需要把握其多层次的气质。 第二章：形神兼备，捕捉古风人物的动态之美 了解了服饰的时代特征，接下来我们将聚焦于人物本身的塑造。绘画古装人物，不仅仅是描绘一套好看的衣服，更是要将人物的“神”画出来。 人体比例与结构： 即使是穿着宽袍大袖，人物的骨骼和肌肉结构依然是绘画的基础。我们将从人体基本比例入手，强调不同性别、年龄的人物体型差异，为后续的衣褶绘制打下基础。 动态捕捉与姿态设计： 古人“立如松，行如风，坐如钟，卧如弓”的姿态，以及不同场合下（如朝堂、闺阁、江湖）的人物动态。我们将通过对经典古画、戏曲表演的观察，学习如何设计富有表现力的姿态，让人物“活”起来。 面部表情与神韵刻画： “画人难画手，画眼难画眼”。古装人物的面部表情，往往需要含蓄而传神。我们将研究古画中人物的眉眼、嘴角处理，学习如何通过细腻的笔触，刻画出人物的喜怒哀乐、愁眉展颜。 手部姿态的魅力： 手是人物情感的延伸，尤其是在古装人物绘画中，手的描绘至关重要。我们将学习如何绘制不同姿态的手，如持扇、抚琴、拈香、施礼等，让手部动作成为人物情感的有力表达。 第三章：衣褶的学问，让衣裳诉说故事 衣褶是古装人物绘画中极具挑战性，也最能体现功力的地方。一件华美的服饰，如果衣褶处理得当，便能极大地增强画面的质感、立体感和动感。 衣褶的形成原理： 材质、结构、重力、动作——这些因素共同决定了衣褶的走向和形态。我们将从基础的布料悬垂原理出发，理解衣褶是如何产生的。 不同材质的衣褶表现： 丝绸的垂坠、棉麻的挺括、纱罗的轻盈，不同的面料会产生不同的衣褶效果。我们将通过对不同材质的模拟，学习如何用笔触区分它们。 衣褶与人体结构的互动： 衣褶并非独立于人体存在，它们紧密地依附于身体的起伏和动作。我们将强调衣褶与肩部、胸部、腰部、臀部等身体部位的紧密联系，避免出现“衣服在人身上漂浮”的现象。 动态衣褶的设计： 风吹、转身、起舞——这些动态会给衣褶带来更丰富的变化。我们将学习如何绘制飘逸的袖口、灵动的裙摆，以及随着人物动作而产生的自然褶皱。 写实与写意衣褶的结合： 在写实绘画中，我们要精确捕捉衣褶的细节；而在写意风格中，则可以通过夸张和概括，来表现衣褶的韵律感和意境。 第四章：色彩的语言，点亮古风人物的灵魂 色彩是赋予古装人物生命力的重要媒介。不同时代的色彩观念、材质的色彩表现，以及色彩的情感寓意，都值得我们深入探究。 中国传统色彩体系： 五色观（青、赤、黄、白、黑）、五方色、相生相克等传统色彩理论，以及其在古服饰中的应用。 色彩的时代特征： 各朝代服饰色彩的流行趋势，如唐代的浓烈奔放，宋代的淡雅素净，明代的庄重华美。 色彩的情感表达： 红色代表热情与喜庆，蓝色象征沉静与忧郁，黄色寓意尊贵与权力。我们将学习如何运用色彩来烘托人物的情绪和身份。 色彩搭配与和谐： 主色调、辅助色、点缀色之间的关系，以及如何运用撞色、邻近色等手法，来营造和谐而富有视觉冲击力的画面。 特殊材质的色彩表现： 金属光泽的铜器、丝绸的温润、玉器的清透，不同材质的反射和折射特性，会影响其色彩的表现。 第五章：光影的魔术，塑造立体的艺术形象 光影的运用，是让平面画作拥有三维空间感的关键。古装人物身上的光影变化，不仅能塑造体积，还能烘托气氛。 光源的设定与分析： 确定光源的方向、强度和颜色，是绘制光影的第一步。我们将学习如何分析不同光源（如日光、烛光、月光）下的光影特点。 明暗关系与体积塑造： 高光、亮部、灰部、暗部、反光——理解这些基本的光影层次，能够有效地塑造人物的立体感。 衣褶中的光影： 衣褶的转折处是光影变化最丰富的地方。我们将重点练习如何根据衣褶的走向，细腻地刻画出光影的过渡。 人物面部与光影： 面部光影的处理，直接影响人物的表情和气质。我们将学习如何用光影来强调人物的五官，营造柔和或硬朗的轮廓。 环境光与色彩： 环境光的色彩会影响到物体本身的色彩，例如在温暖的夕阳下，人物的肤色和衣裳都会带上暖色调。 第六章：细节决定成败，绘制传神的点睛之笔 古装人物的魅力，往往蕴藏在那些看似不起眼却至关重要的细节之中。 发髻与发饰的描绘： 复杂而多变的古人发髻，以及与其搭配的各种簪、钗、步摇、珠翠，是人物造型的重要组成部分。 首饰与配饰的质感表现： 丝绸的垂坠感、金属的光泽感、玉器的温润感，都需要通过精细的笔触来表现。 纹样的绘制与设计： 龙纹、凤纹、花卉纹、祥云纹等，不同的纹样蕴含着丰富的文化寓意，并能极大地提升服饰的华丽感。 道具的巧妙运用： 琴、棋、书、画、扇、剑、灯笼等，这些道具不仅能丰富画面内容，还能暗示人物的身份、性格和所处的场景。 场景的烘托与氛围营造： 无论是雅致的庭院、壮阔的宫殿，还是萧瑟的战场，恰当的场景描绘能够极大地增强人物的感染力。 结语：笔下生花，传承不朽的东方美学 本书旨在提供一个探索中国古风人物绘画的广阔视角，而非一套僵化的公式。每一位读者都将在这趟旅程中，找到属于自己的笔触与风格。我们所描绘的，不仅是一张张静态的画作，更是那些曾经存在于历史长河中的鲜活生命，是中华民族独特审美情趣的传承与发扬。愿手中的画笔，能带领您穿越古今，在墨与色的交织中，创造出属于您自己的、独一无二的古风人物世界。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计本身就透露出一种古典的雅致，这让人在阅读过程中心情非常平静。我尤其欣赏它在“配饰与发型”部分的详尽程度。在很多画册中，配饰常常是草草带过，但这本书把簪钗、耳珰、璎珞甚至香囊的造型都做了细致的分解步骤。最让我感到惊喜的是，作者没有局限于主流的“汉服”体系，而是包含了少数民族服饰（比如唐代受到西域影响的服饰）的一些关键元素，这极大地拓宽了我的创作视野。我以前画宫廷贵妇，总是千篇一律，自从学习了书中关于不同等级发髻的结构和固定方式后，我的人物立刻生动了起来——头饰的重量感、簪子的插入角度都变得有迹可循。而且，书中对于“妆容”的描述也很有趣，不是简单的色彩堆砌，而是结合了不同时期的审美风尚，比如唐代的“蛾眉”和明代的“柳叶眉”在具体绘制上的细微差别。这本教材不仅教我如何画衣服，更像是在教我如何“装扮”我的角色，让他们在那个特定的时代背景下显得真实可信。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我对传统文化和服饰美学的一扇全新的窗户！我一直对古代的那些华丽服饰和飘逸的裙摆心生向往，但自己动手画起来总是不得要领，总觉得少了那么点韵味。这本书的讲解方式非常深入，它不是简单地告诉你“这个袍子怎么画”，而是会从历史的脉络去剖析不同朝代服饰的特点和演变。比如，它会详细解析唐代的雍容华贵和宋代的清雅内敛在剪裁和配饰上的具体体现。我特别欣赏作者在细节处理上的耐心，即便是最细小的纹饰、最不起眼的腰带扣，都有独到的观察和细致的步骤图解。第一次跟着书里的指导尝试画一个“飞天”造型时，我才真正体会到，服装的“流动感”是如何通过精准的线条控制和对布料垂坠感的理解来实现的。以前总觉得画古装很死板，像穿在模特架上一样，这本书让我明白了，真正的古装画，画的是“人与衣的共舞”。它还探讨了不同身份地位在服饰上的差异，比如官服的等级制度，通过色彩和图案的细微变化就能体现出来，这极大地丰富了我对人物设定的深度。这绝不是一本速成的教程，它更像是一本沉浸式的文化体验手册，引导你去欣赏、去理解，最终才能在纸上重现那种穿越时空的美感。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己像是上了一堂高强度的美术史与纺织品分析的交叉课程，非常过瘾，但坦白说，对我这种入门级爱好者来说，信息量有点爆炸，需要反复消化。它最让我印象深刻的是对“形体与服饰的结构关系”的解析。作者没有停留在表面描摹，而是深入到布料的物理特性，比如丝绸的轻薄如何产生透明感和空气感，粗麻布的厚重如何影响褶皱的锐度和层次。为了解释这一点，书中甚至涉及了光线照射在不同材质上反射和阴影的不同表现，这对我之前的绘画习惯是一个巨大的颠覆。我以前总是习惯性地把褶皱画得很均匀，看起来就很假。现在我学会了观察人体动作带来的“张力点”，比如手肘抬起时，袖口处的布料会形成怎样紧绷的放射状褶皱；转身时，衣摆的下缘会产生怎样的抛物线形扭曲。书中的实例图示非常精妙，但坦率地说，有些高阶的解构图，初学者可能需要配合网络资源或自身的实践才能完全领会其深层含义。不过，正是这种深度，让它区别于市面上那些肤浅的“十分钟速成”书籍，它要求你真正沉下心来“理解”服装的内在逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性，体现在它对“动态表现”的执着上。我发现很多古装画作僵硬的原因在于画者未能将人物的动态与服装的形体变化完美融合。这本书用大量的篇幅去演示“运动中的服装”。比如，一个奔跑的侧影，作者会分步展示衣带是如何飞扬起来的，裙摆是如何在惯性作用下向后上方延伸的，以及手臂挥舞时，袖子与身体形成的负空间是如何处理的。这种处理方式，非常考验线条的控制力，因为它要求线条既要表现出布料的柔软，又要体现出动态的张力。书中甚至有专门章节讲解如何在不同风速下，衣袂的飘动轨迹应该遵循怎样的物理规律，这简直是为想画“仙侠风”或“武打场景”的读者量身定制的宝典。我试着画了一个人物回眸的场景，以前总觉得衣领那里很平淡，按照书中的指导，我加入了因颈部转动而产生的细微褶皱和衣领边缘的轻微收紧效果后，人物的神态一下子就灵动起来，那种瞬间的“定格美”被捕捉到了。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的文字风格比较偏学术化，对于只想快速上手画几张漂亮的图发到社交媒体上的读者来说，可能门槛稍高。但对于真正想深入理解“绘画语言”的严肃学习者来说，它简直是一份珍宝。它非常注重“写意”与“写实”的平衡。在讲解基础结构时，它采用严谨的解剖和结构分析，确保了骨架的正确性；但在最后上色和氛围营造部分，它又鼓励读者要抓住神韵，不要被细节所束缚。例如，书中探讨了“色彩的象征意义”，不同深浅的蓝色和紫色在古代所代表的含义和它们在画面中的冷暖对比关系。这使得我画出的古装人物不再只是穿着漂亮的衣服，而是开始有了“气质”。我发现，仅仅是改变背景的色调，就能让同一套服装展现出宫廷的庄重或隐士的清幽。总而言之，这本书提供的是一套完整的方法论，让你从“描摹”进阶到“创造”，它教会你如何用画笔讲述一个关于古代服饰与人物精神的故事。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆