中国美术全集（全套共8册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:青海人民

作者:王文祥主编

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-4

价格:138.00元

装帧:

isbn号码:9787225022857

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• 中国美术
• 美术史
• 艺术史
• 绘画
• 书法
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• 工艺美术
• 中国文化
• 艺术作品集

《中国古代绘画史》 本书追溯中国绘画艺术的源远流长，从新石器时代的彩陶纹饰，到战国楚简、汉代帛画的早期萌芽，再到魏晋南北朝时期人物画的自觉发展，直至唐宋元明清各个朝代的辉煌成就，全景式地展现了中国绘画在不同历史时期的面貌、风格、技法及其社会文化内涵。 第一章 萌芽与奠基：史前至秦汉时期 中国绘画的起源可以追溯至史前时期。新石器时代的陶器上出现的几何纹样、动物纹样，如人面纹、鱼纹、鹿纹等，已显露出早期人类对自然和生活的观察与表现的萌动。仰韶文化、马家窑文化的彩陶纹饰，虽然简单，却蕴含着朴素的造型意识和装饰美感。 进入信史时期，商周青铜器上的纹饰，如饕餮纹、龙纹、凤纹等，展现出更为复杂的图案化和象征意义，虽然并非严格意义上的绘画，但其线条、构图的运用，已为后来的艺术发展奠定了基础。 春秋战国时期，随着社会变革和思想文化的活跃，绘画开始走向独立。楚国墓葬中发现的帛画，如《人物御龙图》、《人物龙凤图》，以细腻的线条和生动的构图，描绘了神话传说和贵族生活，展现了早期人物画的成熟。战国漆器上的绘画，色彩鲜艳，造型夸张，充满了神秘浪漫的色彩。 秦汉时期，绘画的地位日益提高，并开始服务于政治和宗教。汉代墓葬壁画，如敦煌莫高窟早期壁画、洛阳卜千户墓壁画、辽宁营城子汉墓壁画等，内容广泛，包括历史故事、神话传说、日常生活、仪仗出行等，展现了汉代绘画在写实性、叙事性和人物塑造方面的显著进步。对线条的运用愈发娴熟，构图也更为严谨。此时期的人物画开始注重神态的表现，如《神仙故事图》等。山水画的雏形也开始出现，虽然尚不成熟，但已有对自然景物的描绘。 第二章 变革与高峰：魏晋南北朝至隋唐时期 魏晋南北朝时期，随着玄学的兴起和佛教的传入，中国绘画迎来了新的发展阶段。人物画成为主流，并开始强调“以形写神”。顾恺之是这一时期的代表人物，他的《洛神赋图》、《女史箴图》以其精妙的线条、细腻的刻画和传神的人物表情，成为中国人物画的典范。他提出的“以形写神”的美学理论，深刻影响了后世绘画的发展。陆探微、张僧繇等也是当时重要的画家，他们的作品在人物造型和色彩运用上各有特色。佛教绘画在这一时期也得到了极大发展，壁画和造像的出现，为绘画艺术注入了新的活力，并带来了新的题材和表现手法。 隋朝统一中国，结束了长期的分裂局面，为艺术的繁荣奠定了基础。隋代绘画在魏晋的基础上有所发展，人物画更加写实，色彩更加丰富。 唐代是中国古代绘画的黄金时代。国家统一，经济繁荣，文化昌盛，绘画艺术得到了空前的发展，题材广泛，技法多样，名家辈出，成就辉煌。 人物画：唐代人物画达到了极高的成就。阎立本的《步辇图》、《历代帝王图》以严谨的构图和逼真的造型，展现了帝王将相的风采。吴道子的“吴带当风”画风，线条飘逸流畅，意境雄浑，被誉为“画圣”。张萱的《虢国夫人游春图》、《捣练图》生动描绘了宫廷妇女的生活场景，人物形态各异，神情传神。周昉的《簪花仕女图》则以色彩浓丽、造型丰腴的人物，展现了宫廷仕女的闲适生活。佛教绘画在唐代也达到了顶峰，敦煌莫高窟唐代壁画是这一时期的杰出代表，内容涵盖佛教故事、供养人像、装饰图案等，色彩绚丽，人物众多，规模宏大。 山水画：唐代山水画开始独立成科，并取得了显著的成就。李思训、李昭道的金碧山水，色彩浓郁，富丽堂皇，展现了宫廷式的山水景观。展子虔的《游春图》被认为是现存最早的山水画，虽然尺幅不大，但已展现出对自然景色的描绘能力。王维的山水画则开创了文人画的山水一派，诗中有画，画中有诗，追求意境和韵味，强调水墨写意。 第三章 意境与革新：五代至元代时期 五代时期，中国绘画在唐代的基础上继续发展，并出现了一些新的流派和风格。 花鸟画：五代时期花鸟画得到很大发展。黄筌的“黄家富贵”，画风工整细腻，色彩艳丽，描绘宫廷花卉，雍容华贵。徐熙的“徐熙野逸”，画风粗放写意，描绘水边花木，清新自然。他们的风格差异，为后世花鸟画的发展奠定了两种基本风格。 山水画：荆浩、关仝、李成、范宽等北方山水画大家，以雄浑壮阔的山川为题材，创造了“全景山水”的画法，展现了北方山河的壮丽气势。董源、巨然等南方山水画大家，则以温润秀丽的江南风光为题材，画风秀润，意境深远，开启了水墨山水画的新纪元。 宋代是中国古代绘画的又一高峰。宋代绘画更加注重理性精神和写实技巧，同时文人画逐渐兴起，艺术追求更为多样化。 山水画：宋代山水画成就辉煌，是中国山水画发展的巅峰。北宋的“三远”说（高远、深远、平远），强调了观察自然景物的不同视角和表现方式。郭熙的《早春图》是“高远”法的典范。李唐的《万壑松风图》表现了北宋山水的雄浑。南宋的马远、夏圭则开创了“马一角”、“夏半边”的构图方式，注重画面空间的留白和意境的营造，山水画更显简洁、疏朗，注重写意。 花鸟画：宋代花鸟画高度写实，并达到了新的艺术高度。崔白的《双喜图》以精妙的构图和生动的描绘，展现了花鸟画的写实功力。赵佶（宋徽宗）的《芙蓉锦鸡图》色彩绚丽，笔法精细，展现了帝王对艺术的追求。林椿的《山 DòNɡ Shān Tián H uá Pù》等描绘细致的花卉，清新雅致。 人物画：宋代人物画依然受到重视，但题材有所拓展，出现了反映社会生活和历史故事的作品。张择端的《清明上河图》是宋代风俗画的巅峰之作，以其宏大的场面、精细的人物描绘和生动的社会生活场景，成为中国绘画史上的不朽杰作。 文人画：文人画在宋代兴起，以苏轼、米芾、文同等为代表，他们将诗、书、画相结合，强调个人情趣和笔墨意趣，追求“逸笔草草，不求形似，聊写胸中逸气”，为中国绘画开创了新的方向。 元代，民族矛盾和文化交流使得中国绘画呈现出新的特点。 山水画：元代山水画更加注重笔墨的运用和意境的表达。黄公望的《富春山居图》以其温润的笔墨、淡雅的色彩和深远的意境，成为元代山水画的代表作。王蒙、倪瓒、吴镇等“元四家”，各自形成了独特的山水画风格，或雄浑，或秀雅，或枯逸，都极大地丰富了中国山水画的表现力。 花鸟画：元代花鸟画也取得了重要成就。王冕的墨梅，笔墨苍劲，意境高远，为后世墨梅画树立了榜样。赵孟頫在继承宋代院体花鸟画的基础上，融入了文人画的笔墨情趣。 人物画：元代人物画在继承前代的基础上，也出现了新的风格，如钱选的人物画，设色雅致，造型古朴。 第四章 传承与发展：明清时期 明代，中国绘画在继承前代的基础上，呈现出更加多元化的发展趋势。 山水画：明代山水画名家辈出，风格多样。戴进、吴伟等浙派画家，继承了南宋马远、夏圭的画风，笔法粗犷，气势雄伟。沈周、文徵明、唐寅、仇英等吴门画派画家，则继承了元代文人画的传统，笔墨温润，意境秀美，题材广泛，将文人画推向了新的高峰。晚明时期，出现了以董其昌为代表的“松江派”，倡导“南北宗”论，对后世绘画产生了深远影响。 花鸟画：明代花鸟画也取得了显著成就。吕纪、林良等宫廷画家，画风工整，色彩艳丽。陈淳、徐渭等文人画家，则以写意花鸟为主，笔墨奔放，意境独特，具有强烈的个人风格。 人物画：明代人物画在继承传统的同时，也出现了新的发展。唐寅的人物画，工笔细腻，设色典雅。仇英的人物画，尤其擅长描绘仕女和历史故事。风俗画在这一时期也得到发展，如唐寅的《一丈青骑马图》等。 清代，中国绘画在继承明代的基础上，继续向前发展，并受到西方绘画的影响，出现了新的探索。 山水画：清代山水画名家众多，风格各异。王石谷、王鉴、王翚、王原祁等“清初四王”，提倡摹古，讲求笔法，将传统山水画推向了新的整理和规范阶段。石涛、八大山人等则以其独特的笔墨和意境，表达了强烈的个人情感和艺术追求，开创了新的艺术风貌。扬州八怪（郑燮、李方膺、汪士慎、黄慎、李鱓、金农、罗聘、高翔）以其不拘泥于传统，题材广泛，风格奇特，色彩鲜明，在当时画坛独树一帜。 花鸟画：清代花鸟画在继承明代的基础上，更加注重写意和笔墨的运用。沈铨的工笔花鸟，色彩鲜艳，工致细腻。而扬州八怪中的一些画家，如郑燮的兰竹，金农的墨梅，都以其独特的风格，展现了花鸟画的丰富多彩。 人物画：清代人物画在题材和表现手法上都有所拓展。金陵八家（如龚贤、樊圻、边景昭等）在山水画领域贡献突出，但也有一些画家在人物画上有所建树。受西方绘画的影响，一些画家开始尝试油画和版画，并在人物肖像画上有所创新。任伯年、吴昌硕等晚清画家，将中国画与西洋画技法相结合，创造了新的艺术风格，对近现代中国画产生了重要影响。 纵观中国古代绘画史，从最初的自然描摹到意境的追求，从工笔的细腻到写意的奔放，从宗教的叙事到文人的抒情，绘画艺术在漫长的历史进程中不断演变、创新、融合，形成了丰富多彩的面貌，并深刻地反映了中国社会的政治、经济、文化、思想以及人们的审美情趣。本书旨在勾勒出这条壮丽的艺术长河，展现中国绘画艺术的独特魅力和辉煌成就。

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**第一段评价：** 这本书的装帧设计实在太用心了，光是捧在手里就能感受到那种厚重与典雅。内页的纸张质感非常棒，印刷色彩的还原度高得惊人，即便是早期的水墨作品，那种墨韵的层次感也能清晰地呈现出来。我特别喜欢它对宋元时期山水画的专题梳理，不仅仅是简单的作品罗列，更深入地探讨了当时的文人精神和审美取向。每一幅名作旁边都有详尽的考据和解读，对于我这种想深入了解中国画发展脉络的业余爱好者来说，简直是教科书级别的存在。比如，关于范宽《溪山行旅图》的细节分析，那种对皴法和空间处理的剖析，让我对“雄伟”二字有了更直观的认识。这本书的体量感确实很大，八册合在一起，几乎可以视为一部浓缩的中国美术史博物馆，让人在自家书房就能进行一场漫长的艺术朝圣之旅。

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**第四段评价：** 我主要购买这套书是为了研究近现代美术的转型期。从晚清引进西方写实主义思潮，到民国时期艺术教育的重建，这套书提供了极其详尽的视觉证据。我惊喜地发现，许多早期留法艺术家的素描习作和油画真迹的翻拍质量极高，能清晰地看到笔触的肌理和光影的过渡，这对于理解他们如何将西方技法融入本土语境至关重要。尤其是对于那些在特定历史时期（比如抗战时期）创作的现实主义作品的收录和介绍，视角相当全面和客观。虽然涉及的领域极其广泛，但整体的逻辑脉络非常清晰，像是给中国美术史搭建了一个坚固的脚手架，让后来的学习者可以沿着这个框架去进行更细致的挖掘。

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**第二段评价：** 说实话，当我打开第一册，看到那跨度极大的朝代划分和海量的图像资料时，我有一瞬间的不知所措，但随后的阅读体验却是酣畅淋漓的。它最大的价值在于其体系的完整性，从史前陶器到明清的民间工艺，几乎没有留下什么明显的空白地带。我关注的焦点主要集中在明清时期的民间版画和工艺美术部分，这部分资料往往在综合性画集中容易被边缘化，但在这套书中却得到了充分的重视。那些精美的珐琅彩、螺钿雕刻的细节图，简直让人叹为观止，体现了那个时代匠人“鬼斧神工”的技艺。我花了整整一个下午对比了不同地区、不同时期的瓷器釉色变化，这种纵向和横向的对比研究，远比看那些单薄的图录要有效得多。这套书的编纂团队显然是下了大功夫做文献梳理的，很多图片都是首次以如此高的清晰度面世。

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**第三段评价：** 这本书的学术性毋庸置疑，但更令我惊喜的是它的“可读性”。我原本以为这会是一本只能供专业人士参考的冷冰冰的工具书，没想到在叙事上融入了许多引人入胜的故事和历史背景。例如，讲述唐代壁画的章节，不仅仅展示了绚烂的色彩，还描述了佛教传播与皇家意志对艺术风格的塑造过程，让抽象的艺术风格有了鲜活的时代注脚。我尤其欣赏它对“地域性”的强调，比如蜀地绘画的粗犷与江南画派的婉约之间的分野，通过对比呈现，使得艺术流派的差异不再是书本上的标签，而是可感知的文化气场。唯一的“小瑕疵”可能是，如此浩瀚的内容，需要极大的耐心去消化吸收，它更适合作为案头常备的深度参考资料，而不是快速翻阅的消遣读物。

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**第五段评价：** 这套书的价值，体现在它对于“物性”的极致追求上。它不仅仅是“看画”，更是“观物”。我拿它去对照我收藏的一些古代拓片和明清扇面，发现书中收录的很多细节图，比我实物观察到的视角更为专业和细致。比如，对书法作品中用笔力度和墨色浓淡的分析，配有放大后的局部图，这在很大程度上弥补了实物在展示尺度上的局限。它的编排方式，也极富研究者的严谨性，很多作品的署名、出处都经过了反复核对，提供了标准的学术参考坐标。虽然价格不菲，但考虑到它集合了国内顶尖的文物图版和最权威的专家解读，单论性价比，它远超市面上那些零散的、质量参差不齐的艺术图册。这是一套值得终身收藏和反复研读的“镇宅之宝”级别的艺术典籍。

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