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出版者:福建科学技术出版社

作者:李世雄

出品人:

页数:91

译者:

出版时间:2006-6

价格:25.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787533527945

丛书系列:

图书标签:

• 攝影
• 工具書
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摄影入门与进阶：光影的艺术与实践 本书特色： 本书是一本面向所有对摄影抱有热情，并希望系统学习摄影理论与实践的读者量身打造的综合性教程。它摒弃了冗长晦涩的专业术语，以清晰、直观的语言，结合大量实例和操作指南，引领读者从零开始，逐步掌握现代摄影的精髓。我们相信，摄影不只是一门技术，更是一种观察世界、记录生活的方式。 --- 第一部分：基础构建——理解相机的语言 第一章：认识你的相机：从机械到数字的演变 本章将带你深入了解现代数码相机（DSLR、无反光镜相机）的核心结构与工作原理。我们会详细解析感光元件（CMOS/CCD）的特性、像素的意义，以及镜头作为“眼睛”的重要性。 感光元件的奥秘： 探讨全画幅、半画幅以及M4/3画幅的实际成像差异，以及它们在不同光照条件下的表现。 镜头的语言： 焦距（广角、标准、长焦）如何影响视角和透视关系。理解定焦镜头与变焦镜头的优缺点，以及如何根据拍摄对象选择合适的镜头。 存储与文件格式： RAW与JPEG文件的深度对比。学习何时使用RAW以保留最大的后期处理空间，以及如何管理你的数码资产。 第二章：曝光三要素的完美协奏曲 曝光是摄影的基石。本章将系统讲解光圈、快门速度和ISO这三大要素如何协同工作，共同决定照片的明暗和视觉效果。 光圈（Aperture）： 深度控制的艺术。学习光圈值（f值）如何决定景深，以及如何利用大光圈创造迷人的背景虚化（焦外成像）。 快门速度（Shutter Speed）： 时间的捕捉与凝固。从瞬间定格（如水滴）到丝绸般流淌（如瀑布），掌握不同快门速度对动态画面的控制。 ISO（感光度）： 在光线不足环境下的平衡术。深入探讨提高ISO带来的噪点问题，以及现代相机降噪技术的局限与优化。 曝光模式精讲： 详解程序自动（P）、光圈优先（Av/A）、快门优先（Tv/S）以及手动曝光（M）的使用场景，教你何时应该完全掌控，何时可以放手交给相机。 第三章：对焦与清晰度的掌控 清晰锐利是好照片的先决条件。本章聚焦于对焦系统，确保你的主体永远是画面中最清晰的部分。 自动对焦模式详解： 单次自动对焦（AF-S）、连续自动对焦（AF-C）以及区域对焦的选择与应用。 对焦点选择策略： 如何利用不同的对焦点矩阵来精确锁定主体，尤其是在复杂背景下的对焦技巧。 对焦锁定与重新构图： 实践中常用的“先对焦后构图”的技巧。 景深计算与实际运用： 理解超焦距的概念，并学会如何最大化利用景深来突出主体或展现宏大场景。 --- 第二部分：视觉构建——构图的法则与创造力 第四章：光线的理解与驾驭 摄影的本质是“以光作画”。本章是全书的灵魂之一，它教会你如何“看”光。 光线的质量： 硬光、柔光、侧光、逆光——不同光线对质感和情绪的影响。 时间的选择： 黄金时刻（Golden Hour）与蓝色时刻（Blue Hour）的拍摄优势与必备参数设置。 影调的表达： 如何通过控制曝光，创造高调、低调的画面，并传达特定的情感氛围。 人造光入门： 闪光灯的基础设置（内置与外置），理解跳闪和反光板的使用，让你的补光自然得体。 第五章：经典与创新的构图原则 构图是组织画面的艺术。本书将涵盖从传统经典到现代创新的所有关键构图技巧。 三分法与黄金分割： 基础中的基础，如何将视觉焦点放置在最吸引人的位置。 引导线与框架： 利用环境中的线条和元素，将观众的目光自然地引向主体。 对称、平衡与负空间： 探讨画面中的重量感分配，以及“留白”如何增强画面的呼吸感和冲击力。 视角的力量： 改变你的站位——低角度、高角度、平视——如何彻底改变同一场景给人的感受。 第六章：色彩理论与情绪表达 色彩不仅仅是颜色，它是直接与观众情感对话的语言。 色轮基础与色彩搭配： 互补色、邻近色、三原色在摄影中的实际应用。 白平衡的魔力： 了解色温（开尔文值）如何影响画面的冷暖倾向，并学习如何手动设置白平衡以还原或夸张色彩氛围。 单色世界的魅力： 黑白摄影的精髓——如何通过对比度、纹理和影调来代替色彩进行叙事。 --- 第三部分：题材实践——从风景到人像的进阶 第七章：风光摄影的史诗感 如何捕捉大自然的壮丽与细节。 广阔视野的挑战： 运用超广角镜头时如何控制畸变和保持地平线水平。 长焦的压缩感： 如何利用长焦镜头使远处的山脉层峦叠嶂，增加画面的纵深感。 水与云的处理： 使用中灰密度滤镜（ND Filter）进行长时间曝光，实现水流的柔化和云层的动感。 星空与夜景： 掌握星轨拍摄的参数设置和前期准备工作。 第八章：人像摄影的情感捕捉 人像的核心是“人”。本书侧重于如何通过技术来衬托人物的内在美。 眼神的焦点： 始终对焦于最近的眼睛，并利用景深突出人物。 人像的光线布置： 窗边光、侧光、伦勃朗光等经典布光法，以及如何让自然光显得专业。 环境与情绪： 引导模特放松，捕捉自然流露的瞬间，避免僵硬的姿势。 特写与全身像的叙事角度选择。 第九章：街头与纪实：生活的瞬间记录 街头摄影要求速度、耐心和对突发事件的敏锐捕捉力。 预判与准备： 如何通过观察环境提前预判可能发生的精彩瞬间。 “街头决定性瞬间”的捕捉： 掌握在极短时间内完成对焦、测光和按快门的全过程。 伦理考量： 在公共场合拍摄他人的注意事项与法律边界。 快闪摄影： 利用高速快门和高ISO在光线剧烈变化的街头环境中保持画质。 --- 第四部分：后期精修——数码暗房的工作流程 第十章：后期处理的基础理念与工作流 后期处理是数码时代摄影的延伸。我们强调“前期决定质量，后期决定风格”。 软件选择与设置： Lightroom/Capture One 等主流软件的工作界面导览。 导入与筛选： 高效管理海量照片的关键词、星级评定和色彩标签系统。 基础调整： 曝光、对比度、高光和阴影的恢复，以及白平衡的微调。 镜头校正与裁剪： 消除镜头畸变和暗角，并进行最终的二次构图裁剪。 第十一章：精细化修饰与风格确立 本章深入讲解如何利用局部调整工具，将照片提升到艺术品的层次。 清晰度、纹理与锐化： 区分这些参数对细节和质感的不同影响，避免过度锐化带来的“数字感”。 局部调整工具的实战应用： 径向滤镜、渐变滤镜和画笔工具的使用技巧，实现“哪里暗补哪里，哪里亮压哪里”。 HSL/颜色混合器： 精确控制特定颜色（如天空的蓝色、皮肤的色调）的饱和度和明度。 创建和应用预设（Preset）： 如何建立属于自己的独特影调和色彩风格，实现高效的批量处理。 --- 结语： 摄影是一场永无止境的探索。掌握本书所教授的技术和理念，你将不再受限于相机的“自动模式”，而是能够自信地将脑海中的画面转化为永恒的影像。拿起相机，去捕捉属于你的光影故事吧。

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这本书在设备选择和器材维护方面的建议，显示出一种难得的中立和务实态度。许多摄影书籍往往会过度推销最新款的设备，但这本书的作者似乎更侧重于“工具的本质”。他花费了大量篇幅去讲解传感器的物理特性、不同镀膜对色彩的影响，而不是新款相机的菜单功能。对于配件的介绍，也充满了老派的智慧——他花了整整三页来讨论“灰卡”的重要性，并详细演示了如何在没有专业测光表的情况下，通过观察直方图和皮肤的灰度来达到准确曝光，这种“返璞归真”的教学理念，对于那些不愿意被“器材竞赛”裹挟的爱好者来说，无疑是一剂清醒剂。阅读完这部分内容后，我感觉自己对相机的“理解”提升了一个层次，不再仅仅是操作者，而更像是与一个精密工具进行深入的交流与合作。它教会我的不是“买什么”，而是“如何用好你已有的东西”。

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作为一名刚刚步入摄影世界的新手，我最担心的就是面对那些晦涩难懂的参数设置。然而，这本书在“基础篇”的处理上，展现出一种令人惊喜的耐心和条理。它没有上来就丢给我一堆光圈、快门和ISO的公式，而是像一位经验丰富的老友在耳边细语，一步一步引导你认识你的相机。我尤其喜欢作者设计的一个“场景模拟练习”环节，它不是简单地告诉你要“在弱光下提高ISO”，而是列举了“傍晚的咖啡馆”、“室内演唱会”等具体场景，然后针对性地给出最佳的初始设置建议，并解释为什么这样做。这种“问题导向”的学习方式，让我立刻就能将理论应用到实践中去，而不是停留在纸面理解。书中对于景深控制的讲解也做得尤为出色，它没有停留在讨论光圈数值上，而是深入探讨了焦距和主体距离如何共同作用于背景虚化效果，甚至配有清晰的示意图，直观展示了主体与背景分离的微妙关系。这种从宏观概念到微观操作的无缝衔接，极大地增强了我的学习信心。

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我注意到这本书的语言风格非常独特，它似乎刻意避免了学术论文的严谨和冰冷，反而带有一种散文般的流畅感。比如，在谈及捕捉“决定性瞬间”时，作者并没有引用历史上的名人名言，而是分享了自己一次徒步旅行中与一只飞鸟擦肩而过的经历，那种对稍纵即逝画面的懊悔和对摄影本质的思考，瞬间拉近了与读者的距离。这种叙事上的亲近感，让原本可能枯燥的学习过程变成了一种愉快的知识探索之旅。此外，书中在每个章节末尾设置的“自检清单”也极其实用。它不是那种简单的“你学会了吗”的问句，而是设计成一系列关于拍摄流程的检查点，例如“我是否考虑了风速对画面带来的影响？”或者“我是否确保了对焦点准确地落在人物的眼睛上？”这些细致入微的提醒，就像一位经验丰富的老法师在旁边随时督促你，确保你在实战中不会遗漏任何关键步骤。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种带着些许复古感的封面材质，摸上去有一种沉甸甸的质感，仿佛一下子就把人拉回了胶片摄影的黄金年代。我特意挑选了一个光线充足的下午，拿到书后便迫不及待地翻阅起来。首先映入眼帘的是排版，字体选择上非常考究，大号的标题配上适中的正文字号，阅读起来丝毫没有压迫感，尤其是在讲解那些复杂的曝光原理时，作者似乎很懂得如何照顾读者的视力，留白处理得恰到好处，让眼睛有喘息的空间。更令人赞叹的是，内页插图的印刷质量简直是教科书级别的——色彩还原度极高，即便是对色彩理论一窍不通的人，也能从那些精美的黑白或彩色照片样张中，体会到光影过渡的细腻之处。我特别留意了关于镜头选择的那一章节，作者没有堆砌生涩的专业术语，而是用非常形象的比喻，将广角、中焦和长焦的视角差异描述得深入浅出，比如将广角比作“打开一扇窗户”，而长焦则是“聚焦于一个故事的特写”。这种将枯燥技术内容转化为生动叙事的功力，着实体现了编辑团队在图书制作上的匠心独运。

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这本书的叙事节奏掌握得非常成熟，它成功地避免了大多数技术书籍的通病——内容堆砌和逻辑跳跃。在讲述了最基础的曝光三角后，作者并没有急着进入后期处理，而是花了大篇幅来讨论“如何看待光线”这个更为哲学性的问题。我被其中关于“侧光”和“顶光”如何塑造物体体积感的分析深深吸引了。书中用了一组对比照片来展示同一物体在不同光照角度下的情绪变化，那种光影的雕刻感通过印刷品得到了最大程度的保留。更让我受益匪浅的是作者对于“构图的黄金法则与打破法则”的探讨。他首先清晰地介绍了三分法、引导线等经典规则，然后紧接着展示了大量极具冲击力的非对称构图案例，并深入分析了打破规则时需要考量的视觉平衡点。这种亦步亦趋又适时放手的教学策略，鼓励读者在掌握基本功的同时，勇敢地去探索自己的视觉语言，而不是被既定的规则所束缚。

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