音乐基础知识二 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民教育出版社

作者:王颖

出品人:

页数:83

译者:

出版时间:1987-5

价格:5.60元

装帧:

isbn号码:9787107090042

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《旋律的秘密：乐理入门与创作实践》 简介 你是否曾被一段悠扬的旋律所触动，渴望探寻那隐藏在音符背后的奥秘？你是否对音乐的构成感到好奇，想要理解和声如何编织出丰富的情感，节奏如何驱动着生命的脉搏？《旋律的秘密：乐理入门与创作实践》正是为你量身打造的音乐启蒙之旅，它将带你跨越门槛，深入了解音乐的语言，并激发你内心深处的创作潜能。 本书并非枯燥的理论堆砌，而是一本生动有趣、循序渐进的音乐指南。我们深知，对于许多初学者而言，乐理可能显得抽象而难以捉摸。因此，我们摒弃了过于学术化的术语，转而采用通俗易懂的语言，结合丰富的音乐实例，将抽象的概念转化为具象的感知。你将在这里找到理解音乐的钥匙，学会聆听、分析、甚至创作属于你自己的音乐。 本书内容详解 第一部分：音符的奥秘——认识音乐的基本元素 音高与音名： 我们将从最基础的音高开始，介绍十二个基本音名（C, D, E, F, G, A, B）及其在五线谱上的位置。你会了解到升号（）和降号（b）如何改变音高，以及全音和半音的概念，这是理解音程和音阶的基础。我们将通过实际的听力练习，让你能够分辨不同的音高，并尝试在乐器上找到它们。 节奏与节拍： 音乐的灵魂离不开节奏。我们将深入剖析不同时值的音符（全音符、二分音符、四分音符、八分音符等）和休止符，学习如何准确地进行拍打和计数。全拍子、二拍子、三拍子、四拍子等拍号的意义将被详细讲解，让你理解音乐的脉动感。本书将提供大量的节奏型练习，帮助你培养良好的节奏感，无论是独立演奏还是合奏，都将受益匪浅。 音程： 音程是两个音高之间的距离。我们将从最基本的“一度”（同音）到“八度”，详细讲解各种音程的构成和名称，例如大二度、小三度、纯四度、增四度、减五度等等。理解音程是构建和弦和旋律的关键。我们会通过听觉辨别练习，让你能够准确地听出并识别不同的音程。 音阶： 音阶是构成旋律的骨架。我们将重点介绍大调音阶和自然小调音阶的构成规律，理解全音和半音在音阶中的排列方式。你将学会如何构建任何调性的大调和小调音阶，并理解主音、中音、属音等音阶内的重要音级。本书还将初步介绍其他常见的音阶，如和声小调和旋律小调，为更复杂的音乐创作打下基础。 第二部分：和弦的魔法——构建音乐的色彩 三和弦： 三和弦是音乐中最基础的和声单元。我们将详细介绍大三和弦、小三和弦、减三和弦和增三和弦的构成方法，理解它们的音响特点和情感色彩。你将学会如何识别和构建不同调性的三和弦。 七和弦： 七和弦比三和弦更具色彩和张力。我们将学习大七和弦、属七和弦、小七和弦等常见的七和弦构成，并理解它们在音乐中的功能和作用。属七和弦作为最常用的功能性七和弦，其解决倾向将被重点讲解。 和弦的性质与功能： 理解和弦的性质（大、小、减、增）和功能（主、属、下属）是进行和声分析和创作的核心。我们将介绍主功能、属功能和下属功能在音乐中的作用，以及它们之间的相互关系。通过对经典乐曲的和弦进行分析，让你能够直观地理解和弦的运用。 转位和弦： 和弦的不同排列方式——转位，能够极大地丰富音乐的织体和流畅性。我们将讲解三和弦和七和弦的一、二、三转位，并分析转位和弦在旋律进行中的作用。 和弦进行： 和弦的有序连接构成了和声的流动。我们将介绍最基本、最常用的和弦进行模式，如I-IV-V-I（主-下属-属-主），II-V-I等。本书将指导你如何运用这些基础的和弦进行，创作出具有逻辑性和美感的和声。 第三部分：旋律的编织——创作的起点 旋律的构成： 旋律并非随机的音高组合，它有其内在的逻辑和美感。我们将探讨旋律的起伏、方向、节奏、动机和乐句等构成要素。你将学习如何运用音阶、和弦音和经过音、辅助音等非和弦音来构建富有表现力的旋律。 动机与主题： 音乐作品往往以一个简短、有特点的动机或主题开始，并在此基础上进行发展。我们将分析经典乐曲中的动机发展手法，如重复、移位、变化、倒影等，并引导你如何在自己的创作中孕育和发展音乐动机。 乐句与乐段： 乐句是旋律的最小单位，而乐段则由若干乐句组成。我们将学习乐句的呼吸点和连接方式，以及常见的乐段结构，如二部曲式和三部曲式。理解乐句和乐段的结构，有助于你创作出完整、平衡的音乐片段。 旋律创作练习： 本书提供了一系列由浅入深的旋律创作练习。从模仿简单的旋律，到在给定和弦进行上创作旋律，再到独立创作完整的旋律段落，这些练习将逐步锻炼你的旋律创作能力。 第四部分：音乐的色彩与表现——拓展你的音乐视野 调式与调性： 在掌握了大调和小调的基础上，我们将进一步介绍其他重要的调式，如教会调式（伊奥尼亚、多利亚、弗里几亚、利底亚、混合利底亚、爱奥利亚、洛克里亚），以及它们独特的音响特点和情感色彩。我们还将探讨如何运用不同调式来丰富音乐的表达。 音乐织体： 音乐织体是指音乐中各声部之间的相互关系。我们将介绍主调音乐、复调音乐、重奏音乐等不同的织体类型，并分析它们如何影响音乐的听感。 音乐的速度与力度： 速度（快板、慢板等）和力度（强、弱、渐强、渐弱等）是表达音乐情感的重要手段。我们将学习相关的术语和记号，并理解它们在音乐表现中的作用。 音乐的分析与欣赏： 学会分析音乐是提高音乐修养的关键。我们将引导你如何从旋律、和声、节奏、织体、曲式等多个角度去聆听和理解一首音乐作品，从而更深入地体会音乐的魅力。 本书特色 循序渐进： 内容由易到难，层层递进，确保初学者能够轻松掌握。 实践导向： 理论与实践紧密结合，提供丰富的练习和创作指导，鼓励动手实践。 生动形象： 运用通俗易懂的语言，结合大量生动的音乐实例，让乐理不再枯燥。 激发潜能： 不仅教授知识，更注重激发读者的音乐兴趣和创作热情。 音乐视野拓展： 引导读者从更广阔的视角理解音乐，提升音乐鉴赏能力。 适合读者 对音乐抱有浓厚兴趣，希望系统学习乐理知识的初学者。 想要提高音乐创作能力，寻求创作灵感的音乐爱好者。 声乐、器乐学习者，希望加深对音乐理解，提高演奏表现力。 希望能够更深入地欣赏音乐，理解音乐背后故事的听众。 《旋律的秘密：乐理入门与创作实践》不仅仅是一本书，它更是你通往音乐世界的一扇大门，是你手中掌握的开启音乐之门的钥匙。无论你是想创作属于自己的歌曲，还是想更深入地理解那些触动你心灵的旋律，这本书都将是你不可或缺的伙伴。让我们一起踏上这段精彩纷呈的音乐探索之旅吧！

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我最近读完的**《录音棚的魔术：现代音乐制作与混音的艺术》**，可以说是完全站在了另一个角度来理解音乐。这本书的重点完全不在于“创作”或“演奏”，而在于如何通过技术手段，将声音“捕获”、“塑造”并“呈现”出来。它详细介绍了从早期磁带剪辑到数字音频工作站（DAW）的演变历史，特别是对麦克风的选择、房间声学的处理、压缩器和均衡器的原理，都有非常直观的图示和案例讲解。书中对“动态范围”的控制、对“声像”的摆位，这些专业术语被解释得极为透彻，甚至让我这个非专业人士都能理解为什么有些歌听起来“宽广”，有些歌听起来“靠前”。书中还穿插了许多著名制作人的访谈，他们分享了在录制那些经典专辑时遇到的技术难题和创新解决方案。这本书让我对现代音乐的“完成度”有了全新的认识——很多我们认为自然发生的声音，其实是无数次技术干预和审美选择的结果。它是一本极其实用且充满技术魅力的指南，适合所有对幕后制作感兴趣的听众。

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这本**《古典音乐的黄金时代》**简直是为我这种音乐门外汉量身定做的入门指南！我一直对那些宏伟的交响乐和复杂的奏鸣曲感到敬而远之，觉得它们高深莫测，遥不可及。但这本书完全颠覆了我的刻板印象。作者的文笔极其生动流畅，仿佛不是在讲解枯燥的理论，而是在讲述一幕幕跌宕起伏的戏剧。它没有一上来就抛出一堆晦涩的术语，而是从巴赫那个时代开始，像剥洋葱一样，一层层地揭开古典乐的神秘面纱。我特别喜欢它对作曲家个人生平的描绘，尤其是莫扎特那种天才与挣扎并存的形象，让人感到非常亲切。书里详细分析了奏鸣曲式和赋格的基本结构，但用的比喻都非常贴切，比如把奏鸣曲比作一场辩论赛，将呈示部、发展部和再现部的逻辑关系讲得清清楚楚。读完第一部分，我再听贝多芬的《命运交响曲》时，竟然能听出那些“对立主题”之间的巧妙交锋，而不是仅仅觉得“音量很大”或“旋律很美”了。这本书让我第一次真正体会到，古典音乐并非是象牙塔里的产物，而是人类情感最纯粹、最精妙的表达。它为我打开了一扇通往更深层次欣赏体验的大门，绝对值得推荐给所有想入门却又害怕被复杂理论吓退的朋友们。

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这本书——**《二十世纪先锋派音乐的解构》**——简直就是一场对传统听觉习惯的彻底颠覆。我以前总觉得那些听起来“不和谐”、“噪音”的现代音乐是作曲家故意哗众取宠，但阅读此书后，我开始理解了其背后的时代背景和社会动因。作者非常清晰地梳理了从勋伯格的无调性到斯特拉文斯基的原始主义，再到后来的电子音乐和偶然音乐的发展脉络。书中对“音色”和“噪声”作为音乐要素的重新定义，对我冲击最大。它不再将音高作为唯一的衡量标准，而是把打击乐器、环境录音、甚至乐器的机械摩擦声都纳入了讨论范围。对于皮埃尔·布列兹或约翰·凯奇的作品，这本书提供了极为详尽的结构分析，揭示了其中看似随机实则严谨的数学逻辑或概率模型。阅读体验是相当挑战性的，因为它要求读者主动放弃对“旋律”和“节奏”的依赖，去用全新的听觉器官来感受声音的“质感”和“密度”。这本书绝非轻松读物，它更像是一本田野调查报告，记录了声音艺术在追求极致自由边界时所经历的狂热与挣扎。

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我必须得说，**《爵士乐的即兴哲学》**这本书的深度和广度远远超出了我的预期。我本来以为它会是一本专注于介绍各个爵士乐派系（比如摇摆乐、比波普、冷爵士）的概览性读物，但它完全聚焦于“即兴”这一核心概念，将其提升到了哲学思辨的高度。作者对音乐理论的掌握令人叹服，但更难得的是，他能将那些复杂的和声进行、音阶运用，与人类的创造力、潜意识的表达等抽象概念完美结合起来。书中大量的篇幅用来剖析迈尔斯·戴维斯和约翰·柯川在即兴过程中的心理状态和决策逻辑，简直像是进入了他们的大脑进行深度访谈。我尤其欣赏它对“空间”和“留白”在即兴演奏中重要性的强调，这让我意识到，爵士乐的魅力不仅在于演奏了什么音符，更在于选择不演奏什么。阅读过程中，我不得不频繁地暂停，去听附带的乐曲示例，然后对照书中对特定乐句的解析，那种“豁然开朗”的感觉是无与伦比的。对于那些已经了解基础乐理，渴望将演奏提升到艺术表达层次的乐手来说，这本书提供的洞察力是革命性的。它不教你如何弹奏，但它教你如何思考。

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**《世界民族音乐赏析：从非洲鼓点到南美长调》**的价值在于其无与伦比的文化广度与人文关怀。这本书的叙事风格非常侧重于“人”与“音乐”之间的关系。它不是那种枯燥的民族音乐学图谱，而是通过讲述一个个音乐仪式、口头传承的故事，来展现不同文化如何将音乐融入生活、信仰和历史记忆之中。比如，书中描绘了西非科拉琴的吟游诗人在部落中的地位，以及他们如何通过音乐来维护社会秩序和传递历史典籍，这让我深切感受到音乐的社会功能远超娱乐本身。我对书中对印度拉格体系的介绍印象深刻，作者巧妙地将复杂的旋律框架与一天中不同时段的情绪关联起来，让我明白了为什么特定的旋律只能在特定的时间演奏。而且，这本书在排版和配图上也非常用心，很多照片都极具感染力，捕捉到了音乐发生时的那种原始生命力。它让我意识到，音乐的“正确”与“错误”是文化相对的，极大地拓宽了我对“好听”的定义。这更像是一部关于人类精神活动的百科全书。

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