计算机多媒体制作技术/21世纪高等职业教育通用教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:194

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出版时间:2003-12

价格:20.00元

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isbn号码:9787313033857

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• 多媒体制作
• 计算机技术
• 职业教育
• 高等教育
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• 21世纪教材
• 图像处理
• 视频编辑
• 音频处理
• 动画制作

《数字影像艺术：原理与实践》 本书是一本全面深入探讨数字影像创作过程的专业教材。它不仅阐述了数字影像在不同领域的应用，更侧重于揭示其背后的技术原理与创作方法。全书共分为三个主要部分，旨在为读者构建一个扎实的理论基础，并提供丰富的实践指导。 第一部分：数字影像的艺术基础与技术解析 本部分首先从宏观视角出发，追溯了影像技术的发展历程，重点分析了数字影像技术如何颠覆传统的影像表达方式，拓展了艺术创作的边界。我们将深入探讨色彩理论在数字环境下的应用，包括色彩空间（如RGB、CMYK）、色温、白平衡等概念，以及如何通过色彩的运用营造不同的视觉情绪和风格。 随后，本书将聚焦于数字影像的核心技术。这包括对图像传感器的原理及其对画质的影响进行详细解析，介绍不同类型传感器的特点与优势。我们将深入剖析数字图像的编码格式，如JPEG、PNG、TIFF等，讲解它们在压缩率、色彩深度、透明度等方面的差异，帮助读者理解不同格式的适用场景。此外，还会涵盖分辨率、像素密度、位深度等关键概念，以及它们如何影响数字影像的细节表现力和清晰度。 在这一部分，我们还将介绍数字影像在后期处理中的关键技术，如曝光控制、对比度调整、锐化与降噪等。通过对这些基础技术的理解，读者能够更好地掌握如何对原始素材进行优化，使其达到预期的艺术效果。 第二部分：数字影像的创作流程与软件应用 本部分将带领读者踏上数字影像的实际创作之旅，详细介绍从概念构思到最终输出的完整流程。我们将首先强调前期策划的重要性，包括创意构思、故事板绘制、场景设计以及素材收集等环节。 接着，本书将深入讲解主流的数字影像编辑软件的应用技巧。这并非简单的软件操作手册，而是结合具体的创作案例，演示如何在软件中实现高级的图像合成、蒙特异、色彩校正、滤镜运用等。我们将重点介绍图层混合模式、蒙版的使用、曲线与色阶的精细调整，以及如何利用各种工具实现创意性的视觉效果。 针对视频影像，本书还将涉及非线性编辑的基本原理。我们将讲解时间线的概念、素材的导入与剪辑、转场特效的应用、音频的混合与处理，以及如何添加字幕和图形元素。此外，还将介绍基本的视频编码与导出设置，确保输出的视频文件能够满足不同发布平台的需求。 第三部分：数字影像的进阶应用与发展趋势 在掌握了基础理论和创作流程之后，本部分将进一步拓展数字影像的应用领域，并展望未来的发展趋势。我们将探讨数字影像在影视制作、广告设计、游戏开发、虚拟现实（VR）和增强现实（AR）等领域的具体应用案例，分析不同行业对数字影像提出的独特要求。 在影视制作方面，我们将介绍数字合成技术、视觉特效（VFX）的制作流程，以及3D建模与动画在现代电影中的作用。在广告设计领域，本书将重点关注数字影像如何吸引消费者、传达品牌信息，以及如何运用创意视觉元素提升广告的传播力。 对于游戏开发，我们将深入探讨游戏资产的创建、纹理贴图的制作、实时渲染技术以及如何通过高质量的数字影像为玩家带来沉浸式的游戏体验。 最后，本书将引导读者思考数字影像技术的未来走向。我们将探讨人工智能（AI）在影像生成、智能编辑、风格迁移等方面的潜力，以及AI技术将如何深刻地改变未来的数字影像创作格局。同时，我们还将关注3D扫描、体渲染、实时光线追踪等新兴技术的发展，为读者勾勒出数字影像技术未来的发展蓝图。 通过对《数字影像艺术：原理与实践》的学习，读者将不仅能够熟练掌握数字影像的创作技巧，更能够深刻理解其背后的艺术理念与技术逻辑，为他们在数字影像的广阔天地中进行创新性实践打下坚实的基础。

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坦白讲，我买这本书的初衷是想找点快速上手的技巧，毕竟现在甲方需求变化快，总想着能迅速掌握点新技能立马变现。但读下来后，我的想法完全变了。这本书与其说是一本“制作技术”的手册，不如说是一本关于“媒介本质”的教材。它花了相当大的篇幅去探讨视觉传达的心理学基础，比如格式塔原理在界面设计中的应用，以及声音设计如何影响观众的情绪认知曲线。这已经超越了单纯的软件操作层面，触及到了艺术和科学交叉的领域。我发现，很多我过去靠直觉做出来的“感觉对的设计”，在这本书里找到了清晰的理论支撑。这让我对自己的工作有了一种重新的审视和定位。在如今这个信息爆炸的时代，人人都可以用手机拍摄、用App剪辑，但真正能被记住的、有力量的作品，往往是那些在底层逻辑上经得起推敲的作品。这本书就像一个严苛的导师，它不给你廉价的掌声，而是逼着你去理解“为什么”这样做是最好的。对于那些只满足于模仿他人风格的人来说，这本书可能显得过于“学术”了，但对于渴望建立自己独特技术体系的人来说，它无疑是宝贵的基石。

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我最近在给一个新团队做培训，手头尝试了几本不同的教材作为参考资料，这本书给我的感觉是最像一本“工具箱”而不是“食谱”。食谱告诉你每一步该放多少盐，而工具箱里则提供了各种尺寸的扳手和螺丝刀，让你自己去组装和解决问题。我的侧重点一直是视频后期和动态图形，对音频和静态图像的理解相对薄弱一些。但这本书对于跨媒体整合的叙事逻辑处理得非常到位。它没有把音频、视频、动画分割成完全独立的部分，而是强调它们在多媒体作品中的相互作用和时序关系。这一点在项目管理和流程规划中至关重要。很多新入行的人只擅长自己手头的那一块软件，一旦需要与其他部门协作，比如特效组和混音组的对接，就容易出现概念错位。这本书提供了一个共通的语言和理解框架，让不同背景的制作者都能站在“多媒体”这个大局上去沟通。它更像是一本指导方针，告诉你如何构建一个可持续、可维护的制作流程，而不是教你如何一键生成酷炫的转场效果。说句实在话，那些效果片子我们自己也能做出来，但如何确保整个项目的技术标准和交付质量稳定，才是这本书的真正价值所在。

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我对比了市面上几本同类型的教材，很多都把重点放在了某个特定软件的最新功能上，比如“XXX软件2024版实战手册”之类的。那种书的保质期很短，软件一更新，很多内容就成了历史。这本书的厉害之处在于它的“长尾效应”。它聚焦于多媒体制作中那些相对稳定的、跨平台的概念。比如，文件格式的选择标准、数据压缩的损失与无损原理、人机交互界面的基本原则等等。这些知识点，无论未来是VR、AR还是全息投影技术大行其道，其底层逻辑都不会发生颠覆性的变化。我最欣赏它在“标准”上的坚持，它教你如何搭建一个符合行业规范的工作流程，而不是仅仅教会你如何用某个软件做出一个“看起来很美”但实际难以交付的Demo。在一次与国际客户的合作中，我们因为文件封装和色彩管理标准的问题差点出岔子，当时我就深刻体会到理论规范的重要性。这本书在这方面的讲解详尽且富有条理，它不是在推销任何一家公司的产品，而是在传授一种放之四海而皆准的“工程思维”。

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这本书，说实话，拿到手里沉甸甸的，光是这封面设计就透着一股子严肃劲儿。我一直觉得，现在市面上的很多技术教材都太跟风，内容更新速度跟不上行业发展的步伐，结果就是买了一堆过时的“知识点”。但翻开这本书，我看到的是一套比较扎实的体系框架，它似乎并不急于追逐最新的软件版本或者某个昙花一现的技术热点，而是把更多的篇幅放在了“原理”和“基础”上。比如，它对数字图像处理的底层逻辑讲解得非常透彻，从色彩空间到像素操作，那种刨根问底的劲儿，让我这个在行业里摸爬滚打了几年的老手都觉得受益匪浅。不像有些教材，只是简单罗列几个操作步骤，你按着做了能出个效果，但一旦换个场景或者需求稍微复杂一点，立马就抓瞎了。这本书的好处在于，它教会你如何“思考”媒体的构成，而不是仅仅教你如何“点击”按钮。这种深层次的理解，才是区分普通操作员和真正创作者的关键所在。当然，对于初学者来说，可能初读时会觉得略微枯燥，因为它不玩那些花里胡哨的界面演示，但沉下心来啃完，你会发现自己的技术地基是多么牢固。我尤其欣赏它在排版上体现出的那种严谨，图文结合得恰到好处，没有过多的留白和无用的装饰，一切都是为了信息的有效传递服务。

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说实话，初次接触这本书的时候，我有点担心它的专业性是否能满足我这种有一定经验的从业者的需求。毕竟，职业教育的教材往往在深度上有所取舍，倾向于覆盖面广而牺牲钻研的深度。然而，这本书在理论深度和实践应用之间找到了一个非常微妙的平衡点。它的理论部分足够严谨，不像很多入门书那样浅尝辄止，但紧接着的案例分析又非常贴合实际工作场景，绝不是那种脱离生产环境的空中楼阁式的理论堆砌。比如，它对非线性编辑中的时间轴同步和帧率转换处理的讨论，就非常深入地剖析了其中的潜在问题和解决策略。我过去在处理跨平台发布时经常遇到的那些棘手的兼容性问题，在这本书里竟然找到了清晰的解答路径。它没有承诺能让你在三天内成为大师，但它提供的是一张清晰的、可以指导你未来几年技术成长的地图。读完后，我感觉自己看待多媒体制作的眼光都变得更开阔了，不再局限于单个软件的工具箱，而是开始关注整个技术生态系统是如何协同工作的，这种认知上的跃迁，才是这本书带给我最宝贵的收获。

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