单声部视唱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:西南师大

作者:薛明镜

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2007-1

价格:24.00元

装帧:

isbn号码:9787562117162

丛书系列:

图书标签:

• 视唱练耳
• 音乐理论
• 单声部
• 音乐教学
• 高等教育
• 音乐专业
• 教材
• 乐理
• 声乐基础
• 音乐技能

《单声部视唱》 是一本致力于音乐基础训练的入门读物，旨在帮助学习者系统掌握乐谱的视读能力，为更深入的音乐学习打下坚实的基础。本书内容精炼，侧重于视唱这一核心技能的培养，通过循序渐进的练习，逐步提升学习者的音高辨识、节奏感以及乐谱理解能力。 本书的编写理念源于对音乐教育实践的深入理解，我们深知，扎实的视唱功底是理解和演绎音乐作品的基石。许多学习者在接触复杂音乐理论或器乐演奏时，常常会因为对乐谱感到陌生而产生畏难情绪。而《单声部视唱》正是针对这一痛点，将繁杂的音乐元素拆解为最基础的音高和节奏，通过大量的、富有针对性的练习，让学习者在不知不觉中掌握视唱的技巧。 本书内容涵盖但不限于以下几个方面： 基础乐理概念梳理： 在正式进入视唱练习之前，本书会简要回顾和梳理音乐中最基本的乐理概念，包括但不限于音名、唱名、音值、休止符、节拍、拍号等。这些概念的清晰理解是进行视唱练习的前提，本书力求用最简洁明了的方式呈现，避免冗余的理论堆砌。 音高训练： 音高是构成旋律的要素。本书的音高训练部分，将从单音开始，逐步过渡到二度、三度、四度、五度等各种音程的练习。我们会提供不同调性下的音阶和琶音练习，帮助学习者熟悉各个音之间的关系，并能准确地将乐谱上的音高转化为听觉和发声。例如，针对不同调性的C大调、G大调、F大调等，设计了相应的音阶及琶音视唱练习，以期学习者能够灵活掌握各种调性下的音高感觉。 节奏训练： 节奏是音乐的脉搏。本书的节奏训练部分，将从最基本的全音符、二分音符、四分音符、八分音符等开始，逐渐引入切分音、附点音符、三连音等相对复杂的节奏型。通过不同拍号下的节奏练习，学习者将能够准确地把握音乐的律动，并能将其准确地唱出来。我们特别设计了多种多样的节奏组合，以应对不同的音乐场景。 音程的视唱： 音程是两个音之间的距离。本书会系统地引导学习者进行各种音程的视唱练习，包括旋律性音程（上行、下行）和和声性音程（同时发声）。通过大量的实例，学习者将能够辨识并唱出大二度、小三度、纯四度、增六度等各类音程，这对于日后理解和声学以及旋律的构建至关重要。 旋律的视唱： 在掌握了音高和节奏的基本要素后，本书将引导学习者进行不同风格和复杂程度的单声部旋律视唱。这些旋律片段来自经典的音乐作品，或是为教学目的而创作。我们会根据学习者的进步程度，循序渐进地增加旋律的长度、音域的跨度、节奏的复杂度以及调性的变化。 各种调式和调性的视唱： 除了常见的C大调，本书还会涉及其他大小调的视唱练习，包括各种自然大小调、和声大小调、旋律大小调，以及一些简单的自然小调。这有助于学习者开阔音乐视野，理解不同调式所带来的音乐色彩差异。 乐谱符号的认识与应用： 在视唱过程中，学习者将不断接触到各种乐谱符号，例如反复记号、跳进记号、延音记号、渐强渐弱记号等。本书在练习中会自然地融入这些符号，帮助学习者在实际运用中加深理解。 练习方法指导： 本书不仅提供练习内容，还附带科学的练习方法指导。我们提倡“慢练、细练、精练”的原则，鼓励学习者在练习过程中注意发声的准确性、节奏的稳定性以及乐谱的理解深度。同时，也会给出一些自我检测和纠错的建议。 本书的特色在于： 系统性与条理性： 内容编排遵循音乐学习的规律，从易到难，循序渐进，确保学习者能够扎实地掌握每一个阶段的技能。 实用性与针对性： 所有练习内容都紧密围绕视唱这一核心技能，旨在解决学习者在音乐学习中遇到的实际问题。 大量且多样化的练习： 提供丰富的练习材料，满足不同学习者的需求，并保持练习的新鲜感，避免枯燥。 注重基础： 强调视唱作为音乐基础训练的重要性，帮助学习者建立起坚实的音乐知识体系。 易于理解和操作： 语言表述清晰简洁，排版设计合理，方便学习者自主学习和练习。 《单声部视唱》 适合音乐初学者、音乐学院学生、音乐爱好者以及任何希望提升自身音乐素养的人士。通过系统地学习和练习本书的内容，您将能够： 准确、快速地读出乐谱上的音高和节奏。 提升对音程和旋律的敏感度。 增强对音乐节奏的把握能力。 为将来学习和声、复调、曲式分析以及乐器演奏打下坚实的基础。 更好地理解和欣赏音乐作品。 我们相信，通过《单声部视唱》的引导，您将开启一段更深入、更愉悦的音乐探索之旅。

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我是一位业余的作曲爱好者，平时主要是在数位音频工作站（DAW）里摸索，对传统的音乐理论一直有些敬畏。这本书真正让我感到震撼的是它对“聆听”这门艺术的重新定义。作者用了大量的篇幅，不是教你如何“看懂”五线谱，而是教你如何真正地“听进去”每一个音符的重量和走向。他提倡一种近乎冥想的听音方式，要求读者在听觉训练时，不仅要分辨音高，还要去感知声音的“纹理”和“空间感”。书中提供了一些非常有趣的听觉练习，比如蒙上眼睛去辨别不同乐器演奏的同一段旋律，并尝试用文字描述出那种细微的情绪差异。这极大地拓宽了我的听觉维度，让我意识到，很多时候我们只是在“接收”声音，而不是在“理解”声音。这本书的视角非常独特，它将枯燥的听觉训练转化成了一场感官的冒险。

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这本书给我最大的启发，在于它对音乐创作本质的探讨。它不仅仅停留在“如何写出符合规范的音乐”，而是深入到“为什么我们会被某些音乐深深打动”的哲学层面。作者在探讨曲式结构时，并没有采用僵硬的模板化讲解，而是通过分析巴赫的赋格和德彪西的印象派作品，展示了同一套基本原理如何在不同的艺术风格下焕发出截然不同的生命力。他鼓励读者去打破既有的框架，去探索那些“不完美”但充满个性的表达方式。我合上书本后，立刻重新审视了我自己的几首练习曲，尝试着用一种更自由、更少束缚的心态去处理旋律进行。这本书像是一剂强心针，它消除了我对“完美”的过度追求，转而关注如何真诚地表达内心的感受。这本书不仅仅是一本工具书，更像是一本关于如何成为一个有思想的音乐人的心灵指南。

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说实话，我当初买这本书的时候，是抱着试试看的心态。我的音乐基础比较薄弱，很多乐理书看了半懂不懂，要么就是过于学院派，要么就是内容过于浅显，找不到一个平衡点。这本书的结构处理得非常精妙。它没有急于抛出复杂的知识点，而是循序渐进地构建起一个稳固的知识框架。我特别喜欢它在每个章节末尾设置的“思维导图”总结，那不仅仅是知识点的罗列，更是一种逻辑关系的梳理，帮助我清晰地看到各个概念之间的内在联系。举个例子，在讲解调式转换的那一节，作者巧妙地引入了不同地域民间音乐的例子，让我直观地感受到，这些看似抽象的规则，其实是人类情感表达的自然流露。阅读过程中，我甚至能想象出作者在书桌前，一边弹奏钢琴一边耐心解释的样子，那种投入感是机器无法模拟的。这本书更像是一位经验丰富、耐心十足的导师，在你迷茫时递给你一张清晰的地图。

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这本书的排版和字体选择也值得称赞，这在专业书籍中常常被忽视。通常这类书籍要么字体小得可怜，要么设计得毫无生气。但这一本，纸张的质感上乘，墨水的颜色饱和度适中，长时间阅读下来眼睛不会有强烈的疲惫感。更重要的是，作者在关键术语的解释上做得非常到位。他总是在第一次出现专业术语时，就用最简洁的语言给出定义，并且立即辅以清晰的图示或简谱示例。这对于初学者来说简直是救星。我以前总是需要频繁地在书本前后翻找名词解释，而这本书几乎把所有必需的“拐杖”都放在了你最需要它们的地方。这种对读者阅读体验的细致考量，体现出作者极高的专业素养和对读者的尊重。它让你感觉自己不是在啃一块坚硬的知识骨头，而是在享受一场精心准备的知识盛宴。

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这本书的封面设计真是别出心裁，那种复古的油画质感立刻将人拉回到那个对音乐充满敬畏的年代。我原本以为这会是一本枯燥的理论教材，没想到翻开第一页，就被作者那充满激情的文字所吸引。他不仅仅是在讲解音阶和节奏，更像是在讲述一段段音乐史诗。书中穿插的那些小故事，关于早期作曲家们如何在简陋的条件下创作出不朽的旋律，读起来让人热血沸腾。特别是关于和声学基础的那几章，作者用非常生活化的比喻来解释那些复杂的概念，比如将不同音高的组合比作家庭成员之间的互动，一下子就让原本高深莫测的知识变得亲切起来。我尤其欣赏它对“乐感培养”的强调，而不是死板的机械练习。作者反复提醒读者，音乐的灵魂在于情感的表达，技术只是工具。这种注重内在修养的教学理念，在这个追求速成的时代显得尤为珍贵。我已经开始尝试用这种全新的视角去审视我平时听的那些古典音乐片段，感觉像是为蒙着灰尘的画作重新打磨了色彩，细节和层次感都更清晰了。

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