"Cahiers du Cinema" is the most prestigious and influential film journal ever published. An anthology devoted entirely to its writings, in English translation, is long overdue. The selections in this volume are drawn from the colorful first decade of Cahiers, 1951-1959, when a group of young iconoclasts racked the world of film criticism with their provocative views an international cinema--American, Italian, and French in particular. They challenged long-established Anglo-Saxon attitudes by championing American popular movies, addressing genres such as the Western and the thriller and the aesthetics of technological developments like CinemaScope, emphasizing "mise en scene" as much as thematic content, and assessing the work of individual filmmakers such as Hawks, Hitchcock, and Nicholas Ray in terms of a new theory of the director as author, "auteur," a revolutionary concept at the time. Italian film, especially the work of Rossellini, prompted sharp debates about realism that helped shift the focus of critical discussion from content toward style. The critiques of French cinema have special interest because many of the journal's major contributors and theorists Godard, Truffaut, Rohmer, Rivette, Chabrol were to become same of France's most important film directors and leaders of the New Wave. Translated under the supervision of the British Film Institute, the selections have far the most part never appeared in English until now. Hillier has organized them into topical groupings and has provided introductions to the parts as well as the whale. Together these essays, reviews, discussions, and polemics reveal the central ideas of the Cahiers of the 1950s not as fixed doctrines but as provocative, productive, often contradictory contributions to crucial debates that were to overturn critical thinking about film.
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从版式设计上就能看出,这是一本不计成本、只求深度的刊物。纸张的质感粗粝而厚实,印刷的图片虽然不多,但每一张都经过精心挑选,往往是某部电影中最具争议性或最富含信息量的帧。文字的排布紧凑,行距极小,几乎没有多余的留白,这使得读者在阅读时必须全神贯注,生怕漏掉某个关键的脚注或旁注。他们的文章结构往往不是线性的,而是螺旋上升式的,作者会不断地引入新的概念,然后在后续的段落中回溯并深化前文的讨论,形成一个越来越密集的论证网络。读完一篇关于电影摄影机视角的论述,我感觉脑子像被高速旋转的齿轮打磨过一样清晰。这本杂志提供的不是娱乐,而是一种智力上的挑战和精神上的磨砺。它迫使你思考,一个画面是如何被构建、被观看、以及最终如何被意义化。它让我意识到,真正的电影鉴赏,是一种需要终身学习和持续对抗平庸的严肃事业。
评分这本杂志的编辑群体显然是“反潮流”的坚定拥护者。他们对于当年那些风靡一时的好莱坞大制作总是报以一种居高临下的审视态度,而那些默默无闻、可能连DVD都很难找到的实验短片,却能获得长篇累牍的深度挖掘。我曾跟随他们推荐去寻找一部七十年代意大利先锋派电影,看完后感到完全不知所措——画面充满噪点,叙事完全断裂,几乎没有任何可供理解的锚点。但在读完那篇评论后,我才明白,这部电影的“不可理解性”本身就是其核心的艺术主张。编辑们似乎有一种使命感,就是要唤醒沉睡的、未被主流话语发掘的电影遗产。他们的写作风格充满了历史的厚重感,仿佛每一篇都在为某位被遗忘的电影大师立传。这种对边缘文化的偏爱,使得每一次翻阅都充满了发现的惊喜,同时也带来了一种孤独的使命感——仿佛只有我们少数人,才真正懂得这些“艰难”的电影的价值所在。
评分翻开这本厚重的影评集,扑面而来的是一股浓郁的、近乎学究气的学院派气息,但这种气息却又奇妙地与底层电影文化的热情融合在一起。它不像那些流行的娱乐周刊,只会用花哨的排版和夸张的标题来吸引眼球;恰恰相反,这里的文字沉稳、密度极高,需要读者投入百分之百的注意力。我印象最深的是他们对于“长镜头”这一技术手法的系列专题,那简直是一部微型的电影技术史。他们不仅罗列了安东尼奥尼、贝拉·塔尔等大师的作品案例,还深入探讨了摄影机运动背后所蕴含的权力关系和时间观。阅读这些文字,我感觉自己正在接受一场高强度的智力训练。那些复杂的句式、层层嵌套的从句,要求你必须精确地把握每一个动词和形容词的指代对象。偶尔遇到一些我不太熟悉的电影理论家的名字,我常常需要停下来查阅资料,这无疑增加了阅读的门槛,但这种“被迫学习”的过程,正是其魅力所在——它维护了一种知识的纯粹性,拒绝迎合任何形式的快速消费。每一次拿起它,都像是在攀登一座知识的陡峭山峰,汗流浃背,但登顶后的视野是无与伦比的开阔。
评分这部电影杂志简直是影痴的圣经,每一期都像是一次深入电影核心的考古挖掘。我尤其欣赏他们对于那些晦涩难懂的欧洲艺术电影所持有的那种近乎固执的关注。他们不满足于表面的叙事或明星效应,而是直接钻进镜头的语言、蒙太奇的节奏、光影的哲学里。读他们的评论,感觉就像是跟着一位博学的导演进行私人导览,每一个段落都充满了对电影制作幕后逻辑的深度剖析。比如,他们分析某位特定导演的视觉母题时,会追溯到早期默片时代的某个技术革新,再联想到哲学思潮的变迁,这种跨度极大的知识网格,让人不得不佩服编辑团队的学养。每次看完,我都会立刻想重温那些被评论的影片,但这次的观看体验已经完全不同了——我不再是单纯的观众,而是一个试图破译密语的译者。他们很少使用那些肤浅的“好看”、“不好看”的标签,而是用严谨的术语构建起一个复杂的、可供辩论的评价体系。即便是对某部被大众追捧的商业大片,他们的批评也往往直指其叙事结构的僵化和对经典语汇的拙劣模仿,绝不留情面。这本杂志让我彻底明白了,电影评论不是为了推荐电影,而是为了研究电影本身。
评分对于那些痴迷于解构主义和后现代叙事结构的人来说,这本杂志简直是如获至宝。他们的文章很少讲述故事梗概,而是热衷于拆解叙事的碎片,研究创作者是如何故意打破观众的预期,甚至是对抗观众的观看习惯。我特别喜欢他们探讨“缺席”和“留白”的那些篇章。例如,一篇对某部法国新浪潮电影的分析,花了极大的篇幅去讨论银幕上“没有出现”的场景如何影响了观众对角色动机的理解,这种对负空间(negative space)的关注,彻底颠覆了我以往对“情节驱动”的理解。他们的语言风格是冷峻而犀利的,充满了德里达式的质疑精神,对一切既定美学标准都抱持怀疑态度。你很少能在他们的文字里读到“感人至深”或“荡气回肠”这类情绪化的词汇;取而代之的是“结构性失调”、“符号学断裂”或者“本体论的悖论”。这种近乎冷酷的、去情感化的分析方式,迫使读者必须从纯粹的逻辑层面去评估一部电影的价值,极大地拓宽了我对电影表达可能性的认知边界。
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