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出版者:UNIVERSAL MUSIC GROUP

作者:Valery Cdumg B000037602 Gergiev

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-09-30

价格:USD 16.98

装帧:Audio CD

isbn号码:9786307786359

丛书系列:

图书标签:

• 肖斯塔科维奇
• 古典音乐
• 作曲家
• 苏联音乐
• 交响乐
• 音乐史
• 20世纪音乐
• 音乐传记
• 音乐家
• 艺术传记

《肖斯塔科维奇》 一、 尘埃落定前的喧嚣：早期生活与初露锋芒（1906-1925） 1906年，在沙皇俄国彼得堡的寒风中，一个日后将震动世界乐坛的灵魂降生了。德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇（Dmitri Dmitrievich Shostakovich）的童年，浸润着那个时代特有的躁动与变革。他的父亲是一位化学工程师，母亲则是一位才华横溢的钢琴家。音乐的种子，就这样在家中悄然播下。 年幼的肖斯塔科维奇展现出惊人的音乐天赋。他记谱能力过人，对和声有着敏锐的直觉，并且创作的冲动如同泉涌。在严谨的音乐教育下，他的技艺日益精湛。然而，历史的车轮滚滚向前，十月革命的炮火彻底改变了这个国家的命运。动荡不安的年代，一方面为年轻的肖斯塔科维奇提供了接触前卫艺术思潮的契机，另一方面也磨砺了他坚韧的意志。 1923年，他以优异的成绩考入彼得堡音乐学院，师从马克斯·施泰因伯格（Max Steinberg）。在学院期间，他不仅学习古典作曲理论，还积极探索新生的爵士乐与电影音乐。1925年，他完成了自己的毕业作品——D小调第一交响曲。这部作品如同他初露锋芒的宣言，以其大胆的创新、鲜明的个性和磅礴的气势，震惊了苏联乐坛。它融合了马勒式的宏大叙事，斯特拉文斯基式的节奏冲击，以及自身独特的忧郁与力量，预示着一个伟大作曲家的诞生。 二、 激流中的勇者：从“激进”到“修正”（1926-1936） 第一交响曲的成功，让肖斯塔科维奇迅速成为苏联音乐界的宠儿。他才华横溢，创作速度惊人，在歌剧、芭蕾、交响乐、室内乐等各个领域都留下了浓墨重彩的笔触。这一时期，他深受阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）和保罗·欣德米特（Paul Hindemith）等西方现代作曲家的影响，作品风格大胆前卫，充满了实验性和探索性，被一些人贴上了“形式主义”和“激进”的标签。 1927年的歌剧《鼻子》（The Nose）便是这一时期的代表作。这部改编自果戈理同名小说的作品，以其荒诞的剧情、尖锐的讽刺和戏谑的音乐语言，挑战了当时的主流审美。它在歌剧院引起了轩然大波，有人赞赏其创新，也有人批评其“不接地气”。 与此同时，肖斯塔科维奇还积极参与政治活动，他为工会创作歌曲，为政治宣传片配乐，展现出他对新生的苏联政权的初步认同。他与一些左翼艺术家保持密切联系，试图在艺术创作中找到与社会现实的结合点。 然而，随着斯大林主义的巩固，对艺术的控制也日益收紧。1936年，他的歌剧《姆钦斯克郡的麦克白》（Lady Macbeth of Mtsensk）在莫斯科首演，并获得了巨大的成功。然而，几个月后，《真理报》刊登了署名斯大林的文章，以“混乱代替音乐”（Chaos Instead of Music）为题，严厉批判了这部歌剧，指责其“形式主义”、“粗俗”、“反人民”。这一批判如同一道晴天霹雳，彻底改变了肖斯塔科维奇的命运，也标志着苏联艺术界进入了令人窒息的“禁锢”时期。 三、 钢铁洪流中的幸存者：战争与考验（1936-1945） 《真理报》的批判，对肖斯塔科维奇造成了毁灭性的打击。他被撤销了教师职务，创作陷入了前所未有的困境。他不得不重新审视自己的创作方向，试图在严酷的政治环境下寻找生存之道。 就在他身处低谷之际，第二次世界大战爆发了。纳粹德国的入侵，将整个苏联拖入了残酷的战争泥潭。在血与火的洗礼下，肖斯塔科维奇的作品风格发生了深刻的转变。他开始创作能够振奋人心、鼓舞士气的音乐。 1941年，德军围困列宁格勒，这座英雄的城市正遭受着炼狱般的折磨。肖斯塔科维奇亲身经历了围城之苦，他拒绝撤离，而是留在了这座饱受战火蹂躏的城市。在那里，他开始创作自己最著名的作品之一——第七交响曲《列宁格勒》。这首交响曲以其宏伟的气势、悲壮的旋律和对战争罪恶的控诉，成为了反法西斯战争的象征，在全世界引起了巨大反响。它不仅仅是音乐，更是对人类苦难的深刻反思和对和平的强烈呼唤。 第七交响曲的成功，为肖斯塔科维奇赢得了巨大的声誉，也为他赢得了喘息的机会。然而，战争的阴影并未完全散去。1948年，苏联共产党中央委员会颁布了《关于阿·阿·日丹诺夫关于穆拉杰利歌剧《伟大的黎明》的报告》（Resolution on the Opera "Great Dawn" by Muradeli），对包括肖斯塔科维奇在内的许多作曲家进行了新一轮的批判，指责他们“形式主义”、“西方化”，脱离了“社会主义现实主义”的创作道路。这次批判比1936年的更加严酷，导致肖斯塔科维奇的作品再次被禁演，他的创作自由受到了极大的限制。 四、 阴影中的坚持：晚年创作与内在的挣扎（1945-1975） 战后，肖斯塔科维奇的创作生涯进入了一个更加复杂的阶段。尽管遭受了两次严厉的政治批判，但他并未放弃创作。他依然在共产党的严密监视下，努力创作着能够生存下来的音乐。 他的晚期作品，如第十交响曲（1953年）和第十三交响曲（1962年）等，依然展现出惊人的力量和深度。在这些作品中，我们能够听到他内心的挣扎、对现实的隐喻以及对自由的渴望。第十交响曲被认为是斯大林死后，他创作的第一部真正意义上的“复苏”之作，以其深刻的情感和复杂的结构，展现了作曲家在经历磨难后的成熟与力量。而第十三交响曲《巴比·亚尔》（Babi Yar）则以普里·科瓦里（Yevgeny Yevtushenko）的诗歌为基础，大胆地揭露了苏联社会中存在的反犹主义和政治压迫，这是他勇气和良知的体现，也让他再次面临巨大的政治风险。 尽管在公开场合，他不得不遵循官方的创作路线，但他的音乐中却时常流露出一种难以言说的悲怆、讽刺与反抗。他的许多作品，表面上是遵循社会主义现实主义的框架，但其深层的情感和象征意义，却常常指向更广阔的人性空间。他巧妙地运用音乐语言，在官方的审查制度下，为自己留下了一方创作的净土。 1960年，他加入了苏联共产党，这一举动引起了广泛的争议。有人认为他是为了生存而妥协，也有人认为这是他在特殊时代的一种策略。无论如何，这都无法掩盖他音乐中蕴含的真实情感和艺术价值。 1975年，肖斯塔科维奇在莫斯科与世长辞。他的生命，如同他创作的交响曲一样，充满了跌宕起伏、强烈的对比和深邃的情感。 五、 永恒的回响：遗产与解读 德米特里·肖斯塔科维奇，这位20世纪最伟大的作曲家之一，留下了数量惊人的作品。他的音乐，以其深刻的情感、精湛的技艺和对时代的回应，征服了全世界的听众。 他的作品，不仅仅是纯粹的音乐。它们是那个动荡年代的缩影，是个人在集体主义洪流中的呐喊，是对人性善恶的深刻洞察。他的交响曲，如同史诗般的画卷，描绘了战争的残酷、政治的压迫、个体的困境以及对自由的永恒追求。他的室内乐，则以更为细腻的方式，展现了作曲家内心深处的情感世界。 肖斯塔科维奇的音乐，至今仍在被广泛演奏和研究。每一次的聆听，都能从中发掘出新的意义。他用音乐，为我们留下了那个时代的深刻印记，也为我们展现了人类精神在极端压力下的韧性与光辉。他的名字，已经永远镌刻在世界音乐史的殿堂之上。

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从文学手法上来说，这本书的创新之处在于其对“非人叙事者”的极致运用。我们的大部分阅读经验都建立在人类视角之上，但在这里，叙事声音时不时地切换到一些非传统的主体——比如一栋老旧建筑的墙体，或是城市中流淌的地下水脉。这种“去人性化”的处理，带来了一种令人毛骨悚然的疏离感和客观性。当“墙壁”开始讲述它所见证的历史时，那些人类的爱恨情仇瞬间被置于永恒的时间尺度下，显得如此微不足道和滑稽。这种宏大的、近乎地质学的时间观，极大地颠覆了我的阅读习惯。它让我开始反思，我们人类所构建的意义，在更广阔的宇宙背景下，究竟有多么短暂和脆弱。这本书的基调是冷静的，甚至是冰冷的，但恰恰是这种缺乏温度的叙述，才最能体现出存在本身那份令人敬畏的、漠不关心的强大力量。

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我阅读这本书时，最大的感受是它在情绪上的巨大“回声效应”。它没有刻意去渲染悲伤或喜悦，而是通过对日常细节的近乎强迫症式的捕捉，营造出一种弥漫性的、难以言喻的“存在焦虑”。比如，作者会花上整整一页篇幅来描述一个雨天下午，阳光穿过窗帘时，尘埃在光束中缓慢漂浮的景象。这种看似无关紧要的描绘，却奇迹般地捕捉到了那种“一切终将逝去”的隐秘哀伤。这本书的魅力在于它的“留白”，它很少直接告诉你角色的感受，而是将你推入一个充满暗示和未尽之意的空间，让你自己去填补情感的空缺。这要求读者必须具备高度的主动性，你必须是那个主动去感受、去构建意义的人。读完合上书本的那一刻，我没有感到释然，反而有一种被某种深刻的、无名的情绪渗透的感觉，仿佛自己的一部分思维结构被永久地改变了，它留下的不是情节的回忆，而是一种持久的心境。

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这部作品的叙事结构简直是建筑学上的奇迹，层层叠叠，逻辑严密得让人喘不过气。作者似乎对时间有着一种近乎偏执的掌控欲，将过去、现在和那些尚未发生的可能性编织成一张密不透风的网。我花了整整三天的时间，试图在脑海中勾勒出其内在的骨架，那种精密的布局，让人联想到巴赫的赋格曲，每一个主题的引入、发展、再现，都恰到好处地服务于最终的宏大意图。尤其是在第三部分，叙事视角突然转换，从一个全知的上帝视角骤然跌入一个极其私密、充满感官错乱的内心独白，这种巨大的张力处理得极为高明，让人不得不放下手中的所有杂念，全身心地投入到文字的迷宫中去探索。我注意到，作者在描述场景时，大量使用了对比强烈的色彩和声音意象，例如，潮湿的石灰墙壁上苔藓的翠绿，与远方汽笛声的尖锐金属质感形成了令人不安的和谐。这种细致入微的描摹，使得虚构的世界拥有了触手可及的真实感，仿佛我能闻到书页上散发出的，属于那个年代特有的，混合着煤烟和陈旧羊皮纸的气味。这本书绝不是那种可以“快速浏览”的作品，它要求你慢下来，去品味那些隐藏在句子结构深处的微小寓意，就像在细读一幅铺满细节的文艺复兴时期的壁画，稍不留意，就会错过一个重要的符号。

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这本书的语言风格，简直像是一场酣畅淋漓的爵士乐即兴演奏，充满了不可预测的律动和情感的爆发力。它完全摒弃了传统小说的线性叙事，取而代之的是一种碎片化、高度情绪化的表达方式。我常常需要在读完一个段落后，停下来深深呼吸，因为那些句子里的情感密度实在太高了。作者似乎对人类内心深处那些最幽微、最难以名状的恐惧和欲望有着惊人的洞察力，并通过一系列极具冲击力的比喻将它们具象化。比如，他将“孤独”描述为“一架在静默的剧院里，被遗忘的钢琴发出的，无人聆听的和弦”，这种表达方式极具画面感和穿透力。更令人称奇的是，尽管文本的结构看似松散，但当你将所有片段拼凑起来时，会发现底下潜藏着一条极其坚韧的情感主线，这条主线贯穿始终，就像一根看不见的银线，牵引着所有角色和事件。阅读体验更像是观看一场实验戏剧，充满了意想不到的停顿、突兀的爆发和令人不安的沉默，它强迫你走出舒适区，去直面那些平时被我们理性压抑住的本能反应。

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我必须承认，这本书的阅读过程，对我而言，更像是一场智力上的攀登，而非一次轻松的消遣。它的知识密度大得惊人，作者似乎毫不吝啬地将自己积累的古典哲学、建筑历史和晦涩的科学理论，如同散落的宝石一般，散布在看似普通的对话和场景描述之中。起初，我不得不频繁地查阅注释，试图理解那些专有名词的背景，这无疑打断了阅读的流畅性。然而，一旦你适应了作者设定的认知节奏，你会发现，这些知识点并非是为了炫技，而是作为构建其世界观不可或缺的基石。书中关于“秩序与混沌”的辩证讨论，尤其让我印象深刻，它不是简单地抛出理论，而是通过人物的命运和环境的变迁来展现这些概念是如何实际运作和相互作用的。这本书迫使你动用大脑中那些长期休眠的区域，它考验的不仅仅是你的理解力，更是你的耐心和求知欲。读完后，你会有一种感觉，仿佛不是读完了一本书，而是完成了一项复杂的研究课题，那种智力上的满足感是无与伦比的。

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