Useful Photography

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出版者:Artimo
作者:Hans Aarsman
出品人:
页数:44
译者:
出版时间:2003-08
价格:USD 27.50
装帧:Paperback
isbn号码:9789075380842
丛书系列:
图书标签:
  • 摄影技巧
  • 摄影指南
  • 摄影教学
  • 摄影入门
  • 摄影构图
  • 摄影曝光
  • 摄影后期
  • 数码摄影
  • 摄影器材
  • 摄影艺术
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具体描述

Fashion design is not a category usually associated with war, but in fact it is a consideration that all war-mongers must take into account when they are planning battles, be they naval or air, military or rebel, national or international. Every country in the world has its own camouflage--can you tell from the various patterns which country is trying to hide from you? Useful Photography #4: The War Special exhibits what different countries wear when they go to war and the products that keep them hidden on the front lines.

Edited by Erik Kessels, Hans Aarsman, Julian Germain, Hans van der Meer and Claudie de Cleen.

Paperback, 8.26 x 12.2 in./44 pgs / 64 color 0 BW0 duotone 0 ~ Item D20227

《实用摄影技巧与构图艺术》 本书并非一本关于“Useful Photography”的书,而是深入探讨摄影的实用技巧与构图艺术的综合指南。我们将带领您穿越光影的世界,从拿起相机的那一刻起,便踏上一次充满发现与创造的旅程。 第一部分:掌握相机的语言——深入了解你的设备 理解曝光三角:快门速度、光圈和ISO的协同作用。 我们将详细解释这三个核心要素如何相互影响,以及如何在不同的场景下(如运动、弱光、风光)灵活运用它们,摆脱自动模式的束缚,真正掌控画面。 镜头选择的奥秘:焦距、视角与景深。 从广角到长焦,我们将分析不同焦段镜头的特性,理解视角对画面构图的影响,并深入讲解光圈如何塑造景深,实现主体突出或背景虚化等效果。 对焦模式的精通:单次、连续与手动对焦。 学习如何在静态、动态场景中选择最合适的对焦模式,确保画面焦点清晰锐利,捕捉决定性瞬间。 白平衡的艺术:还原真实色彩。 了解不同光源下色彩的差异,掌握白平衡的设置技巧,让你的照片呈现出自然、准确的色彩。 测光模式的运用:评估光线,准确曝光。 学习评估光线、理解点测光、中央重点测光和评价测光的工作原理,避免过曝或欠曝,获得理想的曝光值。 RAW格式的优势与后期处理基础。 介绍RAW格式相比JPEG格式在后期调整中的巨大潜力,并为读者打下后期处理的初步基础。 第二部分:点亮你的画面——光影的魔法 自然光的使用:黄金时段与蓝色时段的魅力。 探索日出日落前后柔和而富有戏剧性的自然光,以及清晨傍晚宁静的蓝色调,如何为你的作品增添氛围。 人造光源的运用:闪光灯、LED灯与持续光源。 学习如何巧妙运用内置闪光灯、外接闪光灯以及LED灯,控制光线方向、强度和色彩,创造出更具表现力的画面。 布光技巧:单灯、多灯布局与光线修饰。 从简单的单灯布光到复杂的多灯组合,我们将讲解伦勃朗光、蝴蝶光、分割光等经典布光模式,以及反光板、柔光罩等辅助工具的使用。 阴影的叙事:塑造空间与情绪。 理解阴影不仅是黑暗的区域,更是构成画面的重要元素,如何利用阴影增强立体感,表达情绪。 第三部分:构图的语言——引导观者的视线 经典构图法则:三分法、黄金分割与引导线。 学习如何运用这些经典法则,将画面元素有逻辑地安排,创造出平衡、和谐且引人入胜的视觉效果。 打破常规:留白、对称与负空间。 探讨如何通过大量的留白、精妙的对称以及巧妙运用负空间,创造出简约而富有张力的画面,突出主体,引导观众思考。 透视的运用:近大远小与深度感。 学习如何通过调整拍摄角度和选择镜头,增强画面的透视感,营造空间深度,使画面更具吸引力。 画面的节奏与动态:线条、形状与纹理。 理解画面中线条、形状和纹理如何构成视觉节奏,制造动感或静谧,赋予作品生命力。 色彩的情绪:冷暖色调、对比色与和谐色。 探索色彩在摄影中的心理作用,学习如何运用冷暖色调、对比色和和谐色来营造不同的情绪和氛围。 框景与前景的运用:增加层次与趣味。 学习如何利用前景元素或自然形成的“画框”,为画面增添层次感和故事性。 第四部分:捕捉瞬间——不同题材的实践 人像摄影:捕捉神韵与情感。 从表情、眼神到姿态,深入探讨如何通过光线、构图和与模特的沟通,拍出有灵魂的人像作品。 风光摄影:定格壮丽与细腻。 学习如何选择最佳的拍摄时机和角度,运用合适的曝光和构图技巧,捕捉自然的壮美景色。 街头摄影:瞬间的叙事与观察。 培养敏锐的观察力,学习如何在复杂多变的街头环境中,捕捉充满故事性的瞬间。 静物摄影:细节的呈现与美感的塑造。 探索如何通过光影、色彩和摆放,将日常的静物赋予艺术的生命。 微距摄影:探索微观世界的奇妙。 学习微距镜头的运用和布光技巧,揭示肉眼难以察觉的细节之美。 运动摄影:定格动感与力量。 掌握高速快门、追焦等技巧,捕捉运动中的精彩瞬间。 第五部分:后期锐化——为你的作品画龙点睛 曝光与色彩校正:基础调整。 学习在后期软件中进行基本的曝光、对比度和色彩平衡的调整。 锐化与降噪:提升画面质感。 了解如何适度锐化以增强细节,以及如何有效降噪以保持画面纯净。 裁剪与校正:优化构图。 学习如何通过裁剪来调整构图,以及如何校正倾斜的画面。 局部调整:突出重点。 掌握画笔工具、渐变滤镜等,对画面局部进行有针对性的调整。 本书旨在提供一套全面且实用的摄影指导,帮助您理解摄影的本质,掌握创作的技巧,并最终用镜头讲述您自己的故事。无论您是刚踏入摄影殿堂的初学者,还是希望突破瓶颈的进阶者,都能从中获得启发与帮助。

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目录信息

读后感

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用户评价

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从装帧和纸张的触感来看,这绝对是一本可以永久珍藏的“艺术品”。封面采用的是哑光处理,配合内页的铜版纸印刷,即便是黑白照片的灰阶过渡也显得极其细腻、质感十足。然而,这种对物质形态的极致追求,似乎也占据了内容编辑的太多精力。书中收录了许多已故大师的经典作品,这些照片的展示无疑是精彩绝伦的,它们激发了阅读者对摄影美学的向往。但遗憾的是,这些“杰作”与其背后的拍摄技巧之间的联系非常薄弱。比如,书中展示了一张著名的荒野风光照,极具冲击力。我立刻翻到相关章节,希望了解作者是如何处理前景、中景和远景的层次感的,或者在后期是如何对天空进行选择性曝光补偿的。结果,作者只用了一句标注:“这张照片的成功,在于创作者对孤独的深刻理解。”这简直是在告诉我,我的24-70mm镜头和我的孤独感之间,才是决定照片质量的关键因素。我需要的是技术指导,而不是心理辅导。

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这本新出的摄影指南,老实说,我拿到手的时候有点被它的厚度和精装本的质感震撼到了。我本来期望的是一本轻薄、侧重于基础操作的入门手册,毕竟我还在摸索阶段,对那些复杂的布光、后期处理的概念还很陌生。然而,这本书的开篇就直奔主题,用极其专业且详尽的语言阐述了光线在不同天气条件下的物理特性,以及如何通过调整快门速度和光圈来“捕捉”这些瞬间的能量。我花了整整一个周末才勉强啃完了前三章,里面涉及大量的三角函数和几何光学原理,感觉像是在上大学的高级物理课,而不是在学习如何拍出好看的照片。书中对镜头畸变校正的章节尤其让我头疼,作者似乎默认读者已经掌握了如何计算焦距与像场的关系,并且能够熟练运用RAW格式进行非线性编辑。我尝试按照书上的步骤去实践一个“低调人像”的练习,结果我的电脑直接卡死,输出的照片简直是惨不忍睹的噪点集合。这本书显然是为那些已经拥有多年经验、渴望钻研技术深度的专业人士准备的,对于我这样的“菜鸟”来说,它更像是一部高深莫测的教科书,而不是一本能让人即刻上手、立竿见影的“有用”工具书。我猜,如果我现在能理解书中一半的内容,我就能去申请一个摄影硕士学位了。

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我不得不承认,这本书的排版设计真是让人眼前一亮。它采用了大量留白和极简主义的风格,每一页的图像和文字之间的呼吸感都处理得恰到好处,视觉上非常舒服。然而,这种美学上的考量似乎是以牺牲实用性为代价的。当我翻到关于“城市夜景长曝光”的那一章时,我满心期待能看到一些关于如何有效抑制高光溢出、选择最佳ND减光镜组合的实战经验。结果呢?作者只是用了一张令人惊叹的、仿佛科幻电影截屏般的城市天际线照片作为引子,然后用三段充满诗意的散文描述了“光线在时间长河中留下的痕迹”。接下来的内容,重点完全放在了哲学层面的探讨——我们如何通过镜头来审视现代社会的疏离感。我试着在自家阳台上复刻那个长曝光效果,结果书里没有提及任何关于计时器设置、电池保温,甚至是如何稳定三脚架以避免微小晃动的小贴士。它更像是一本摄影艺术家的“心灵独白集”,而不是一本实用的“操作手册”。对我来说,一本“有用”的书,应该至少能教会我如何避免拍出模糊的照片,这本书在这方面是彻底失语的。

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我尝试将这本书推荐给我一位刚买了单反的朋友,结果他看了两页就直接合上了,说他宁愿去看YouTube上的免费教程。我的感受也差不多。这本书的语言风格非常“学院派”,充斥着大量的“结构主义”、“后现代解构”以及“现象学观察”等术语,这些词汇在讨论摄影时,听起来像是故作高深。它似乎在刻意营造一种门槛,仿佛只有掌握了这些晦涩的理论,才能算是“真正的”摄影师。当我试图理解其中关于“动态范围压缩与人眼感知”的章节时,我感觉自己像是在学习一门外语。更糟糕的是,书中引用的许多案例和技术,似乎都是基于上世纪八九十年代的设备和工作流程,虽然有些原理是永恒的,但缺乏对当前主流数码工作流程的适配性。例如,它对文件管理的介绍,完全没有提及云存储和自动备份策略的重要性,这在今天的拍摄实践中是不可或缺的一部分。总而言之,这本书更像是对摄影史和理论的严肃回顾,而不是一本能帮助现代摄影爱好者在当下环境下提升技能的实用指南。

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这本书的“广度”令人敬佩,但这种广度带来的结果就是“深度”的缺失。它涵盖了从传统的湿版摄影工艺到最新的AI辅助构图工具等几乎所有摄影流派,理论上应该包罗万象。但问题在于,当它提到一个具体的技术点时,比如“如何平衡色温以模拟早期胶片的颗粒感”,它会用极其简练的语言带过,然后立刻跳到下一个话题,比如“中画幅数码后背的像素密度对动态范围的影响”。这种跳跃感让我非常不适应。就好像你走进一家米其林餐厅,服务员递给你一份菜单,上面列出了全世界所有菜系的名字,但当你点菜时,他们只给你提供了一勺汤,并告诉你:“品尝吧,这就是这道菜的精髓。”我花了大量时间在目录里寻找关于“人像棚拍布光”的详细图解,结果只找到了一个关于“伦勃朗光”的理论图示,那个图示的标签说明比我阅读过的任何学术论文都要晦涩难懂。它更像是一本优秀的“摄影词典”或“知识索引”,如果你已经知道自己想要什么,也许能从中找到线索,但如果你需要一步步的指导,这本书会让你感到无比挫败。

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