Fashion design is not a category usually associated with war, but in fact it is a consideration that all war-mongers must take into account when they are planning battles, be they naval or air, military or rebel, national or international. Every country in the world has its own camouflage--can you tell from the various patterns which country is trying to hide from you? Useful Photography #4: The War Special exhibits what different countries wear when they go to war and the products that keep them hidden on the front lines.
Edited by Erik Kessels, Hans Aarsman, Julian Germain, Hans van der Meer and Claudie de Cleen.
Paperback, 8.26 x 12.2 in./44 pgs / 64 color 0 BW0 duotone 0 ~ Item D20227
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从装帧和纸张的触感来看,这绝对是一本可以永久珍藏的“艺术品”。封面采用的是哑光处理,配合内页的铜版纸印刷,即便是黑白照片的灰阶过渡也显得极其细腻、质感十足。然而,这种对物质形态的极致追求,似乎也占据了内容编辑的太多精力。书中收录了许多已故大师的经典作品,这些照片的展示无疑是精彩绝伦的,它们激发了阅读者对摄影美学的向往。但遗憾的是,这些“杰作”与其背后的拍摄技巧之间的联系非常薄弱。比如,书中展示了一张著名的荒野风光照,极具冲击力。我立刻翻到相关章节,希望了解作者是如何处理前景、中景和远景的层次感的,或者在后期是如何对天空进行选择性曝光补偿的。结果,作者只用了一句标注:“这张照片的成功,在于创作者对孤独的深刻理解。”这简直是在告诉我,我的24-70mm镜头和我的孤独感之间,才是决定照片质量的关键因素。我需要的是技术指导,而不是心理辅导。
评分这本新出的摄影指南,老实说,我拿到手的时候有点被它的厚度和精装本的质感震撼到了。我本来期望的是一本轻薄、侧重于基础操作的入门手册,毕竟我还在摸索阶段,对那些复杂的布光、后期处理的概念还很陌生。然而,这本书的开篇就直奔主题,用极其专业且详尽的语言阐述了光线在不同天气条件下的物理特性,以及如何通过调整快门速度和光圈来“捕捉”这些瞬间的能量。我花了整整一个周末才勉强啃完了前三章,里面涉及大量的三角函数和几何光学原理,感觉像是在上大学的高级物理课,而不是在学习如何拍出好看的照片。书中对镜头畸变校正的章节尤其让我头疼,作者似乎默认读者已经掌握了如何计算焦距与像场的关系,并且能够熟练运用RAW格式进行非线性编辑。我尝试按照书上的步骤去实践一个“低调人像”的练习,结果我的电脑直接卡死,输出的照片简直是惨不忍睹的噪点集合。这本书显然是为那些已经拥有多年经验、渴望钻研技术深度的专业人士准备的,对于我这样的“菜鸟”来说,它更像是一部高深莫测的教科书,而不是一本能让人即刻上手、立竿见影的“有用”工具书。我猜,如果我现在能理解书中一半的内容,我就能去申请一个摄影硕士学位了。
评分我不得不承认,这本书的排版设计真是让人眼前一亮。它采用了大量留白和极简主义的风格,每一页的图像和文字之间的呼吸感都处理得恰到好处,视觉上非常舒服。然而,这种美学上的考量似乎是以牺牲实用性为代价的。当我翻到关于“城市夜景长曝光”的那一章时,我满心期待能看到一些关于如何有效抑制高光溢出、选择最佳ND减光镜组合的实战经验。结果呢?作者只是用了一张令人惊叹的、仿佛科幻电影截屏般的城市天际线照片作为引子,然后用三段充满诗意的散文描述了“光线在时间长河中留下的痕迹”。接下来的内容,重点完全放在了哲学层面的探讨——我们如何通过镜头来审视现代社会的疏离感。我试着在自家阳台上复刻那个长曝光效果,结果书里没有提及任何关于计时器设置、电池保温,甚至是如何稳定三脚架以避免微小晃动的小贴士。它更像是一本摄影艺术家的“心灵独白集”,而不是一本实用的“操作手册”。对我来说,一本“有用”的书,应该至少能教会我如何避免拍出模糊的照片,这本书在这方面是彻底失语的。
评分我尝试将这本书推荐给我一位刚买了单反的朋友,结果他看了两页就直接合上了,说他宁愿去看YouTube上的免费教程。我的感受也差不多。这本书的语言风格非常“学院派”,充斥着大量的“结构主义”、“后现代解构”以及“现象学观察”等术语,这些词汇在讨论摄影时,听起来像是故作高深。它似乎在刻意营造一种门槛,仿佛只有掌握了这些晦涩的理论,才能算是“真正的”摄影师。当我试图理解其中关于“动态范围压缩与人眼感知”的章节时,我感觉自己像是在学习一门外语。更糟糕的是,书中引用的许多案例和技术,似乎都是基于上世纪八九十年代的设备和工作流程,虽然有些原理是永恒的,但缺乏对当前主流数码工作流程的适配性。例如,它对文件管理的介绍,完全没有提及云存储和自动备份策略的重要性,这在今天的拍摄实践中是不可或缺的一部分。总而言之,这本书更像是对摄影史和理论的严肃回顾,而不是一本能帮助现代摄影爱好者在当下环境下提升技能的实用指南。
评分这本书的“广度”令人敬佩,但这种广度带来的结果就是“深度”的缺失。它涵盖了从传统的湿版摄影工艺到最新的AI辅助构图工具等几乎所有摄影流派,理论上应该包罗万象。但问题在于,当它提到一个具体的技术点时,比如“如何平衡色温以模拟早期胶片的颗粒感”,它会用极其简练的语言带过,然后立刻跳到下一个话题,比如“中画幅数码后背的像素密度对动态范围的影响”。这种跳跃感让我非常不适应。就好像你走进一家米其林餐厅,服务员递给你一份菜单,上面列出了全世界所有菜系的名字,但当你点菜时,他们只给你提供了一勺汤,并告诉你:“品尝吧,这就是这道菜的精髓。”我花了大量时间在目录里寻找关于“人像棚拍布光”的详细图解,结果只找到了一个关于“伦勃朗光”的理论图示,那个图示的标签说明比我阅读过的任何学术论文都要晦涩难懂。它更像是一本优秀的“摄影词典”或“知识索引”,如果你已经知道自己想要什么,也许能从中找到线索,但如果你需要一步步的指导,这本书会让你感到无比挫败。
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