具体描述
Between 1946 and 1959, the most outspoken voice in British film music was that of the celebrated Austrian émigré critic, Hans Keller (1919-85). He argued passionately for 'the need for competent film music criticism', laid out the main topics of the day, and studied the contribution of all the main British composers and many others besides. In particular he championed William Alwyn, Arthur Benjamin and Alan Rawsthorne as well as the more established names of Auric, Bernstein, Britten, Thomson, Vaughan Williams and Walton. In 1959 he also devoted a column to 'television music'. This important collection of writings will form a vital complement to the contemporary Composing for the Film by Eisler and Adorno, and will provide an invaluable and unparalleled account of a great age for film music.
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用户评价
这本书的魅力在于其广泛的视野和对“边缘”的关注。它不仅仅局限于好莱坞的经典体系，而是花了相当大的篇幅去考察那些常常被主流评论忽略的领域，例如欧洲先锋派电影配乐（尤其是与实验电影的结合）和非西方电影配乐的独特美学。作者对特定非英语系国家电影中，如何利用传统乐器和非传统声学元素来构建叙事空间的描述，是全书中最具启发性的部分之一。这种跨文化的比较视角，挑战了许多关于“普世电影音乐语言”的既有观念。我们常常被教育要从德彪西或巴赫那里寻找电影音乐的源头，但这本书引导我们去探索其他声学景观，去理解不同文化如何定义“和谐”与“冲突”。总而言之，它是一部充满好奇心和学术勇气的作品，它拓展了我们对“电影音乐”这个概念的边界，让人对未来的声音实验充满了无限的期待和想象空间。
评分这部关于电影音乐的著作，如同一把精妙的钥匙，开启了理解音乐在视觉叙事中如何运作的大门。作者对早期好莱坞黄金时代配乐手法的洞察力令人惊叹，尤其是对不同作曲家风格的细腻剖析，比如马克斯·施泰纳如何将情感深度融入宏大叙事，以及埃里克·沃尔夫冈·科恩戈尔德如何用其丰富的管弦乐织体烘托出史诗般的氛围。书中深入探讨了对白、音效与音乐之间的微妙平衡，指出在许多经典影片中，音乐并非仅仅是背景装饰，而是承担着推进情节、刻画人物内心冲突的关键叙事功能。阅读这些章节，我仿佛置身于那个由声音构建的电影世界，体会到声音设计师和作曲家们如何通过精确的音符选择和编排，引导观众的情绪走向。特别是关于“主导动机”（leitmotif）在电影中的演变和适应性，提供了大量引人深思的案例，展示了这种古典歌剧手法如何在现代电影语言中获得新生。对于任何渴望超越简单“好听”的范畴，去探究电影配乐深层结构和历史语境的爱好者来说，这本书提供了坚实而丰富的理论基础和丰富的实践分析。
评分这本书的叙事节奏和结构设计非常吸引人，它没有采用那种刻板的年代顺序或风格分类，而是像一位经验丰富的策展人，将看似不相关的音乐现象并置在一起进行对比和阐述。我特别欣赏作者在讨论特定电影场景时所展现出的那种近乎音乐学家的严谨性，同时又保持了对电影艺术的无限热情。比如，对于某一特定桥段中弦乐声部的颤音处理，作者能瞬间将其与二十世纪初的室内乐传统联系起来，揭示出作曲家是如何在短短几秒钟内完成历史与情感的跨越。这种将音乐本体分析与电影理论相结合的写作方式，极大地拓宽了我的视野，让我开始重新审视那些我过去视为“平庸”的配乐，去挖掘其中隐藏的结构性智慧。它迫使你暂停播放，反复聆听那些关键的四小节，去理解每一个和弦转位背后的哲学考量。整本书读下来，感觉像上了一堂由一位充满激情的学者主讲的，关于如何“聆听”电影的深度研讨课，它不仅仅是关于音乐，更是关于如何感知结构和意图。
评分我必须指出，这本书在探讨电影音乐的文化和社会影响方面，达到了一个很高的水准。它超越了纯粹的技术分析，深入挖掘了音乐如何被用于塑造观众的意识形态和集体记忆。例如，书中对二战时期美国战争宣传片中交响乐的使用模式进行了细致的考察，分析了宏大、崇高的音乐语言是如何被武器化，以服务于特定的政治议程。这种批判性的视角，使得阅读体验充满了思辨的张力。此外，作者对于不同文化背景下的音乐“异化”现象也有独到的见解，探讨了当特定音乐语言被移植到不适应其文化语境的电影中时，会产生何种荒谬或出乎意料的效果。这种对音乐权力结构的解构，是这本书区别于许多流于表面的电影音乐评论的关键所在。它鼓励读者不仅要欣赏音乐的美感，更要警惕其潜在的操纵性，从而成为一个更具批判精神的电影观众。
评分这本书的结构就像是一张极其复杂的地图，它没有试图提供一个单一的“通往伟大配乐”的指南，而是描绘了无数条可以探索的路径。我个人非常喜欢作者在不同章节间穿插的那些关于录音技术和后期制作对最终听感影响的轶事和技术细节。比如，关于立体声混音技术在七十年代末期如何彻底改变了电影声场的感知方式，以及早期磁带录音带来的那些独特的“温暖”和“缺陷”，这些内容为我们理解最终呈现在我们耳边的声音提供了重要的物理基础。这种技术层面的探究，与前面对作曲家意图的哲学探讨形成了有趣的张力——艺术的表达总是受限于媒介的物理约束。对于那些对声音工程和录音历史感兴趣的读者，这部分内容简直是宝藏，它揭示了艺术决策背后往往隐藏着实际的工程限制和创新。它让我想起那些在录音棚里，为了一个完美的混响效果而争论不休的夜晚，充满了真实感。
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