具体描述
本书结合艺术学习的基本规律，循序渐进、由浅入深、由易入难，并配以大量的图示说明、照片参考及步骤演示，系统规范地阐述色彩的基础知识、表现技法和不同形式的组合、重点难点的讲解示范、高考时间形式内容的训练等等。特为高考生强化学习训练而设计，主要目的是为让学生掌握色彩知识、作画表现的技能技巧等，为进一步学习打下扎实的基础。
作者简介
目录信息
第一课 茶壶、藕、灯椒、茄子、大蒜头之间的组合／7
第二课 酒瓶、卷心菜、辣椒、番茄、生姜等与冷灰色台布之间的组合／9
第三课 陶罐、香蕉、玻璃杯、碗、勺子与赭色台布之间的组合／11
第四课 雪碧瓶、柚子、苹果、梨、橘子、透明玻璃杯之间的组合／13
第五课 书本、笔筒、笔、颜料、透明胶之间的组合／16
第六课 盆栽海棠花与橘子、梨之间的组合／18
第七课 苹果、梨、橘子、陶罐、酒瓶、白盘子、小刀与蓝色桌布、绿色背景布之的组合／21
第八课 土罐子、篮子、苹果、橘子与浅色台布之间的组合／23
第九课 陶罐、玻璃杯、蕃茄、红辣椒、茄子、大蒜与蓝色台布之间的组合／25
第二部分 深入学习重点难点
第十课 摆放好一组静物／28
第十一课 画面构图的均衡／29
一、画面物体位置的均衡／29
二、画面黑、白、灰色块的均衡／31
第十二课 对比法捕捉色彩／32
一、色彩的冷暖对比／32
二、色彩的明度对比／33
三、色彩的纯度对比／34
四、色彩的倾向性对比／35
第十三课 画面色调的把握／36
一、冷暖色调的把握／36
二、不同色相色调的把握／37
三、亮暗色调的把握／38
第十四课 笔法的深入研究／39
一、背景的笔法／39
二、物体的笔法／40
三、台布的笔法／41
四、笔法在画面中的协调统一／42
第十五课 色彩干湿厚薄的表达／43
一、干湿表达法／43
二、厚薄表达法／44
第十六课 特殊技法的运用／46
一、刮刀法／46
二、喷洒法／46
三、水洗法／46
第十七课 虚实的把握／47
一、台布的虚实把握／47
二、物体的虚实把握／48
三、画面总体的虚实把握／49
第十八课 画面的色彩空间处理／50
一、背景的色彩空间／50
二、物体的色彩空间／51
第十九课 画面色彩结构的平衡／52
一、画面的色彩构成／52
二、台布、物体的色彩与画面的平衡／53
第二十课 画面易出现的问题及对策／55
一、出现灰的问题及对策／55
二、出现粉的问题及对策／56
三、出现腻的问题及对策／57
四、出现脏的问题及对策／58
五、出现花的问题及对策／59
第二十一课 范画欣赏临摹／60
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
**第二段** 之前学画画，总感觉自己对色彩的把握不够精准，调色板上的颜色总是调不出我想要的那种感觉，画出来的东西也显得脏兮兮的。这本书的色彩理论部分，简直是为我量身定做的！它没有把颜色讲得过于枯燥，而是用非常形象的比喻和通俗易懂的语言，解释了色彩的构成、互补色、邻近色、以及色彩的冷暖关系。我最受益的是关于“色彩倾向”的讲解，以前我总是觉得绿色就是绿色，红色就是红色，但这本书让我明白，即使是同一种颜色，在不同的环境光和物体自身的反射下，都会带有不同的“倾向”。比如，一个苹果，在黄昏的光线下，它的绿色部分可能就会带一点点暖调。书中的色彩搭配案例也极其丰富，从基础的单色搭配到复杂的对比色运用，每一个例子都非常贴合实际，让我能够理解为什么这样搭配会显得和谐，或者为什么这样搭配会产生强烈的视觉冲击力。这不仅仅是学习如何“画出”色彩，更是学习如何“感受”色彩，如何用色彩去表达情感和氛围，感觉自己对色彩的感知能力瞬间提升了好几个档次。
**第四段** 在学习绘画的过程中，我对不同材质的肌理表现一直很头疼。无论是光滑的陶瓷、粗糙的麻布，还是剔透的玻璃，我总感觉自己画出来的效果不够真实，缺乏触感。《色彩静物教程系列.2-提高篇》在这方面的指导，简直是及时雨。它不仅仅是告诉你要画出表面的纹理，更是深入分析了不同肌理是如何影响光线的反射和吸收，从而在视觉上产生不同的质感。我印象最深刻的是关于“绒毛感”和“光滑感”的区分，作者通过细致的笔触解析，让我看到了如何通过细微的笔触变化和色彩的微妙差异，来表现出那些难以言喻的质感。比如，表现丝绸的垂坠感和光泽，或是表现木头的年轮和纹理，都有一套非常具体的方法。我之前一直以为只能通过一遍遍的练习来摸索，但这本书提供了一个清晰的思路，让我知道该从哪些方面入手，去捕捉和表现这些微妙的肌理差异。这让我对如何让我的静物画更具“触感”充满了信心。
**第三段** 作为一名还在摸索阶段的画者，我常常在构图上感到力不从心，画面总显得杂乱无章，或者重心不稳，缺少吸引人的焦点。这本书关于构图的讲解，给我带来了前所未有的启发。《色彩静物教程系列.2-提高篇》没有简单地罗列几种构图模式，而是深入探讨了构图的原则和逻辑。作者详细分析了如何运用黄金分割、三分法等经典法则，但更重要的是，它教我如何去“引导”观众的视线，如何通过物体的位置、大小、疏密、以及线条的走向来创造画面的节奏感和动势。书中有很多关于“视觉焦点”的案例分析，让我明白了如何通过突出某些元素，或者利用对比来吸引观众的注意力。我还学到了如何通过调整物体之间的呼应关系，来构建一个有机的整体，让画面元素不再是孤立的存在。最让我惊喜的是，它还讲解了如何通过“留白”来增强画面的呼吸感，以及如何利用“负空间”来衬托主体。这本教程让我明白，好的构图不是凭空而来的，而是基于对画面整体关系的深刻理解和巧妙的安排。
**第一段** 这本书的光影表现简直是神来之笔！我一直觉得自己的静物画色彩沉闷，缺乏立体感，尤其是在处理不同材质的光泽时，总显得死板。翻开《色彩静物教程系列.2-提高篇》，我简直像是打开了新世界的大门。它不是简单地告诉你“这里要亮”，而是深入剖析了光线如何与物体表面互动，从不同角度的光源投射，到环境光的影响，再到物体本身的反射光和投影，每一个细节都讲解得鞭辟入里。我尤其喜欢书中关于“体积光”和“边缘光”的讲解，以前我只知道要画亮部和暗部，但看完这本书，我才明白，那些微妙的光线过渡和边缘处的反光，才是让物体“活”起来的关键。特别是对金属、玻璃、陶瓷等不同材质的光泽处理，作者提供了一套非常系统的方法论，不再是靠感觉，而是有章可循。通过书中的示范，我看到同样的物体，在不同的光照条件下，色彩会有多么巨大的变化，而这些变化，恰恰是画面生动与否的决定性因素。我迫不及待地想把这些技巧运用到自己的实践中，相信我的静物画一定会有质的飞跃！
**第五段** 坦白说，我之前画静物，总觉得少了点“灵魂”，画面虽然技法上可能没大错，但就是不够打动人，缺乏一种高级感。这本书的“高级感”营造部分，简直是点睛之笔！它不仅仅是停留在技法层面，而是深入探讨了如何通过细节的刻画和整体的氛围来提升作品的艺术感染力。作者强调了“细节决定成败”，比如，如何通过细致地描绘物体的“包浆”来表现其年代感，或者如何通过微妙的色彩变化来营造环境的温度和湿度。更重要的是，它让我理解到，真正的“高级感”并非来自刻意的雕琢，而是源于对生活和物体的细致观察与真挚情感的投入。书中关于“氛围营造”的讲解，让我明白，一个成功的静物画，不仅仅是物体本身的呈现，更是一种情绪的传递，一种生活状态的写照。它引导我去思考，如何通过光影、色彩、构图的有机结合，来传递出一种宁静、优雅、或是充满活力的感觉，让观者在欣赏画作时，能够产生共鸣。这种从“技”到“道”的升华，让我觉得这本书的价值远超一本单纯的教程。
