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出版者:上海科学技术出版公司

作者:单国强

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2005-9

价格:320.00元

装帧:精裝本

isbn号码:9787532381760

丛书系列:故宫博物院藏文物珍品大系

图书标签:

• 艺术、设计&画册
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繁华落尽：宋代士人生活与艺术探微 本书并非聚焦于织锦、刺绣或传统的书画艺术，而是以一个全新的视角，深入剖析了在宋代这一文化与社会结构发生深刻变革的时代背景下，士大夫阶层的日常生活、精神世界及其对周边艺术形式的渗透与影响。我们将绕开那些耳熟能详的笔墨丹青，转而探讨那些构成士人日常肌理的器物、观念与空间叙事。 第一章：瓦甓之间的烟火气——宋代文人士大夫的“日常哲学” 宋代，是中国历史上一个充满矛盾与张力的时代。经济的繁荣、印刷术的发达，使得文化不再是贵族阶层的专属，士人阶层开始崛起并重塑社会结构。本书开篇，便摒弃对宏大叙事的追逐，聚焦于士人日常生活的“微观考古”。 我们探讨的不是他们悬挂在书房中的巨幅山水，而是他们案牍之上的陈设、茶宴之中的用器，以及在郊野漫步时所携带的物件。宋代的“雅”并非遥不可及的空中楼阁，它深深扎根于生活的土壤之中。 1.1 案上的世界：文房器的演变与精神寄托 宋人的文房，是其精神的延伸。本书将详细考察端砚、澄泥砚、各种材质的笔筒、印泥盒乃至水盂在宋代的材质与造型变化。这些看似寻常的物件，如何从单纯的实用工具，转变为承载“格物致知”理念的媒介？例如，我们研究宋代文人如何推崇“古朴自然”的审美，如何偏爱未经过度雕琢的石材，以及这种偏好如何与禅宗思想中的“空”与“寂”相互映照。特别地，书中将详细剖析当时的墨品制作工艺，而非墨迹本身，着重探讨墨锭上的模印图案及其所蕴含的哲学寓意，这些图案往往是文人自我期许的微型图腾。 1.2 食与器的交融：茶道的仪式与“清欢”的追求 茶文化在宋代达到了顶峰，但我们关注的焦点不是斗茶的胜负，而是茶器与空间氛围的构建。宋代的茶盏，尤其是建盏和吉州窑的黑釉盏，其釉色的自然流动与斑驳，如何被士人视为“天成”之美，而非人工之巧？书中将通过对当时茶具的实物分析，结合《茶录》等文献，重建士人饮茶的场景，解析“清欢”这一概念是如何通过茶饮的仪式感渗透到其生活哲学的深处的。我们将探究，当茶碗静置于几案之上，它所反射的光影，如何成为士人日常冥想的介质。 1.3 居所的空间叙事：园林与宅邸中的“退隐”情结 士人追求心灵的自由，常将这种诉求投射于居所设计中。本书将分析宋代文人宅邸的布局特点，特别是书房与园林的衔接方式。这不是对建筑史的全面回顾，而是侧重于空间如何服务于“隐逸”的精神需求。我们会研究那些看似随意的漏窗、曲径通幽的路径，以及如何在有限的庭院空间中，通过一石一木的布置，营造出“身在市井，心在山林”的意境。这些布局是士人对现实官场压力的无声抵抗。 第二章：器物中的史学——宋代工匠的“无名之诗” 在宋代，对“士”的推崇达到了前所未有的高度，使得许多“工”的创造往往被掩盖在文人的光环之下。本书的第二部分，将焦点转向那些创造了宋代审美基石的无名匠人及其作品。 2.1 瓷器的釉色密码：超越“观赏”的实用美学 宋瓷以其温润典雅闻名于世，但本书将深入探究这些瓷器（如汝、官、哥、定、钧）的烧制技术和其背后的实用考量。例如，汝窑的“雨过天青”色，并非单纯的艺术追求，而是对特定光线和环境要求的极致反应。我们将分析不同窑口的胎土、釉料配比如何服务于当时的陈设、焚香或贮水等具体功能。这些器物的美感，来源于其完美履行职能后的自然溢出，而非刻意为之的装饰。 2.2 纺织工艺的结构之美：布帛的纹样与阶层语境 虽然我们不讨论织绣书画，但纺织品是士人日常着装和室内陈设中不可或缺的部分。本章将审视宋代织锦、绫罗的织造技术，特别是那些以几何纹、自然元素（如藻荇、水波纹）为主题的纹样。这些纹样，在技术上代表了极高的提花复杂性，但在美学上，它们体现了宋人对秩序与和谐的偏爱，它们是社会等级和身份的无声宣告，其精细程度远超同时代其他地区的工艺水平。 2.3 金属冶炼与生活器具：铜镜与银器的时代风貌 宋代的铜镜，其背后的铭文和纹饰，反映了市民阶层与士人阶层对吉庆、财富以及个人品德的集体期许。书中将比对不同时期铜镜的铸造工艺，分析从唐代的华丽繁复向宋代的简洁内敛过渡的过程。同时，对宋代银器的研究，将揭示其在商业和私人馈赠中的重要性，这些银器上的雕刻，多取材于民间故事和日常生活场景，构成了对士人阶层艺术趣味的一种补充和平衡。 第三章：文人士大夫的知识圈层与文本传播 宋代的知识传播方式极大地影响了社会风貌。本书探讨的知识，是那些在士人圈层内流动，但尚未被后世归类为“经典艺术”的文本和媒介。 3.1 刻本的革命：知识的“平民化”与士人的阅读趣味 活字印刷术的发展，使得书籍的流通量剧增。本书关注的是，在大量经史子集涌现的同时，哪些“小书”、笔记、以及地方志得以通过新的印刷技术快速传播，并进入士人的日常案头？我们分析了那些关于园艺、医药、博物学的刊本，它们体现了士人从纯粹的儒家经典转向对实用知识和自然世界的兴趣，这种兴趣反过来影响了他们对实用器物的审美取向。 3.2 诗词歌赋的“生活化”表达：与日常情境的挂钩 宋词的兴盛，往往与士人的宴饮、送别、羁旅等生活场景紧密相关。本书将选取那些描绘具体生活细节的诗词片段，分析它们如何构建了一种可供模仿和复现的情感模板。这些文字并非高高在上的文学典范，而是士人用来标记自己生活经验的“标签”。通过对这些文本的“情景还原”，我们可以更清晰地理解，艺术如何在日常生活的压力与期待中生成。 3.3 师承与圈子：非正式的审美教育网络 宋代的艺术品味，很大程度上依赖于非正式的师承关系和紧密的文人圈子。本书将考察名士间的书信往来，其中对器物、园林、古玩的品评记录。这些私人交流，往往比官方的艺术评论更能体现当时审美的真实流向。通过重建这些社交网络，我们可以看到，审美是如何通过口耳相传和私密分享，而非大型官方展览，完成其价值确立的。 总结： 《繁华落尽：宋代士人生活与艺术探微》试图描绘一幅立体的宋代图景。它关注的，是构成士人精神世界的那些“隐形”元素——他们手中的茶盏、他们脚下的庭院、他们阅读的笔记、以及他们对一件器物所付诸的“格物”精神。通过对这些日常物质和知识流通的细致考察，我们得以窥见，宋代士人的“雅”，是如何在一片烟火气中，淬炼成中华文明史上独一无二的审美高度。这是一部关于“生活如何成为艺术”的探究之作。

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拿起这本书的时候，我其实是抱着一种“打发时间”的心态，毕竟我对古代的“丝织品”研究兴趣不大，更偏爱那些更具动感的艺术形式。然而，出乎意料的是，我对其中关于明代宫廷刺绣与民间苏绣的对比章节产生了浓厚的兴趣。作者采用了一种近乎“法医鉴定”般的笔法，去解构两者的差异。在描述宫廷刺绣时，语言是极其克制和宏大的，充满了对皇家威仪的烘托，比如对龙袍上金线运用密度的精准计算，以及对“寸土寸金”的视觉呈现。转到民间苏绣，文字风格突然变得灵动起来，充满了烟火气和生活气息，像是在和一位手艺高超的邻家阿姨聊天，娓娓道来她如何用平针、套针和滚针来模仿西洋油画的光影效果。特别是关于“乱针绣”的部分，作者用散点透视的理论去解释这种技法如何打破了传统刺绣的平面感，赋予了织物三维的立体错觉，这完全颠覆了我对“针脚”的传统认知。读完这部分，我立刻去搜索了相关的实物图片，那种跨媒介的联想和冲击力，让阅读体验远超预期。

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我抱着极大的耐心，试图从头到尾梳理完这本书的脉络，但很快就发现，它更像是一部“主题松散的文集”的集合体，缺乏一个强有力的贯穿全书的叙事主线。开篇详述了古代织物的纤维来源和染色技术，内容扎实得令人佩服，俨然一本材料学专著。然而，紧接着，篇幅忽然转向了对清末民初留洋归国的女画家如何将“织锦设计”引入现代美术教育的个案研究，这部分的论述显得有些跳跃。更让我感到困惑的是，其中穿插了数个篇幅不长的章节，专门探讨了不同地域的“民间纹样”在祭祀和婚俗中的符号学意义，这些章节的语言风格和研究深度与前后内容格格不入，显得非常零碎。阅读这本书时，我总感觉自己像是在一个巨大的博物馆里漫无目的地游荡，虽然每一件展品都很精美，但讲解员（作者）在介绍完一件后，突然又把我拉到了另一个完全不相关的展厅，让我很难将零散的知识点串联成一个完整的知识体系。如果作者能在引言中更明确地界定其研究范围，或许阅读体验会流畅得多。

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这本书给我最大的启示，不在于它讲述了什么具体的技艺或历史事件，而在于它间接展示了“美”的脆弱性和传承的艰难。书中在后半部分，用近乎悲怆的笔调描述了抗战时期，一些珍贵的湘绣和蜀锦工坊是如何在战火中被迫关闭，许多世代相传的秘方和独门绝技，仅仅因为最后一位掌握者的离世，就彻底消逝在历史长河里，连图纸都没能留下。这种“断代”的记录，比任何技术细节的描述都更让人感到震撼和惋惜。作者引用了几段关于战乱中工匠们如何艰难地保护那些半成品绣品的日记片段，那些描述着泥泞、饥饿和对艺术近乎偏执的坚守，让原本高高在上的“艺术品”瞬间变得有血有肉。这让我深刻体会到，我们今天所能看到的每一件传世之作，背后都凝结着无数普通人对抗遗忘、对抗毁灭的微小而伟大的努力。这本书与其说是一部艺术史，不如说是一部关于“文化记忆如何试图对抗时间洪流”的深刻反思录。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的“灾难”，但奇怪的是，这“灾难”却与内容形成了某种奇特的共鸣。纸张的选择偏向于粗粝的哑光质感，颜色大多是带着灰调的米白，印刷的清晰度也时好时坏，某些高清的文物照片边缘模糊，仿佛被时间侵蚀了一般。我猜测这或许是出版方刻意为之，试图营造一种“古籍善本”的氛围，但对于追求现代审美和阅读舒适度的读者来说，绝对是一种折磨。尤其是当书中介绍到那些色彩斑斓、细节精微的清代广绣时，这种低分辨率的图片简直是种罪过——那些层层叠叠的凤凰羽毛和云水纹饰，本该是热烈奔放的视觉盛宴，结果在书中却显得黯淡无光，色彩的层次感几乎完全丢失。我不得不承认，这本书的学术价值也许很高，但从一个普通读者的角度来看，如果不能提供令人愉悦的视觉体验，那么其在市场上的竞争力是十分有限的，这更像是一本为专业研究人员准备的工具书，而非面向大众的艺术读物。

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这本厚重的《织绣书画》刚翻开，一股陈旧的墨香和丝绸的微光便扑面而来，让人不禁沉浸在那些被时间打磨的技艺之中。我原以为这是一本专注于传统工艺的图册，但很快发现，它更像是一部跨越了千年时光的“手艺人编年史”。书中对宋代缂丝的织造工艺描绘得极其细腻，从蚕茧的选择到染料的配比，再到那繁复到令人咋舌的“通经断纬”技术，每一个步骤都配有精细的拓印插图，仿佛能让人亲手触摸到那冰凉的丝线和坚实的织机。更令人惊艳的是，作者并没有止步于技术层面，而是深入挖掘了每一件代表性作品背后的社会背景和文人情怀。比如，对一幅描绘“秋林归雁”的宋锦的研究，不仅分析了其色彩的冷暖对比，还探讨了当时士大夫阶层对于隐逸生活的向往如何体现在这方寸之间的丝线上。阅读过程中，我时常需要停下来，对照着书中的细节图，想象着当年那些工匠们在微弱的灯光下，如何用一针一线去复刻自然、乃至超越自然。这本书的学术深度和艺术鉴赏价值是毋庸置疑的，它让我对“工艺”二字有了全新的敬畏。

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