具体描述
本教材针对传媒音乐专业教学的内容、体列、风格和教学实践的可行性等关键性问题,突出了传媒音乐教育的独特性,传媒音乐教育的目标性、理论教学的可操作性,音乐文化知识面的系统性。
本教材以教学改革的创新思维和新的图文组合信息,向读者传递西方音乐文化的综合观念。
本教材在西方音乐的阅读,可视、可听的基础上,将启发学生进行深入的,有意义的思考、把西方音乐文化知识转化为“传媒音乐人”实践的思想基础。
作者简介
曾遂今,曾任中国艺术研究院音乐研究所研究员,现任中国传媒大学影视艺术学院音乐系教授、系主任,音乐社会学与音乐传播学学科带头人,博士研究生导师。
目录信息
第1章 巨流源头略影——古代西方音乐
一、古希腊音乐
二、古希腊人的音乐观念
三、古希腊音阶
四、古希腊乐器
五、古希腊音乐的表现特点
六、古希腊音乐的今天
七、古代罗马音乐
第2章 磨难中的音乐岁月——中世纪西方音乐
一、中世纪初期的教会音乐——格里高里圣咏
二、格里高里圣咏在教会中的应用
三、格里高里圣咏的调式
四、格里高里圣咏的记谱方式
五、格里高里圣咏的美学价值与音乐历史价值
六、中世纪的世俗音乐
七、复调音乐与新艺术
八、中世纪的乐器
第3章 人性回归的年代——文艺复兴时期的西方音乐
一、文艺复兴时期新的音乐观念
二、尼德兰乐派
三、意大利牧歌
四、德国宗教改革与新教圣咏
五、器乐音乐
第4章 走进音乐创造的殿堂——巴洛克时期的西方音乐(一)
一、巴洛克时期的音乐特点
二、巴洛克时期欧洲音乐的发展
三、巴洛克时期的主要音乐家
第5章 解读受难曲中的人生——巴洛克时期的西方音乐(二)
一、约翰·塞巴斯蒂安·巴赫
二、乔治·弗里德里克·亨德尔
第6章 金翅雀唱醒了欧洲的黎明——巴洛克时期的西方音乐(三)
一、安东尼奥·维瓦尔迪
二、焦瓦尼·巴迪斯塔·吕利
三、亚历山德罗·斯卡拉蒂
四、多梅尼科·斯卡拉蒂
第7章 梦回德尔菲神庙——巴洛克时期的西方音乐(一)
一、古典主义
二、古典主义时期音乐的重要美学特征
三、古典主义时期三个重要的乐派
四、早期古典主义音乐风格与巴洛克风格的比较
五、古典主义时期的主要作曲家
第8章 追求欢乐与阳光的音乐之灵——海顿——古典时斯的西方音乐(二)
一、弗朗茨·约瑟夫·海顿的生平
……
第9章 上帝派到人间的音乐天使——莫扎特——古典时斯的西方音乐(三)
第10章 人类激情与力量的化身——贝多芬——古典时斯的西方音乐(四)
第11章 从个人的自信到个性的充分发展——浪漫主义时期的西方音乐
第12章 民族的骄傲与民族的尊严——19世纪浪漫主义运动中的民族乐派
参考文献
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
坦率地说,我从前对音乐史的理解,大多停留在“谁写了什么著名的曲子”的浅层认知上。是这本《西方音乐文化教程》,彻底重塑了我的认知框架。它教会了我如何去“听”音乐,如何通过声音的结构去解码背后的时代精神。书中关于“表现主义”的阐述,远超出了我以往对那种极端情感爆发的理解,它将其置于第一次世界大战前后社会焦虑的大背景下进行解读,使得那些不和谐音程和怪诞的旋律线,不再是简单的“难听”,而是那个时代集体创伤的真实声响。这种将艺术作品视为历史文本的解读方式,赋予了古典音乐新的生命力和现实意义。阅读过程中,我常常需要停下来,去回味某段文字的精妙之处,甚至会忍不住去寻找书中所提及的某个特定版本进行对比聆听,书籍的引导作用无可替代,它像一把精密的钥匙,开启了通往西方艺术殿堂的广阔大门。
这本《西方音乐文化教程》的装帧设计简直是一场视觉的盛宴,从封面那幅充满古典主义气息的油画选段,到内页的字体排版,无不透露出一种严谨而又充满艺术气息的格调。我拿到手的时候,首先就被那种厚重的纸张质感所吸引,仿佛捧着一本跨越了几个世纪的珍贵手稿。书中对巴洛克时期到浪漫主义初期各个重要作曲家生平轶事的描绘,叙述得细致入微,绝非那种冷冰冰的流水账式的介绍,而是充满了对他们创作心路历程的深刻洞察。比如,对莫扎特晚年心境的剖析,那种天才与困窘交织的复杂情感,作者的笔触细腻得让人仿佛能感受到旋律中蕴含的挣扎与升华。更让我惊喜的是,书中对音乐理论的讲解,居然能做到深入浅出,将复杂的对位法、和声进行,用非常生动的比喻和图示来呈现,即便是像我这样理论功底不算扎实的爱好者,也能迅速抓住要点,而不是在晦涩的术语中迷失方向。它不仅仅是一本教材,更像是一位循循善诱的音乐史学家,带着你穿越时空,亲临那些伟大的音乐现场。
阅读这本书的过程,对我而言,更像是一次深度的文化漫游,而不是简单的知识汲取。作者显然花费了极大的精力,将音乐的发展脉络与当时的社会思潮、哲学观念紧密地编织在一起。它没有止步于仅仅罗列作品和年代,而是深入探讨了启蒙运动如何影响了交响乐的结构,或者说,德国浪漫主义的哲学思辨是如何渗透进瓦格纳的歌剧母题之中的。我特别欣赏其中对于“风格”的界定,那种由表及里,从配器特点到情感表达的完整分析体系,让人豁然开朗。书中对于不同音乐学派的争论,比如新古典主义对浪漫主义的反动,处理得非常公允,没有明显的偏袒,而是将双方的论据和历史背景都摆在了台面上供读者自己判断。这种培养独立思考的能力,远比死记硬背几个时期的特征要宝贵得多。翻阅完关于印象派音乐的那一章,我再去听德彪西的作品时,耳朵里仿佛被打开了新的感官,那些模糊、流动的色彩感,终于找到了清晰的理论支撑。
说实话,我一开始对“教程”这类书籍抱有一定的警惕性,总担心内容会过于学术化、枯燥乏味,甚至充斥着不必要的术语堆砌。但《西方音乐文化教程》完全颠覆了我的预想。它的叙事节奏把握得极佳,张弛有度。在讲解严肃的音乐史节点时,它会用大段的篇幅进行严谨的论证,而在过渡到介绍某个作曲家的“幕后故事”时,笔锋一转,变得如同小说般引人入胜。我尤其喜欢其中对于“音乐会文化”演变的部分,从宫廷沙龙到大众剧院,这种社会学视角的切入,极大地丰富了我们对音乐消费场景的理解。书中的插图选择也极其考究,无论是乐谱的原始手稿片段,还是罕见的演出剧照,都经过了精心筛选,与文字内容形成了完美的互文关系,让抽象的音乐概念具象化。每一次翻阅,都像是在进行一场有组织、有深度的“寻宝游戏”,总能发现一些以前未曾注意到的细节和关联。
这本书的结构安排,体现了极高的编纂智慧。它并非简单地按照时间线索推进,而是在关键的历史节点设置了“文化交汇点”的专题讨论。例如,它专门辟出一个章节,聚焦于“歌剧作为民族身份构建的工具”,深入比较了意大利、德国和法国歌剧在民族主义浪潮中的不同表现形式,这种横向的对比分析,极大地提升了对音乐史整体图景的把握能力。对于我们这些希望系统学习的读者来说,最怕的就是知识点之间的脱节,而本书通过清晰的章节小结和完善的术语索引,有效地弥合了这种潜在的断裂感。即便只是偶尔翻阅某个章节,也能迅速进入状态,不会因为前文缺失而感到茫然。此外,书后附带的推荐阅读和相关艺术资源列表,更是诚意满满,为希望进一步钻研特定领域的读者铺设好了进阶的阶梯。