梨园公会 闹严府 中国评剧荟萃(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国文联音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:11.0

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isbn号码:9787880772777

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《梨园风华：晋冀鲁豫评剧名家经典选段集萃》 导言： 评剧，作为中国北方最具代表性的地方戏曲剧种之一，以其贴近生活的题材、细腻动人的唱腔和质朴鲜活的表演，深深植根于广袤的黄河文化土壤之中。本片集汇集了上世纪中后期至新世纪之交，晋、冀、鲁、豫四省份评剧舞台上涌现出的泰斗级艺术家们的珍贵录像与唱段。它不仅仅是一份艺术资料的存档，更是对一个时代审美情趣、民间叙事传统以及戏曲艺术生命力的深度致敬。 本套VCD精选的剧目，涵盖了评剧的传统经典、新编历史剧以及反映时代风貌的现实主义力作。每出戏目都代表了当时评剧流派的最高水准，集中展现了评剧“花腔高亢，道白清晰”的艺术特色，以及其在不同地域流派间相互借鉴、共同发展的繁荣景象。 --- 第一辑：冀派宗师——“冀中声腔”的磅礴气象 河北地区，作为评剧的发源地之一，其流派艺术风格最为醇厚，尤以叙事性强、腔调大气著称。本辑聚焦于几位奠定了评剧艺术基石的冀派名家。 一、 艺术大家王宝珠先生的《花为媒》精粹赏析： 王宝珠先生的演绎，素以“珠韵”著称，其嗓音清亮圆润，行腔讲究气口与韵味。本次选段选取了《花为媒》中“月圆花好”一折，细腻地刻画了媒人“媒婆”这一角色的复杂心绪。重点展现了王派特有的“板式多变，过渡自然”的演唱特点。尤其是在高腔的把握上，不追求一味的炫技，而是以情带声，使唱腔充满叙事感和代入感，体现了评剧对民间语言韵律的完美吸纳。我们能清晰地辨识出其对传统“乱弹”和“对唱”的继承与革新，为后世学习者树立了典范。 二、 剧目《杨三姐告状》——河北评剧的社会担当： 本剧是评剧历史剧目中批判现实主义的代表作。选段集中展示了女主角杨三姐在遭受不公待遇后的激愤与坚持。此处的演唱难度极高，要求演员在低回婉转的叙述腔中，瞬间爆发磅礴的义愤。本录像清晰记录了当时舞台布景的朴素与演员表演的细腻对比，展现了评剧如何通过舞台艺术反映社会矛盾，直抵人心。 --- 第二辑：鲁韵流芳——“板腔体”的精湛锤炼 山东评剧，在吸收鲁剧、柳琴戏等本地剧种营养后，形成了其独特的“硬朗、饱满、注重韵白”的风格。 一、 鲁剧名家李秀兰与“水袖功”的完美结合： 本辑收录了李秀兰先生在《秦香莲》中的经典唱段。李派艺术的特点在于其对“平板”的运用登峰造极。她演唱的唱腔并非单纯的旋律重复，而是通过对节奏的微妙拉伸与收紧，营造出强烈的戏剧张力。特别值得注意的是，本录像捕捉了李先生在演唱过程中，水袖与唱腔节奏的完美同步，展现了评剧表演中“手、眼、身、法、步”的整体性，体现了山东艺术家对舞台规范的极度尊重。 二、 传统垫白与道白艺术的深度探索： 鲁派评剧对“道白”（说白）的重视程度极高。我们精选了几段对白集中的场景，如《回窑》中的内心独白。这些道白并非简单的对白，而是融合了音乐节奏的“韵白”，语气、停顿、吐字清晰度，无一不体现出对普通话（或近似官话）的准确把握，使得外地观众也能轻松领会剧情，这是鲁派艺术普及性的重要原因。 --- 第三辑：晋豫交融——“腔调”的创新与地域特色 山西与河南地接，评剧在此两地的发展呈现出相互渗透、各具特色的面貌。 一、 山西评剧的“粗犷”与“韧性”： 山西地处山区，其评剧腔调往往带有一丝陕北民歌的粗犷气息，更注重腔体的延展性。本辑选取了改编自山西民间传说的剧目片段，展示了演员如何将当地的粗犷节奏融入评剧的婉转之中，形成一种“硬中带柔”的艺术张力。演唱者的高音处理常常采取“一泻千里”的方式，极具感染力。 二、 河南评剧对“豫剧”元素的吸收： 河南是豫剧的中心地带，当地评剧在吸收外来艺术时，不可避免地带入了豫剧“花腔繁复、情绪饱满”的特点。本选段的演唱者在处理悲剧高潮部分时，明显可见对豫剧“哭腔”技巧的借鉴，但这并非简单的模仿，而是在评剧的板式框架内，注入了更强烈、更直白的个人情感表达，形成了独树一帜的“中原韵味”。 --- 总评与价值： 本套VCD汇集了中国评剧艺术发展史上几个关键时期的“活态样本”。它清晰地勾勒出评剧艺术在不同地域的传承谱系、艺术取向以及技术流派的差异性。对于戏曲研究者而言，这些录像资料是分析不同时期舞台美学变迁的宝贵依据；对于普通戏迷而言，这是近距离欣赏一代宗师风采，领略北方传统戏曲魅力的绝佳机会。所展示的精湛技艺与深厚情感，共同构筑了评剧艺术生生不息的生命力。

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这本书的封面设计得极为吸引人，那种带着年代感的油墨质感和鲜明的色彩搭配，瞬间把我拉回了那个梨园风华正茂的年代。光是看到“梨园公会”这几个字，我就能想象出当年戏班子成员齐聚一堂，为了台上的一出好戏而激烈讨论、精益求精的场景。我总觉得，真正的艺术都是在那种热火朝天的氛围中打磨出来的。这本书的排版非常考究，字里行间透露着一种对传统文化的敬畏与热爱，尤其是那些老照片的扫描件，虽然略显模糊，却有着穿越时空的力量，让人不禁想要去探寻照片背后那些鲜活的生命和他们为之奋斗的舞台梦。我尤其欣赏作者在介绍那些失传已久的名词术语时所下的功夫，没有那种生硬的解释，而是巧妙地融入到对人物命运和行当规矩的叙述中，读起来丝毫没有枯燥感，反而像是在听一位老先生在茶馆里娓娓道来，引人入胜。这本书不仅仅是文字的堆砌，更像是一份沉甸甸的文化遗产的保护档案，让我对中国戏曲的博大精深有了更深一层的认识和敬意。

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这本书给我最大的震撼在于它对“人”的关注，而非仅仅是“戏”的记录。作者似乎有着一种魔力，能让那些早已隐入历史尘烟的伶人们，重新鲜活起来，拥有了复杂的性格和真实的情感纠葛。我仿佛能看到那位在台上唱腔惊艳四座的角儿，私下里却要忍受怎样的孤独和煎熬；也能理解，在那个特殊的年代背景下，戏班子的内部矛盾是如何因艺术理念的分歧而升级的。书中对几位核心人物的生平履历，挖掘得非常细致，甚至连一些家族恩怨和师徒传承中的微妙裂痕都被揭示出来，这使得整个故事链条无比扎实可信。它提供了一种宏大叙事之外的、基于个体经验的微观视角，让我看到了戏曲艺术在具体的人身上是如何被塑造、被传承，又如何在时代洪流中被考验的。这种对人性深处的挖掘，让“评剧”这个概念不再是抽象的艺术符号，而是一群有血有肉的人们共同的奋斗史。

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这本书的叙事节奏处理得堪称一绝，它没有急于抛出高潮，而是像一位技艺娴熟的乐师，先用舒缓的序曲铺垫情绪。我发现作者非常擅长通过细腻的场景描绘来烘托人物的内心世界。比如描写某位前辈为了钻研一个手势的微妙变化，如何在昏暗的灯光下对着镜子反复练习数夜，那种近乎偏执的匠人精神，读来让人热血沸腾，同时也感到一丝心酸——要知道，那样的付出在今天看来是多么难能可贵。这本书的语言风格颇具张力，时而如行云流水般优美，充满了古典韵味，时而又陡然变得铿锵有力，如同锣鼓点急促敲响，让人精神为之一振。特别是关于“会规”的探讨部分，作者没有简单地罗列条文，而是结合具体的冲突事件，展示了这些规矩是如何在人情世故与艺术标准之间寻找平衡的，那种复杂性让人拍案叫绝。这套书无疑是为那些真正热爱并愿意深挖戏曲内核的同好准备的，它拒绝肤浅的赞美，直指核心的技艺传承。

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从一个纯粹文学欣赏的角度来看，这本书的章节安排和过渡衔接处理得非常巧妙，显示出作者高超的结构把控能力。它不是简单的流水账式编年史，而是采用了一种主题式推进的结构，每一辑都聚焦于梨园文化的一个侧面，比如“舞台的规矩”、“行头的传承”、“票友的力量”等等。这种结构安排使得即便是初次接触评剧文化的读者，也能很容易地抓住重点，逐步建立起对整体文化的认知体系。更令人称赞的是，作者的文笔在严肃的历史考据和轻松的轶闻趣事之间找到了一个绝佳的平衡点，严肃之处论证充分，让人信服；而叙述到那些舞台下的趣闻乐事时，又充满了幽默感和生活气息，读起来让人会心一笑。全书读完后，留下的不仅仅是知识的增量，更是一种对那种集体创造精神的深深共鸣。这本书无疑是研究中国地方戏曲发展史不可多得的珍贵文献。

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我必须得提一下这本书的装帧设计，简直可以用“匠心独运”来形容。拿到实体书的时候，那种厚重感和纸张特有的微涩触感，立刻赋予了阅读一种仪式感。内页的插图和版画部分，色彩的晕染过渡得非常自然，特别是那些描绘舞台布景和戏服细节的图样，简直可以作为研究美术史的参考资料了。清晰度极高，能看到每一根丝线的走向和每一颗珠子的光泽，看得出来校对和印刷环节投入了巨大的心血。而且，书中对于不同流派的唱腔特点，虽然是文字描述，但作者选择的词汇非常形象化，比如形容某派唱腔“如高山流水，一气呵成”，又形容另一派“似金石相击，刚劲中寓婉转”，这极大地帮助了没有听过原声的读者在脑海中构建出声场的画面感。这本书绝非快餐读物，它需要读者静下心来，慢慢品味，甚至需要对照着戏曲史的脉络去理解，但一旦沉浸进去，那种精神上的满足感是无与伦比的。

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