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出版者:天津人民美术出版社

作者:章用秀

出品人:

页数:154

译者:

出版时间:2005-6

价格:20.00元

装帧:平装

isbn号码:9787530529096

丛书系列:

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《古籍修复技艺探微》 内容简介： 本书聚焦于中国古代典籍的抢救、保护与修复技术，是一部集理论研究与实践指导于一体的专业著作。在信息爆炸的时代，古籍作为承载中华文明薪火相传的物质载体，其脆弱性日益凸显。本书旨在系统梳理和深入剖析古籍修复领域的核心知识与精湛技艺，为文物保护工作者、古籍修复师、历史文献研究者以及对传统工艺有浓厚兴趣的读者提供一份详实而权威的参考。 全书结构严谨，内容涵盖了从古籍的材质特性到现代修复理念的演变，再到具体操作流程的每一个细节。 第一部分：古籍材质的科学认知与病害诊断 本部分首先奠定了修复工作的基础——对“物”的深刻理解。我们将详细解析古代书籍制作所使用的核心材料，包括不同时代纸张（如麻纸、皮纸、竹纸、宣纸等）的纤维结构、化学成分及其对酸碱度的敏感性。对绢帛、皮革装帧材料的特性亦有深入探讨。 随后，重点转向对古籍常见病害的精确诊断。这不仅包括物理损伤，如虫蛀、水渍、火烧痕迹，更深入到化学和生物学层面的病变，如纸张“酥脆化”（酸解）、霉菌滋生、墨色洇散、箔金脱落等。书中配有大量高清显微照片和病理分析图谱，帮助读者建立起直观而科学的病害识别体系。我们将阐述如何运用非侵入性检测技术（如紫外光、红外反射技术）辅助判断损伤程度与材料构成。 第二部分：修复理念的传承与创新 修复的意义远超简单的“修补”。本章探讨了中国传统修复美学与现代文物保护伦理的融合。我们追溯了历史上“锓补”、“缀页”、“覆褙”等传统技法的哲学基础，强调“最小干预”和“可逆性”的现代修复原则。 特别关注了“抢救性修复”与“研究性修复”的区别与联系。书中收录了多例不同历史时期、不同修复流派的代表案例，分析其成功经验与潜在风险，引导读者树立正确的修复观——即修复工作是对历史的尊重和对未来负责任的保存行为。 第三部分：核心修复技艺的精细化操作指南 这是全书的核心技术篇章，以步骤分解的方式，详细演示了各项核心修复技能的操作流程。 1. 除尘与清洁技术： 探讨了针对不同污渍（油污、蜡渍、墨渍）的专业去污方案，包括使用不同溶剂的配比、微型吸尘技术以及针对性湿洗的技巧，强调对原版墨色不产生负面影响的关键控制点。 2. 分层与揭裱： 深入解析如何安全地分离受损纸张的复合层面，如处理褙纸、衬纸与书页本体。重点讲解了手工抄造“修补纸”（或称“补笺”）的工艺，包括浆糊的熬制（米浆、麦糊、淀粉浆的调配比例与温度控制）以及手工抄纸的厚薄均匀度控制，以确保补纸与原纸在物理性能上尽可能一致。 3. 粘接与熨平： 详解传统“砑光”技术的原理与现代辅助工具的应用。讨论了不同粘合剂（如动物胶、树脂胶）在不同修复场景下的适用性，以及在粘接后如何通过精确控制的压力和湿度，实现平整、隐形且牢固的粘合效果。 4. 装帧修复： 涵盖了从线装书的“穿线引绳”到册页书“包背装”的复原技术。对于封面材质（如绫罗、皮面）的清洁、加固与重制，也提供了详尽的图解说明。 第四部分：古籍修复的实验室建设与质量控制 本章面向机构和专业团队，探讨了建立现代化古籍修复工作环境的要求。包括恒温恒湿库房的参数设定、无酸环境的维护、以及修复工具的定制化需求。同时，本书建立了系统的“修复质量评估标准”，从物理强度、外观一致性、可逆性评估等多个维度，对修复成果进行科学量化评价，确保修复工作达到国际公认的文物保护水准。 结语： 《古籍修复技艺探微》不仅是一部技术手册，更是一部关于“慢工出细活”精神的传承录。它旨在以严谨的科学态度和对传统技艺的敬畏之心，为古籍文献的永续保存提供坚实的技术支撑和理论指导。通过阅读本书，读者将能领略到修复师们在指尖上进行的，与时间赛跑的文化守护之战。

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我一直对古代文人的生活状态充满了好奇，尤其是他们是如何将日常生活中的哲思融入到艺术创作中的。《山水之间：士人精神的图像表达》这本书，成功地架起了一座连接古代生活美学与当代审美的桥梁。它探讨的重点并非纯粹的技法，而是艺术背后的“道”。书中详细描述了明清时期，士大夫阶层对于“雅集”的推崇，以及“曲水流觞”等活动如何影响了他们对意境的追求。例如，书中用很大篇幅分析了董其昌“以书入画”的理论，不仅仅是技法上的融合，更是将书法中对气力和结构感的理解，迁移到了山水布局上，这是一种更高层次的文人精神的体现。更让我耳目一新的是，它还穿插了大量的古代诗词片段，这些诗句并非生硬地堆砌，而是精准地对应了画面中特定的景物或情绪，让读者在阅读时，仿佛能闻到松烟的味道，听到竹林的飒飒声。这本书的文字极富文学性，读起来完全没有阅读压力，反而像是在听一位饱学之士，在壁炉边娓娓道来那些关于美、关于时间的古老故事，让人在享受艺术熏陶的同时，也对中国传统文化中的隐逸思想有了更深层次的共鸣。

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我曾经在博物馆面对一幅巨幅山水画时感到不知所措，总觉得视野被画面塞得太满，抓不住重点。《空间叙事：中国画中的视觉构建》这本书简直是打开了我对“留白”和“散点透视”理解的一扇新窗户。这本书的切入角度非常现代，它像是在解构一盘精妙的棋局。它用清晰的图示，解释了中国画是如何打破西方焦点透视的限制，采用“散点透视”来引导观者的视线在画作中游走，从而达到一种“可游可居”的空间体验。最让我醍醐灌顶的是对“计白当黑”的阐述。以往我总以为留白是“没有画”的地方，但读完这本书我才明白，那片“白”实际上是画家精心计算后的“虚空”，它不仅是云雾、江海，更是留给观者想象力和精神漫游的场所。作者甚至对比了不同地域画家处理空间的方式，例如南宗的松动与北宗的严谨，这种地域性的分析，让原本抽象的构图理论变得立体而鲜活。读完此书，我再去欣赏那些宏大的山水画时，不再感到压迫，而是体会到一种在无限空间中自由徜徉的愉悦。

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这本《墨韵丹青漫谈》简直是为初入中国书画艺术之门的朋友们量身定做的一部引路明灯！我以前总觉得那些古代画作和书法作品高深莫测，光是看那些错综复杂的笔触和看似随意的留白，就让人望而却步。然而，这本书却用一种极其平易近人的方式，把原本枯燥的艺术史知识和技巧拆解得清清楚楚。比如，它不是简单地罗列“文人画”的几个流派，而是深入剖析了不同历史时期知识分子在创作心态上的微妙变化，比如宋代的院体画如何强调“格物致知”的写实精神，到了元代，又如何转变为强调“胸中丘壑”，寄托对时局的感怀。作者对“气韵生动”的阐释尤其精彩，跳脱出了一般教科书那种空泛的描述，而是结合具体的作品案例，比如徐悲鸿的奔马和齐白石的虾，来具体说明“气”是如何通过墨色的浓淡干湿、线条的提按顿挫体现出来的。读完第一部分，我立刻有了一种想拿起毛笔临摹的冲动，因为我终于明白了，那些看似简单的几笔，背后蕴含的是画家对自然万物的深刻理解和数十年如一日的功力积累。这本书的配图质量也极高，高清的细节图让观者能清晰地分辨出不同笔法的细微差别，这是其他同类书籍常常缺失的。

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这本书的独到之处在于，它将书法的学习从单纯的“写字”提升到了“修身养性”的哲学高度。《翰墨修心录》这本书没有提供任何标准的字帖，却比任何字帖都更引人入胜。它关注的重点是“笔墨的内涵”。作者认为，一个人的性情、修养、乃至当下的心境，都会毫无保留地投射到他运笔的力度和墨色的变化之中。书中大量引用了古代名家关于“心手相应”的论述，强调了书写过程中的“定力”与“从容”。例如，在谈到行书时，它没有纠结于某个笔画的弯曲角度，而是分析了写“行”时，笔锋在纸面上快速行进时，如何在动中求稳，这恰恰对应了人生在忙碌中保持专注的智慧。此外，书中对“笔法”的阐述也极具启发性，它把提、按、顿、挫比喻成语言的抑扬顿挫，让读者领悟到，即便是最简单的“横竖撇捺”，也蕴含着节奏感和韵律美。这本书的风格非常沉静，读起来节奏缓慢而悠远，非常适合在安静的午后，泡一壶茶，细细品味，它带给我的不仅仅是艺术知识，更像是一场心灵的梳洗和对自我状态的反思。

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坦白说，市面上关于鉴赏类的书籍往往犯同一个错误：要么过于学院派，充斥着难懂的术语，要么就是流于表面，只会告诉你“真迹”和“仿作”的区别在哪几个细微的墨点上。而《古今翰墨鉴赏指南》这本书则找到了一个绝佳的平衡点。它最出彩的地方在于，它系统地建立了一套鉴赏的逻辑框架。作者没有急于给出结论，而是引导读者自己去思考：“为什么这件作品在历史的洪流中得以流传？”书中详细比较了不同历史时期印章制作工艺的变化，从宋代的朱文细刻到明清的粗犷入石，这些细节不再是孤立的知识点，而是成为了理解作品时代背景的关键线索。此外，它对“题跋”的研究令人印象深刻。作者指出，题跋不仅是后人的赞美或考证，有时更是作品流转过程中历史的侧影，通过分析不同人题跋的笔迹风格和用词，我们能拼凑出艺术品在不同藏家手中经历的沧桑。这本书的价值在于，它教会了我如何像一个有故事的收藏家那样去“阅读”一件艺术品，而不是仅仅把它当作一幅美丽的图画。

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