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出版者:新时代出版社

作者:刘新太

出品人:

页数:58

译者:

出版时间:2005-7

价格:17.00元

装帧:平装

isbn号码:9787504209108

丛书系列:

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璀璨的文明之光：中国古代艺术与哲学思想探微 一、引言：穿越时空的文化对话 本书旨在带领读者深入探索中国古代艺术与哲学思想的深邃世界，解析它们如何交织共生，共同构建了中华文明独特的精神图景。我们将超越表层的审美体验，触及那些驱动古代艺术家与思想家创作与思辨的核心动力——那些关于宇宙、人性、社会秩序以及终极价值的追问与构建。这不是一部简单的艺术史或哲学史的罗列，而是一次沉浸式的文化对话，试图理解古人如何通过笔墨、雕塑、建筑乃至思维方式，来表达他们对“道”的认知，对“美”的追求，以及对“善”的实践。 二、艺术的哲学基石：天人合一与意境的构建 中国古代艺术，无论是恢弘的宫殿、精妙的园林，还是简远的写意山水，都深深植根于“天人合一”的哲学观。我们将首先剖析这一思想如何塑造了中国艺术的审美范式。 1. 山水画中的宇宙秩序： 山水画并非对自然景观的简单摹写，而是“卧游”精神的体现。本章将详述宋代郭熙提出的“可行、可望、可游、可居”的审美境界，并深入分析“气韵生动”这一核心标准背后的形而上学基础。我们探讨画家如何通过对点、线、墨色的处理，将主观的情感融入客观的物象之中，实现“我中有物，物中有我”的境界。特别会关注董源、巨然的“披麻皴”与范宽的“雨点皴”，分析不同笔墨技法如何对应着画家对山川厚重感或灵动性的不同哲学理解。 2. 建筑中的礼制与和谐： 古代的都城规划、宫殿形制，无不体现着儒家的“礼治”思想和阴阳五行学说。我们将考察从《周礼·考工记》到明清紫禁城设计中的严谨秩序。例如，中轴线的设定不仅仅是空间布局的需要，更是“君权神授”、“天地之中”的宇宙观的物化表达。园林艺术的“曲径通幽”与文人画的“留白”艺术在精神层面具有异曲同工之妙，它们共同追求一种在有限空间内实现无限精神自由的平衡状态。 三、思想的艺术化表达：儒释道对审美取向的塑造 儒家、道家和佛教思想的相互渗透与冲突，构成了古代知识分子精神世界的主要张力，这种张力直接反映在了艺术风格的演变中。 1. 儒家精神的规范与典雅： 儒家对“中庸”、“法度”的推崇，深刻影响了书法和青铜器的铸造艺术。本部分将集中探讨魏晋到唐代书法“尚法”的演变。颜真卿楷书的雄浑与法度，正是儒家“忠君爱国”、“气节”精神的外化。对比之下，我们会分析早期青铜礼器上纹饰的规整与神秘感，它们是早期社会等级秩序与政治伦理的视觉符号。 2. 道家哲学的自由与超脱： 道家思想，尤其是庄子的“齐物论”和“逍遥游”，为艺术提供了逃离尘嚣的精神出口。魏晋名士的“竹林七贤”及其对饮酒、抚琴的推崇，体现了对个体生命本真的回归。在艺术上，这表现为对写意精神的解放——如竹子的“不可无心，不可有心”，即要求艺术家达到物我两忘的境界。水墨画中对枯、湿、浓、淡的精妙运用，正是对自然“无为”状态的模拟。 3. 佛教思想的空寂与慈悲： 佛教传入后，其对“缘起性空”的理解，为艺术注入了新的维度。石窟造像艺术是这一影响的集中体现。我们将分析敦煌、云冈、龙门石窟中佛像面容的演变——从早期犍陀罗风格的写实，到盛唐时期丰满圆润、充满世俗慈悲感的面相，这种转变反映了佛教中国化过程中，对“度化众生”这一实践目标的重视。同时，佛教的因果报应观也影响了民间故事画和佛教版画的叙事结构。 四、细节中的哲学密码：器物与符号的解读 艺术品往往是特定时代哲学思想的“密码本”。本章将聚焦于几个关键的器物和艺术母题，进行符号学层面的深入解读。 1. 诗文入画与“三绝”传统： 中国艺术独有的“诗、书、画”相结合的传统，是其区别于西方艺术的重要标志。诗歌为画面注入了明确的文学典故和哲学意涵，书法则以其独特的动态美和结构感，提升了画面的精神密度。我们将考察苏轼提出的“论画以诗”，并分析米芾等文人如何通过在画上题跋，完成对作品的二次阐释与哲学升华。 2. 陶瓷上的纹饰语言： 从新石器时代的几何纹饰，到商周的饕餮纹，再到宋代瓷器上的写实花鸟，陶瓷纹饰的演变是社会审美与哲学信仰变迁的缩影。饕餮纹的威严与神秘，反映了早期权力与神灵沟通的需求；宋代定窑、汝窑的素雅与含蓄，则与理学思潮下对内省、简朴的追求相契合。 3. 戏曲中的道德剧场： 中国戏曲，尤其是京剧等传统剧种，是综合性的表演艺术。其行当的划分、脸谱的色彩、身段的规范，无不内含着深厚的伦理和哲学符号。红脸代表忠勇，白脸代表奸诈，这是儒家社会对道德行为模式的极致简化和视觉化呈现，构成了古代民众对“善恶有报”观念的直观认知。 五、结语：当代视野下的古老回响 古代艺术与哲学并非尘封的古董，它们依然以潜移默化的方式影响着当代中国人的审美取向和价值判断。通过对历史脉络的梳理与深层逻辑的挖掘，本书旨在启发读者以更具批判性和穿透力的眼光，重新审视这些跨越千年的文化遗产，理解它们作为中华民族精神内核的持久生命力。我们的探索，是通往理解“何为中国之道”的一条幽径。

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这本教材的装帧设计着实让人眼前一亮，封面选用了沉稳的墨绿色调，配以烫金的字体，显得既古典又现代。我翻开书页，首先感受到的是纸张的质地，它足够厚实，表面处理得光滑细腻，即使用普通的黑色签字笔书写，也不会出现洇墨现象，这对练习硬笔书法来说至关重要。排版布局清晰明了，每一页都有足够的留白，让学习者在临摹时感觉非常舒适，不会产生视觉上的拥挤感。教程的结构安排也非常科学，从最基础的笔画结构讲解开始，逐步过渡到偏旁部首的组合，再到完整汉字的间架结构分析，逻辑性极强。尤其让我印象深刻的是，书中穿插了大量不同朝代书法大家的范例对比，这对于理解汉字的点画提按和气息连贯性非常有帮助，远超一般市面上那种机械式地只教你“怎么写”的书籍，它更注重“为什么这样写”的文化内涵。

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对于一个零基础的初学者来说，这本书简直是一本“防笨指南”。我妻子原本对手写字非常不自信，觉得自己的字像“鸡爪印”，但自从按照这本书的引导开始练习后，她的进步速度令人咋舌。书中的字体选择非常友好，兼顾了颜体的端庄和欧体的险峻，选择了最适于硬笔展现的稳健风格。讲解语言极其平实易懂，没有使用太多晦涩难懂的书法术语，即使是初学者也能立刻领会其中的精髓。比如在讲解横画收笔时，它用了“提笔要像小鸟收翅”这样的比喻，生动形象，让人记忆深刻。此外，教程后半部分附带的速查卡片非常实用，可以随时抽出来对照练习，极大地增强了碎片时间的学习效率，让日常的等待时间都变成了宝贵的练字时光。

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我是一名多年学习书法的爱好者，一直苦于找不到一套能系统讲解汉字“形体美学”的硬笔教材，市面上很多作品要么过于强调技巧而忽视了艺术性，要么就是内容过于陈旧。然而，这本书的出现简直是为我量身定做的一剂良药。它没有停留在传统的楷书范式上打转，而是引入了现代设计学的视角来审视汉字的结构美感，比如如何通过调整重心、平衡疏密来优化单个字的视觉效果。书中对“黄金分割”在汉字布局中的应用有非常独到的见解，即便是练习最基础的“田”字格，作者也给出了精妙的指导，让人豁然开朗。更难能可贵的是，它提供了一套完整的问题排查手册，当你发现自己的字写得“歪扭”或“松散”时，可以对照书中的图示快速定位问题所在，并提供针对性的矫正练习，这种实践指导性是我之前接触到的任何教材都无法比拟的。

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这本书的深度和广度都令人敬佩，它不仅仅是一本技法书，更像是一部微型的汉字文化史鉴赏录。作者似乎倾注了大量精力去挖掘每一个常用偏旁部首的历史演变和其在不同字体中的气质差异。我特别喜欢其中关于“合体字”的章节，作者详细剖析了笔画之间的呼应关系，特别是如何处理“左窄右宽”、“上紧下松”等经典结构矛盾，提供了一套行之有效的化解之道。这种由表及里的讲解方式，彻底打破了我过去死记硬背笔画位置的习惯，让我开始理解汉字书写的内在逻辑和韵律感。阅读这本书的过程，与其说是学习写字，不如说是一次对中华文字造字智慧的深度探索，每一次翻阅都能发现新的细节和启发。

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从教学法的角度来看，这套教程的编排设计体现了极高的专业水准。它没有采用传统的“一笔一画”的枯燥重复练习模式，而是巧妙地将练习内容融入到具有实际意义的词组和对联中，这极大地提高了学习者的内在驱动力。每组练习的难度梯度设置得非常科学，确保学习者总是在一个“刚刚好能接受挑战”的状态下进行训练，有效避免了因难度过高而产生的挫败感。此外，书中对书写工具的选择和保养也有独到的建议，这在很多书法教材中是很少被提及的细节，体现了作者对硬笔书法的全面理解和对学习者体验的关怀。总而言之，这是一部集理论深度、实践指导性和人文关怀于一体的硬笔书法范本，值得所有对汉字书写有要求的人珍藏。

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