舞蹈 雅士利杯第四届全国少儿艺术电视大赛 单碟装(VCD)

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出版时间:1900-01-01
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isbn号码:9787799808376
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具体描述

《中华戏曲鉴赏与研究》 内容简介 本书旨在为广大戏曲爱好者、戏曲专业学生以及对中国传统文化感兴趣的读者,提供一套系统、深入且兼具学术性与可读性的戏曲鉴赏与研究指南。本书并非仅仅停留在简单的剧目介绍层面,而是力求构建一个多维度、全方位的戏曲知识体系,深入剖析中国戏曲艺术的形成、发展、流派特色、表演精髓及当代传承等核心议题。 全书共分为六大部分,近五十万字,配有大量珍贵的历史图片、舞台剧照以及专业乐谱示例,力求图文并茂,使复杂理论变得直观易懂。 第一部分:戏曲的源流与基础构建 (溯源与形态) 本部分着重追溯中国戏曲的漫长历史脉络,从先秦的角抵、汉代的百戏、唐代的参军戏、宋代的杂剧和南戏,直至元代达到成熟的元杂剧。重点阐述了戏曲如何吸收了民间说唱、诗歌、舞蹈、武术等多种艺术形式,逐步演化出以“唱、念、做、打”为核心的基本要素。 早期形态的辨析: 详细探讨了唐宋“院本”与“杂剧”的早期区别与融合过程,特别是宋元南戏(温州南戏)作为现存最古老剧种的地位及其对后世的影响。 “四功五法”的理论基石: 深入解析“唱”(声腔艺术)、“念”(韵白与道白)、“做”(身段与表演技巧)和“打”(武功与戏曲体操)这四大基本功的艺术特征、训练方法及其在不同剧种间的差异化体现。 舞台的程式化: 系统介绍了戏曲舞台的写意性和虚拟性,如“马鞭”代表骑马、“圆场”代表行走等经典程式的文化内涵和使用规则。 第二部分:中国主要剧种的地理分布与艺术特征 (百花齐放) 本部分是本书的核心内容之一,涵盖了中国最具代表性的十大主流剧种,并辅以对新兴及地方特色剧种的介绍。每一种剧种的介绍都遵循统一的结构:起源地、腔调体系、伴奏乐器、代表剧目、行当划分及表演风格。 京剧(国剧的典范): 详述京剧如何融合徽班、汉调,确立“生旦净丑”四大行当的规范,以及其板式(如二六、西皮、二黄)的复杂结构和板式在叙事中的功能。重点分析了程砚秋、梅兰芳、尚小云、荀慧生的“四大名旦”在美学上的突破。 昆曲(雅部正宗): 强调昆曲“水磨腔”的婉转细腻,探讨其如何成为明清时期文人阶层的审美趣味代表,以及“散曲”与“曲牌”在音乐结构中的核心地位。 地方剧种的地域性: 对川剧的“变脸”、“吐火”绝技,粤剧的“南音”基础,越剧的“板腔体”改革,以及秦腔的“板式自由”等地方特色进行了详尽的对比分析,突显戏曲艺术在广阔地域上的生命力。 第三部分:戏曲的声腔艺术与音乐体系 (听觉的盛宴) 戏曲的音乐是其区别于话剧等其他舞台艺术的关键。本部分专注于解析戏曲的音乐本体。 板式与节奏: 详细解析“慢板”、“中板”、“快板”等不同板式如何服务于人物情绪的递进,以及“过门”、“锣鼓点”在烘托气氛和推动情节中的作用。 伴奏乐队的构成: 区分“文场”(胡琴、笛子等旋律乐器)与“武场”(大锣、小锣、铙钹等打击乐器)的职能,特别是对京剧“堂子”与地方乐队的编制差异进行分析。 “腔”与“词”的融合: 探讨曲牌体、板腔体在旋律设计上如何处理韵脚、平仄与情节的对应关系,使音乐成为语言的升华。 第四部分:戏曲的表演艺术与审美范式 (身段与神韵) 本部分深入探讨戏曲演员如何通过高度提炼的身体语言来塑造角色,以及这种表演体系背后的哲学意蕴。 行当的内涵: 剖析不同行当(如老生、花旦、武净)的扮相、走台步、眼神(“点睛”)所代表的社会身份和性格侧面。 “虚实相生”的哲学: 阐释戏曲表演中“写意”美学观,例如如何用一个手势表达环境变化、时间流逝或内心挣扎。 服装、化妆与面具: 详细解读戏曲脸谱(如曹操的白脸、关羽的红脸)的色彩学和符号学意义,以及袍子、靠旗、髯口等道具对人物形象的强化作用。 第五部分:经典剧目的深度解读 (文本与诠释) 选取中国戏曲史上最具里程碑意义的十二部经典剧作(包括元杂剧、传奇、以及京剧代表作),进行文本分析、人物原型、时代背景及不同历史时期舞台诠释的比较研究。例如,对《牡丹亭》中“情”的主题进行跨越明清到当代的流派对比赏析。 第六部分:戏曲的传承、创新与当代挑战 (面向未来) 最后一部分关注戏曲艺术在近现代社会面临的挑战与机遇。 “新编历史剧”的探索: 分析自上世纪五六十年代以来,戏曲如何将当代思想融入传统框架,以及在题材选择上的转变。 数字化与多媒体的应用: 探讨高清录制、数字化存档、虚拟舞台技术对戏曲传播和普及的积极作用与潜在风险。 观众教育与市场培育: 提出培养新一代戏曲观众的策略建议,强调回归剧场体验的重要性。 本书集合了多位戏曲史论专家、作曲家和资深演员的智慧,旨在成为一本全面、权威且极具启发性的戏曲艺术百科全书。阅读本书,读者将不仅能欣赏戏曲的表象之美,更能洞悉其深厚的文化底蕴与精湛的艺术技艺。

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读后感

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看完之后,如果能留下深刻印象的,绝对不是那些因为紧张而出现小失误的片段,而是那些让时间仿佛静止的瞬间——一个高难度的托举,一个完美收束的定格,或者是一个孩子在谢幕时眼中闪烁的泪光。这部碟片,我更倾向于把它当作一个研究范本来看待,研究的是在特定的赛制和环境下,少儿的创造力是如何被激发和引导的。我希望能看到一些真正突破传统框架的作品,那些敢于挑战既有审美定式的编排,即使在当时看来可能有些“超前”或“出格”,但时间往往是检验艺术创新的最佳标准。如果碟片中收录的舞蹈能体现出“敢想敢做”的精神,而不是一味地模仿成熟作品的影子,那么这张碟片的收藏价值就大大提升了。它不再仅仅是比赛录像,而是那个时代艺术探索精神的佐证。

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这部碟片,说实话,拿到手的时候我就被它的名字吸引住了——“舞蹈 雅士利杯第四届全国少儿艺术电视大赛”。光是“全国少儿艺术电视大赛”这几个字,就预示着里面汇聚的应该都是各地精挑细选出来的童子功。我一直觉得,小孩子在舞台上那种充满朝气、毫无保留的表演,是成年人很难复刻的。尤其是在舞蹈这种需要极高身体控制和情感表达的艺术形式上,少儿的视角往往更加纯粹直接。我满心期待能看到一些令人眼前一亮的创意编排,不仅仅是那些传统技巧的展示,更希望看到那些能触动人心的故事性强的作品。比如,那种把古典意境用现代舞语汇重新诠释的片段,或者是一些融合了民族风情但又极具创新精神的群舞,能让人在欣赏技巧的同时,感受到生命力的蓬勃迸发。我特别关注的是那些获奖作品,它们必然是经过了严格的评选,无论是技术难度还是艺术感染力上,都应该达到了一个很高的水准。如果能看到不同年龄段孩子们的差异化表现,那也很有价值,能清晰地看到中国少儿舞蹈教育体系在不同层面的培养成果。

评分☆☆☆☆☆

我对这种艺术大赛的录制风格向来比较挑剔。很多电视转播为了追求热闹感,镜头切换会非常快,而且总是喜欢特写那些表情夸张的孩子,反而忽略了群舞中整体队形的完美构建和节奏的把控。我更欣赏那种沉稳的、更像纪录片视角的拍摄手法。一个好的镜头应该能让你感受到舞者的呼吸,体会到他们身体线条的延伸感,而不是仅仅停留在表面的“可爱”或者“酷炫”。尤其对于舞蹈来说,空间感和层次感至关重要。如果碟片中能有一段对编导或评委的简短采访就更好了,听听他们是如何定义“艺术性”和“少儿特色”的平衡点的。毕竟,艺术教育的核心在于育人,比赛只是检验手段之一。如果能从中捕捉到一丝教育理念的闪光点,那这次观看体验就不仅仅是娱乐消费,更是一次对少儿艺术教育现状的深入观察。我希望,碟片能做到这一点,用影像记录下那一刻的专注与激情。

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打开包装,看到是单碟VCD格式,说实话,时代感一下子就扑面而来了。现在大家习惯了高清蓝光或者流媒体的清晰度,VCD的画质和音效多少会让人有些心理准备。但这也许恰恰带来了一种怀旧的氛围。我更关注的是内容本身,而不是载体的技术指标。我想象中的这场大赛,应该是充满欢笑和汗水的记录。少儿舞蹈比赛,最动人的往往不是那些无可指摘的完美,而是他们为了达到那个“完美”所付出的巨大努力,以及在舞台上瞬间释放出的那种纯粹的能量。我希望能看到一些幕后的花絮,哪怕只是几个快速闪过的镜头,捕捉到孩子们在后台紧张地压腿、互相打气,或者彩排时教导老师严肃的指导。这种真实感,比舞台上光鲜亮丽的成品更加珍贵。如果碟片能收录不同舞种的展示,比如芭蕾、民族舞、街舞甚至一些融合性更强的现代舞,那这个“全国”的覆盖面和多元性就更有说服力了。我希望看到的是一个浓缩了当年中国少儿舞蹈最高水平的影像志。

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这部碟片承载的,应该是一段特定的历史记忆,是“雅士利杯”这个赞助商冠名的那个时间段里,少儿舞蹈艺术的一个快照。我购买它的目的,可能并不仅仅是为了欣赏当下的舞蹈技巧,而是想找回一些关于童年、关于竞争、关于专注的集体回忆。可能我认识碟片里的某个孩子,或者我曾经参与过类似性质的比赛,所以这张碟对我来说更像是一个时间胶囊。我希望它里面的选曲和服装搭配能够反映出那个时代的审美潮流——看看当年流行的是多么大气磅礴的古典乐,还是更偏向于活泼轻快的流行音乐来烘托少儿的活力。而且,VCD的音质虽然有限,但如果配乐选择得当,依然能营造出强烈的氛围。我尤其期待那些民族舞选段,它们往往能最直接地展现地方特色和文化底蕴,通过孩子们的肢体语言,去触摸那些遥远地域的风土人情,这比单纯的技巧展示要丰富得多。

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