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出版时间:1900-01-01

价格:38.0

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isbn号码:9787900371843

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• CS
• 图像处理
• 设计
• 教程
• 实例
• 百分百
• 软件
• 图形
• 技巧
• 入门

《光影魔术师的进阶指南：从零到一的数字影像构建与精修》 （本书内容不涉及任何关于 Adobe Photoshop CS 系列软件的经典实例教学或特定版本的功能解析） 导语：影像的本质与创意的无限可能 在这个视觉主导的时代，图像不再仅仅是现实的记录，更是思想的载体、情感的投射和创意的具象化表达。本书并非旨在教授您如何操作某款既有的软件，而是致力于提升您对“光影”、“色彩”和“构图”的本质理解，从而构建起一套独立、强大且不受特定工具限制的数字影像处理哲学。我们相信，真正的编辑大师是那些能够驾驭光线，重塑现实，并以独特的视角来讲述故事的人，而非仅仅是快捷键的熟练使用者。 第一章：数字成像的物理学基础与感知心理学 本章将深入探讨数字图像背后的底层科学。我们将跳出软件界面，回归到传感器的工作原理、像素的物理意义、色彩空间（如CIE XYZ、sRGB、Adobe RGB的理论差异与应用场景）以及它们如何影响我们人眼的视觉感知。 光线的行为艺术： 解析不同光源（点光源、漫射光、体积光）在不同介质中的散射与吸收特性。学习如何通过控制“假想光线”来预见和调整最终的影像效果，而非被动地在后期修补光影错误。 色彩的语义学： 探讨色彩心理学与文化关联，理解不同色相、纯度和明度组合所传达的情绪张力。本书提供了一套构建“和谐色盘”与“冲突对比”的理论框架，让色彩成为叙事的主角，而非仅仅是装饰。 人眼陷阱与视觉导航： 剖析人类视觉系统的局限性（如视觉暂留、边缘对比效应），并据此设计出更具吸引力的视觉引导路径，确保观众的目光能够按照创作者的意图进行流畅的阅读。 第二章：高阶构图法则的解构与重塑 传统的“三分法”只是冰山一角。本章将带您探索超越传统几何框架的、更具动态与深度的构图体系。 动态平衡与负空间的力量： 详细分析“黄金螺旋”在非对称构图中的实际应用，以及如何通过精确控制“负空间”（即空白区域）来增强主体物的存在感和呼吸感。负空间的处理是区分平庸与卓越作品的关键。 节奏感与序列引导： 学习如何通过重复的元素、渐变的线条和间隔的韵律来创造视觉节奏，引导观众的视线在画面中“旅行”。我们将分析古典绘画与现代电影中大师们如何运用节奏感来叙事。 景深与焦点的哲学： 讨论如何利用清晰度（而非仅仅是光圈设置）来划分画面的信息层级。如何通过锐化与模糊的微妙过渡，建立起观众与主体之间的心理距离。 第三章：精细化纹理与材质的模拟构建 对于数字影像而言，真实感往往来源于对微观细节的成功模拟。本章专注于提升图像的“触感”和“质感”。 微观形貌的解析： 详细拆解不同材质（如粗糙的皮革、光滑的金属、湿润的皮肤、风化的岩石）在不同光照下的反射模型。这部分内容侧重于对“细节纹理的生成逻辑”的理解。 高频细节的增强与抑制： 探讨如何通过选择性地处理高频信息来塑造体积感和清晰度，避免过度锐化带来的“数字噪点感”。我们介绍一套基于频率分离的理念，用于精确控制表面的光泽度和粗糙度。 非线性色彩过渡（Luminosity Matching）： 掌握在不同光照环境下，材质的颜色如何随亮度变化而发生细微偏移的规律，确保合成或调整后的图像在物理上站得住脚。 第四章：叙事性色彩分级与情绪烘托 色彩校正不应是技术性的流程，而应是情感的表达。本章着重于如何通过色彩的整体调性来驱动故事的叙事方向。 场景与情绪的色彩映射： 建立一套从“自然光”到“戏剧光”的色彩转换模型。例如，如何用低饱和度的冷色调来暗示疏离和失落，以及如何用高对比度的暖色调来强调冲突与热情。 多重色调的层次管理： 学习如何在同一画面中，优雅地管理阴影、中间调和高光区域的色相，避免出现令人不适的“色偏污染”。这要求对色彩的矢量空间有深刻的理解。 胶片模拟的底层逻辑（非软件内置）： 分析经典胶片和扫描技术背后的化学反应对影调曲线的影响，从而在数字领域重建出特定的胶片质感和颗粒感，而非简单套用预设滤镜。 第五章：跨平台视觉语言的统一与输出优化 最终的呈现效果决定了作品的生命力。本章关注如何将数字作品转化为稳定、一致且适应性强的物理或数字输出。 色彩管理的心智模型： 摆脱对ICC配置文件的盲目依赖，理解色彩空间转换的数学原理，确保您的作品在印刷、屏幕或投影等不同介质上保持核心的视觉一致性。 分辨率与打印逻辑的适配： 深入探讨DPI/PPI的真正含义，以及在不同尺寸输出时，如何进行最优的细节重建和降噪处理，以满足专业级的印刷要求。 动画与序列图像的视觉连贯性： 为需要制作动态影像序列的创作者提供指导，确保帧与帧之间在色彩、曝光和纹理上保持完美的视觉连贯性。 结语：成为光影的建筑师 本书的最终目的，是帮助读者卸下对单一软件工具的依赖，将焦点重新聚焦于影像创作的永恒原理：光、色、形与意。掌握了这些核心理念，您将能够驾驭任何未来的数字工具，真正成为您创造世界的建筑师。

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这本书的阅读体验是渐进式的，它不是那种让你一开始就被大量专业术语淹没的类型。作者很巧妙地采用了“回顾与延伸”的教学结构。当你完成一个基础的抠图实例后，紧接着就会有一个“进阶挑战”部分，引导你去思考如何用更高效的工具替代或者如何加入新的艺术效果。这种设计极大地激发了我的学习主动性，让我总想去看看下一个章节会带来什么惊喜。我个人对那种偏向于复古风格和材质模拟的章节印象特别深刻，比如如何用叠加纹理和调整图层样式来模拟出老照片的做旧感，或者模仿铜版画的雕刻细节。这些处理往往需要对图层的不透明度和填充有极其精妙的控制，而书中的参数设置和效果预览图几乎是同步展示的，让我能够即时地理解微小参数变动带来的巨大视觉差异。这种即时反馈的学习机制，让学习过程充满了乐趣，而不是枯燥的模仿。

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我是一个对设计理论有着执着追求的“老手”，用过市面上几乎所有主流的设计软件，但总觉得缺少一本能将软件功能与设计美学深度融合的实战指南。这本书的独特之处在于，它并没有停留在教你“如何操作”的初级阶段，而是将每一个经典实例都上升到了“为什么这么做”的哲学高度。比如，它在讲解人像精修时，不仅仅展示了磨皮和液化，更深入探讨了不同光照条件下皮肤纹理的保留原则，以及如何通过色彩平衡来营造特定时代或情绪的氛围感。读到那里，我仿佛不是在操作软件，而是在进行一场高级的艺术创作研讨会。书中对色彩理论在数字图像处理中的应用分析得极其透彻，特别是关于CMYK到RGB的转换精度把控，这对于后续的印刷输出至关重要，市面上很多速成教程对此都是一笔带过，但这里却给予了足够的篇幅来强调其重要性。这使得这本书的价值远超一本软件操作手册，更像是一本融合了技术、艺术与商业思维的综合教程。

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这本书的排版和装帧简直是教科书级别的典范，初次拿到手就被那种沉甸甸的质感和清晰的字体所吸引。内页的纸张选择非常考究，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到明显的疲劳，这对于需要长时间对着屏幕学习设计软件的人来说，简直是一个福音。更值得称赞的是，那些复杂的工具面板和操作流程图，都被细致入微地用高分辨率的截图展现出来，每一个点击、每一个参数调整，都标注得清清楚楚，让人感觉作者是真正站在初学者的角度去思考如何让知识更易于吸收。特别是关于图层混合模式的那几章，以往在其他资料中总是晦涩难懂，但这本书里用非常直观的色彩对比和效果对比图进行了解释，我甚至可以凭直觉想象出不同模式叠加后会产生什么样的化学反应，这种“所见即所得”的教学方式，极大地降低了我的学习曲线。虽然我还没完全看完，但仅凭这份对细节的打磨，我就知道这绝对是一本可以信赖的工具书，不仅仅是“能用”，更是“好用”到极致。

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说实话，我购买这本书是抱着“试试看”的心态，因为市面上的“百分百实例”类书籍，往往内容虚浮，实例陈旧。但翻开目录后，我立刻感受到了不一样的东西。这些实例的选取非常贴合当前的行业热点和设计师的实际工作需求，没有那些为了凑字数而生的、脱离实际场景的过时练习。我特别喜欢它对“动态图形设计”和“网页界面视觉优化”这两个前沿领域的覆盖。例如，书中关于如何用智能对象和脚本来构建一套可快速迭代的UI组件库的讲解，简直是为我这种需要高效率产出的自由职业者量身定做。步骤的逻辑性极强，从最初的需求分析到最终的文件交付规范，每一步都有清晰的产出物要求。当我按照书中的步骤完成第一个电商Banner的制作后，我发现我的工作流程比以往快了至少百分之三十，而且最终效果的视觉冲击力也得到了显著提升，这直接转化为我接单能力的提升，投资这本书绝对是物超所值。

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我是一名工作了多年的资深设计师，坦白说，我买这本书的目的更多是想查漏补缺，看看有没有我遗漏的高级技巧。让我意外的是，这本书中关于性能优化和文件管理的章节，竟然比很多专业的系统维护指南还要详尽。它详细分析了不同分辨率和色彩深度对文件大小和软件运行速度的影响，并提供了一套科学的“历史记录栈”管理方法，避免了电脑卡顿导致的创意中断。更重要的是，书中对“非破坏性编辑”理念的阐述，已经深入到了流程规范层面，它不仅仅教你怎么使用蒙版和调整图层，更强调了在团队协作中如何设置一个清晰、可追溯的项目文件结构。这种注重“工程化”思维的教学方式，对于那些希望将个人技能提升到团队管理和项目交付层面的专业人士来说，是极其宝贵的财富。这本书真正体现了“经典”二字的重量，它不仅教你做图，更教你如何成为一名更专业、更有效率的数字艺术家。

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