国家舞台艺术精品工程 梨园戏 董生与李氏(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:半岛音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:20.0

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isbn号码:9787883671206

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好的，以下是一份关于《国家舞台艺术精品工程 梨园戏 董生与李氏 (VCD)》这部特定影音资料的不包含其内容的图书简介的范例，力求详尽、专业，并避免任何生成痕迹的表达： --- 《中华戏曲史论纲要：清代至民国燕赵地区地方戏曲流变研究》 内容提要 本书是一部立足于田野调查与档案梳理的严肃学术专著，聚焦于中国戏曲史发展脉络中一个极具特殊性和复杂性的地带——清代中晚期至民国时期，燕赵（今河北及周边部分地区）地方戏曲声腔体系的形成、演变及其社会文化功能的研究。本书旨在突破传统戏曲史仅关注京剧和昆曲主流叙事的局限，深入挖掘和系统梳理被长期忽视的地方民间剧种的生命力与艺术价值。 全书共分六个主要篇章，辅以详细的附录和珍贵史料影印件，结构严谨，论证详实。 第一章：燕赵戏曲的地理文化背景与史料困境 本章首先勾勒了清代至民国燕赵地区的社会经济结构、人口流动（特别是漕运、盐业和手工业的发展）对戏曲艺术繁荣的物质基础影响。重点剖析了该地区在声腔谱系上承接“花部”兴起前后的复杂性，探讨了晋冀两地戏曲艺术交流的地理通道。 随后，本章深入讨论了研究该阶段燕赵地方戏曲所面临的史料困境：大量口头传承、残缺的戏本、民间班社档案的散佚，以及官方志书对民间艺术的轻视。作者利用新近发掘的县志、宗族家谱中的零星记载，结合碑刻、民间契约中的演出记录，构建了初步的研究语料库。 第二章：声腔的混流与“土腔”的自我建构：以乱弹与地方腔调的融合为中心 燕赵地区是“花部”声腔（如道情、皮黄体系）大规模进入并与本地“土腔”激烈碰撞的试验田。本章集中分析了乱弹（广义上的地方腔调融合体）的形成机制。 通过对现存少量早期“皮黄戏”或“乱弹”戏班演出曲目单的对比分析，本章试图还原“土腔”在受到外来声腔冲击后，如何通过增饰锣鼓、变调改腔，实现自身“现代化”和艺术提升的过程。研究表明，这种融合并非简单的叠加，而是在特定地域审美压力下，对传统板式和腔韵进行结构性重塑的结果。重点分析了“梆子腔”在河北境内的几种不同变体，及其与当地曲艺如“太平歌词”的互渗关系。 第三章：班社组织与职业生态：从“戏班”到“科班”的转变 戏曲艺术的生命力植根于其生产组织——戏班。本章将研究视角转向班社的内部结构、经济运作和艺人培养体系。 研究细致考察了清末民初燕赵地区戏班的契约制度、行当划分（特别是武行和花脸的地位提升），以及不同等级的班社（如官办戏园班、民间私搭班、游方卖艺班）的差异。本章特别关注了女性在戏曲领域中的地位变迁，尽管该时期女性登台受阻，但通过对女科（培养女旦的私塾）的考察，揭示了传统性别规范下戏曲人才的隐秘供给链。此外，还分析了戏班与地方士绅、官府之间的复杂供养与制约关系。 第四章：剧目研究：主题的世俗化与英雄叙事的地域转向 地方戏曲的剧目是其反映社会现实的直接窗口。本章选取了若干在燕赵地区流传极广、但未被主流研究关注的剧目进行深度文本分析。 研究发现，与主流戏曲偏爱神怪、正史改编不同，燕赵地方戏目更偏好讲述地方传奇故事、与水患、饥荒、农民起义相关的世俗英雄叙事。例如，对某一残本《杨家将外传》中对“杨业”形象的民间化处理，展示了地方民众对忠义精神的在地化诠释。本章通过跨文本比较，揭示了在社会动荡时期，地方戏曲如何成为民间历史记忆的重要载体。 第五章：剧场空间与审美实践：从“场棚”到“戏园”的演变 戏曲的审美体验离不开其物理空间。本章探讨了燕赵地区剧场形态的变化，即从临时搭建的“场棚”（用于庙会、节庆）向固定式“戏园子”的发展历程。 通过对保定、石家庄等地残留戏园建筑遗址的考察（结合照片和测绘资料），本章分析了舞台的进深、观众席的等级划分如何影响了表演的调度和观众的参与方式。审美实践层面，本书强调了地方戏曲强烈的“互动性”——艺人与观众之间的即时反馈机制，以及如何通过“撂把儿”（即兴加演）来回应现场的社会情绪，这与同期都市剧场的精英化审美形成鲜明对比。 第六章：现代化的冲击与地方戏曲的存续抉择（民国后期至抗战） 本书最后考察了二十世纪初，随着白话文运动、新剧浪潮以及国家层面的戏曲改良运动对燕赵地方戏曲带来的冲击与适应。 地方班社面临的困境是：是坚守传统唱法以维持基本观众群，还是向“京剧化”靠拢以争取官方认可和票房？本章展示了不同班社采取的不同策略，有的彻底放弃“土腔”转向皮黄，有的则试图通过“时事新戏”来保持文化相关性。尤其关注了抗日战争时期，戏曲在民间宣传和鼓舞士气方面所扮演的非正式角色。 附录 附录包含清末燕赵地区戏班演出广告摹本、艺人行头清单残件、以及数个地方戏曲腔调的简要记谱（基于口述回忆的初步整理）。 结论： 本书认为，清末民初的燕赵地方戏曲并非传统声腔体系的衰败，而是一个充满活力、剧烈重组的“声音实验室”。对这一阶段的研究，是理解中国现代戏曲多元化格局的关键视角。

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初次播放，那悠扬的弦乐和板鼓一响起，仿佛整个房间的空气都凝固了，瞬间被带入了一个金碧辉煌的戏台子前。这部作品的舞台调度和布景设计，简直是教科书级别的典范，每一处道具的摆放，每一个灯光的聚焦，都服务于剧情的推进，绝无半点多余的炫技或累赘。尤其是服装的考究，那刺绣的精细程度，色彩的搭配逻辑，无不体现出制作团队对历史背景的深入理解。我反复观摩了几遍主角的亮相排场，那份气度和派头，不是随便一个演员能拿捏住的，必须是经过常年磨砺，方能将人物的身份和心境融为一体。这种全方位的视觉震撼，远超出了我对一般戏曲录像的预期，它展现的，是一种对“美学整体性”的极致追求。

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这部戏曲光盘，光看名字就让人对舞台上的风云变幻充满了遐想。《国家舞台艺术精品工程》的头衔，本身就预示着它绝非等闲之作，它承载着国家级的艺术水准和对传统文化的敬意。我拿到手的时候，特意在光线最好的时候摩挲着碟盒，那泛着微微光泽的封面设计，透露着一种沉稳而内敛的古典美。我期待着，这不仅仅是一次观赏，更像是一趟穿越时空的旅程，去探寻梨园行当里那些精湛的技艺如何通过影像得以永恒。对于像我这样，对戏曲的腔调和身段有着发自内心喜爱的人来说，能够拥有这样一套被官方认证的“精品”，无疑是一份珍贵的收藏。我最关注的，是它在传承过程中如何保持原汁原味的同时，又能适当地运用现代的拍摄和录制技术，让那些微妙的表情和繁复的手势，即便隔着屏幕，也能被清晰地捕捉和传达。这份对细节的考究，往往决定了一部戏曲影像作品的成败。

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坦白说，购买这类经典作品，有时候会担心录制版本过老，画质模糊，影响观看体验。但这次的VCD版本（尽管现在看来介质略显过时），在清晰度和色彩还原度上，超出了我的想象。我特意调高了家里的音响设备，去感受那丰富的层次感，无论是大锣大鼓的磅礴气势，还是小乐队的细腻伴奏，都得到了很好的平衡，没有出现声音相互掩盖的情况。对于戏曲来说，声效的处理至关重要，因为它直接关系到观众对剧中人物情绪的感知深度。从技术层面上看，这部“精品工程”的成果是毋庸置疑的，它为后来的戏曲影像录制树立了一个难以企及的标杆。

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看完之后，我留下的不仅仅是欣赏的愉悦，更多的是一种对文化生命力的敬畏。优秀的戏曲作品，它的核心价值在于对人性、道德、社会现象的深刻探讨。这部《董生与李氏》的故事脉络，虽然传统，但其中蕴含的关于抉择、坚守与成长的哲理，在今日依然具有强烈的现实意义。它提醒着我们，无论时代如何变迁，那些植根于传统文化土壤中的故事，只要用最精湛的艺术形式去呈现，就永远不会过时。这套碟片，不仅是艺术的展示，更像是一本活生生的、可供反复研习的传统美学教科书，值得每一位热爱中华文化的朋友珍藏并细细品味。

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作为一个资深的戏迷，我更看重的是“唱腔”和“做功”的功力。梨园戏作为地方戏曲中的一脉，它特有的韵味和节奏感，是其他剧种难以比拟的。在这部作品中，演员们的发声方式，那种“以气带声”的技巧，处理得异常到位，清晰却不失浑厚，高亢却不显尖锐。更难能可贵的是，他们在演绎复杂情感时，比如内心的挣扎、对命运的无奈，并非仅仅依靠唱词来推动，而是通过眼神和微小的肢体动作，将戏曲的表演艺术提升到了一个更高的层次。那些起手投足间的韵味，简直是把“无声胜有声”演绎到了极致，让人不禁感叹，真正的艺术是超越语言障碍的，它直接触及心灵深处。

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20101026百講。為神馬它是書= =。

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看的04年的视频。

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看的第一部梨园戏，只叫人好生惊艳

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20101026百講。為神馬它是書= =。

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是誰把它列在書單里的?!...果然看碟的震動是遠遠比不上劇場的!!~~~