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出版者:湖南文艺出版社

作者:方成

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-11-01

价格:16.00

装帧:平装

isbn号码:9787540428891

丛书系列:

图书标签:

• 漫画
• 漫画技法
• 美术研究
• 漫画
• 入门
• 绘画
• 技巧
• 教程
• 动漫
• 少儿
• 兴趣
• 艺术
• 手绘

好的，这是一份以“漫画入门”为基准，但内容完全不涉及该主题的图书简介，力求详实自然，字数控制在1500字左右。 --- 图书名称：《光影的叙事：当代电影摄影技术与美学解析》 内容简介 本书并非一部关于绘画技巧的指南，而是深入探索电影艺术核心——光影语言与叙事结构之间复杂关联的专业论著。我们旨在揭示，在当代电影制作的宏大图景中，摄影师如何运用镜头、光线、色彩和运动，将抽象的剧本转化为可感知的、具有情感冲击力的视觉体验。 第一部分：光线的雕塑——摄影技术的基础与哲学 电影摄影的本质，是对三维空间的二维重构，而光线，则是构建这种幻觉的唯一工具。本书的开篇，首先构建了扎实的理论基础，探讨了光的物理特性如何被转化为艺术表达的手段。 1.1 曝光的艺术与科学： 我们将详细解析数字传感器（如全画幅、中画幅）与胶片（不同ISO特性）在捕获光线时的内在差异。这不是简单的技术参数罗列，而是深入探讨“宽容度”这一概念如何影响叙事的层次感——高宽容度如何适应复杂环境光，而低宽容度又如何通过强烈的明暗对比来营造戏剧张力。讨论中将涵盖曝光三角（光圈、快门速度、感光度）的动态平衡，并结合具体案例，分析慢门运动模糊在表达角色内心焦虑或时间流逝时的独特效力。 1.2 色彩的心理学与技术实现： 色彩不仅仅是美学选择，更是潜意识的沟通桥梁。本章节将系统梳理色彩理论在电影中的应用，从互补色、邻近色到三色平衡，每一种选择背后的文化和情感暗示都被细致剖析。技术层面，我们将详尽介绍白平衡的设置哲学——如何通过精确控制色温（开尔文值）和色彩倾向，来塑造环境的心理温度，例如，用偏冷的蓝调来营造疏离感，或用暖调的琥珀光来暗示怀旧与安全。此外，还会涵盖 LUT（查找表）在后期调色流程中的作用，以及如何保持不同摄影机系统间色彩的一致性。 1.3 镜头语言的透视哲学： 镜头的选择决定了观众的“在场感”。我们对焦距的选择进行深入的哲学思辨。广角镜头（如20mm以下）如何扭曲空间，制造压迫感或宏大感？标准镜头（50mm左右）如何模拟人眼最自然的视觉范围，增强代入感？以及长焦镜头（85mm以上）如何压缩景深，将背景虚化，从而将所有焦点集中于角色的微表情之上。特别值得注意的是，本书将花费大量篇幅讨论非球面、变焦镜头（Zoom）与定焦镜头（Prime）在画面畸变、呼吸效应（Breathing Effect）上的差异，以及这些技术细节如何影响场景的真实感或风格化。 第二部分：运动的节奏——摄影机运动与场面调度 静态的画面是瞬间的定格，而运动的镜头则是时间的延伸。本部分关注摄影机如何通过运动来引导观众的注意力、建立节奏感和驱动剧情发展。 2.1 稳定与失衡： 从古典的好莱坞三脚架固定镜头（Static Shot）所蕴含的权威感与客观性，到手持摄影（Handheld）所带来的主观混乱与即时性，运动的“克制”与“爆发”是叙事节奏的关键。我们将解析斯坦尼康（Steadicam）和无人机（Drone）在实现长镜头（Long Take）时的技术挑战与美学优势，探讨如何通过一个连续的、不间断的运动镜头，来展示复杂的情感变化或环境的广阔无垠。 2.2 轨道与摇臂的逻辑： 轨道运动（Dolly/Trucking）的平滑推进与后退，往往标志着角色心理状态的稳定或不确定。摇臂（Jib/Crane）的升降则象征着视角的提升或坠落，常常用于揭示新的信息或描绘命运的无常。本书将通过分析伯格曼、塔可夫斯基等大师的作品，说明这些机械运动如何被编排成一种“视觉的对话”，而非简单的景物跟随。 2.3 景深控制与焦点转移： 景深（Depth of Field）的变化是引导观众目光的隐形指挥棒。大景深（Deep Focus）将前景、中景和背景同时清晰呈现，要求观众自行在信息中筛选，常用于展示环境对角色的制约（如奥逊·威尔斯的手法）。浅景深（Shallow Focus）则通过焦点（Rack Focus）的瞬间转移，明确指示观众“此刻真正重要的信息在哪里”，从而实现叙事上的强调或误导。 第三部分：美学与语境——风格的构建与历史回溯 电影摄影是历史的回声。本书的第三部分将跨越时空，分析不同电影流派中摄影美学是如何被塑造和继承的。 3.1 从表现主义到新浪潮： 我们将追溯摄影风格的源头，分析德国表现主义（Expressionism）如何通过低角度、不规则的布光（Chiaroscuro）来表达内在的恐惧与非理性；探讨黑色电影（Film Noir）如何利用硬光和浓重的阴影来构建道德模糊的都市丛林；最后，审视法国新浪潮（Nouvelle Vague）如何通过自然光、高对比度和跳切，来挑战传统电影的“完美主义”，注入纪实般的生命力。 3.2 数字时代的重构： 随着数字电影技术成熟，摄影师面临的挑战不再是物理光线的捕捉，而是算法与感光的交互。我们将讨论高帧率（HFR）的引入对真实感的影响，以及HDR（高动态范围）技术如何模糊了数字与胶片的界限。同时，也会探讨如虚拟制片（Virtual Production）等前沿技术，是如何改变了传统灯光布景的范式，使得“不可能的场景”得以在摄影棚内实现。 3.3 摄影师的作者论： 电影是合作的艺术，但优秀的摄影指导（Cinematographer）无疑是电影的“视觉作者”。本书最后一部分，将聚焦于多位标志性摄影师——如罗杰·狄金斯（Roger Deakins）、维托里奥·斯托拉罗（Vittorio Storaro）、以及戈登·威利斯（Gordon Willis）——的创作理念与代表作的深度剖析，总结他们如何通过独特的光影哲学，赋予每一部作品不可磨灭的视觉签名。 结语：视觉的超越 《光影的叙事》期望为所有对电影视觉艺术抱有热忱的读者提供一把钥匙，它不仅教你“如何看”电影，更引导你理解“为何如此看”。这是一次对光、影、运动和色彩的系统性探索，旨在提升读者对电影视听语言的鉴赏力与理解深度。 ---

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我一直对日本漫画中的那些细腻情感和独特画风情有独钟，但苦于自己没有绘画基础，只能望洋兴叹。直到我遇到了《漫画入门》这本书，它彻底改变了我对漫画绘画的看法。这本书没有将重心放在那些高难度的写实技巧上，而是着重于如何用简洁、富有表现力的线条来传递情感和故事。作者通过对不同漫画风格的拆解分析，让我看到了漫画语言的无穷魅力。我尤其被书中关于“黑白灰的运用”以及“留白”的章节所吸引，作者用非常生动的图例，展示了如何通过光影的变化和适当的留白，来营造画面的氛围和引导读者的视线。这让我明白了，原来漫画的魅力，并不仅仅在于画得多“像”，更在于如何用最有效的视觉元素来打动人心。书中的一些关于“角色个性化设计”的建议，也非常实用，它鼓励读者在创作角色时，不仅仅是外表的独特性，更要赋予角色鲜明的性格和背景故事。这本书让我看到了漫画创作的广阔空间，也激发了我内心深处的创作冲动。

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这本书简直是为我量身定做的！作为一个从小就喜欢涂涂画画，但又被复杂的绘画技巧吓退的人，我一直渴望能找到一本真正能带我入门的漫画书。市面上充斥着各种“速成”、“秘籍”，但要么晦涩难懂，要么过于理论化，根本不适合我这样的零基础小白。当我翻开《漫画入门》时，那种豁然开朗的感觉油然而生。作者没有上来就讲什么透视、解剖，而是从最基本的光影、线条开始，循序渐进，讲解得清晰易懂。我印象最深的是关于“表情绘制”的那一章，作者用大量的实例，把喜怒哀乐等基本情绪的表达拆解开来，并辅以不同角度和情境下的漫画示例，让我瞬间明白了如何用简单的线条勾勒出人物内心的情感。而且，书中的练习题也非常实用，不像很多书那样只是走形式，而是真正能引导我去思考和实践。我按照书上的提示，尝试画了几幅小小的表情，虽然稚嫩，但那种“我真的画出来了”的成就感，是任何其他方式都无法比拟的。这本书让我重新找回了画画的乐趣，也燃起了我坚持下去的信心。

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我是一位资深的漫画爱好者，接触过大大小小几十本关于漫画绘画的书籍，但《漫画入门》给我的感觉是截然不同的。它没有刻意去追求那些炫技的技巧，而是回归了漫画最本质的东西——叙事与情感的表达。书中的案例分析非常独到，作者没有仅仅罗列名家作品，而是深入剖析了它们之所以经典的原因，从分镜的节奏感，到人物对话的精炼，再到场景烘托的氛围营造，都做了细致入微的解读。我特别喜欢关于“故事板”那一章节的讲解，作者将一个简单的故事，如何通过连续的画面进行流畅的讲述，做了一个非常生动的演示，让我明白了分镜的意义远不止于“画画”，更在于“说故事”。书中的语言风格也十分亲切，没有丝毫卖弄学问的痕迹，更像是一位经验丰富的长辈在循循善诱。我反复阅读了关于“角色设计”的部分，作者强调了“内在逻辑”的重要性，即角色的外在特征应该与其性格、经历相符，而不是凭空捏造。这对我以往只关注外形美观的观念是一个巨大的冲击。这本书让我重新审视了漫画的魅力，不再停留在表面的视觉冲击，而是开始深入理解它作为一种艺术形式的深层内涵。

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说实话，我买这本书之前，对漫画绘画一窍不通，甚至连最基本的火柴人画法都有点磕绊。朋友推荐我《漫画入门》，我抱着试试看的心态，没想到真的让我惊喜。这本书最大的优点就是“零门槛”，它从最最基础的线条、形状开始，一点点引导你构建出人物的轮廓。书中有很多“跟着画”的部分，就是把复杂的图形分解成简单的几何图形，再一步步添加细节，这个过程就像搭积木一样，简单却又充满乐趣。我跟着书上的教程，试着画了第一个人物，虽然画出来有点歪歪扭扭，但至少我能认出这是一个“人”！这对我来说已经是个巨大的进步了。书里还有很多关于“人物动态”的讲解，用了很多形象的比喻，让我一下子就明白了身体是如何在运动中变形的。以前觉得漫画人物怎么可以那么夸张，看了这本书才知道，原来都是有科学依据的。我现在每天都会花一点时间跟着书上的练习，感觉自己的手感越来越好，也越来越有信心去创作属于自己的漫画人物了。

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我是一名在校大学生，对漫画有着浓厚的兴趣，但一直苦于缺乏系统的指导。平时也看了不少漫画教程，但总觉得不够深入，或者过于侧重于某个方面。《漫画入门》这本书的出现，可以说填补了我学习过程中的一大空白。它并非只是一本绘画技巧的书，更是一本关于“如何思考漫画”的书。作者将漫画的创作过程，从最初的构思，到角色设定，再到分镜的绘制，甚至是色彩的运用，都进行了非常全面的梳理。我尤其欣赏书中关于“画面叙事”的讲解，作者用了很多实际的漫画片段，来分析作者是如何通过画面的组合和切换，来推动剧情的发展，让读者产生代入感。这让我明白，好的漫画作品，不仅仅是漂亮的插图，更是精心设计的视觉语言。书中还提供了一些关于“行业入门”的建议，虽然我目前还没有这方面的打算，但了解这些信息，也让我对漫画产业有了更深的认识。这本书就像是一张详细的地图，为我指明了漫画创作的道路，让我不再感到迷茫。

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