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出版者:浙江大学出版社

作者:沈贻炜

出品人:

页数:360

译者:

出版时间:2005-3

价格:20.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787308041560

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 广电
• 广播剧
• 广播电视写作
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电视与电影叙事精要：从概念到荧幕的结构化解析 本书导言：跨越媒介的叙事律动 本书旨在为广大学习者和从业者提供一套系统、深入的叙事理论与实践框架，聚焦于视觉媒介——特别是电视剧集和电影——的内在逻辑与外部呈现。我们摒弃对单一技术流派的偏执，转而探讨跨越类型（Genre）和平台差异的核心驱动力：即如何有效地将思想、情感和信息转化为引人入胜的连续影像序列。全书结构围绕“概念的诞生”、“结构的搭建”、“人物的塑造”以及“风格的雕琢”四大支柱展开，力求实现从抽象的创意火花到具象的剧本呈现的全程指导。 第一部分：叙事基石——概念的淬炼与世界的构建 本部分将详细解构一个成功的视觉叙事作品如何从一个模糊的念头发展成为一个具有内在一致性和市场潜力的故事骨架。 第一章：核心理念与故事钩子（The Premise and the Hook） 成功的叙事始于一个强有力的核心理念。我们不仅要回答“故事是关于什么的？”这一表层问题，更要深挖“这个故事为什么非讲不可？”的驱动力。本章深入分析“高概念”（High Concept）的本质，区分其与“低概念”（Low Concept）作品在市场定位和叙事强度上的区别。 主题的辨识与提炼： 探讨如何将模糊的人生哲学或社会议题，凝练成可供情节驱动的核心冲突。分析不同主题（如救赎、成长、权力腐蚀）如何决定故事的基调和情感走向。 “如果……将会怎样？”的威力： 讲解如何通过设置独特的、高风险的“初始条件”（Inciting Condition）来快速吸引观众注意力。这包括分析“钩子”场景的节奏、信息密度和情绪张力设计。 世界观设定的原则： 尤其针对科幻、奇幻和历史题材，强调“内部逻辑自洽性”的重要性。探讨世界观元素（规则、历史、文化）如何服务于人物的行动和冲突，而非单纯的背景装饰。 第二章：原型与范式：经典结构的现代重塑 本章将聚焦于叙事结构的普适性规律，并探讨这些规律在当代媒介环境中的演变。 英雄之旅的解构与重组： 全面梳理约瑟夫·坎贝尔的经典模型，并着重分析其在非传统主角、多主角叙事以及反英雄剧集中的适应性调整。 三幕式结构的细化分解： 详细剖析第一幕（建立）、第二幕（对抗/上升行动）和第三幕（高潮与解决）的精确时间点和功能。引入“强迫点”（Plot Points）的概念，强调其对剧情方向的决定性作用。 多线叙事与交叉剪辑的张力： 针对长篇剧集和多主角电影，分析如何构建多条子情节线（A/B/C Plot），并探讨如何通过节奏变化和信息不对称来维持观众的持续投入。 第二部分：人物的塑造与冲突的驱动 一个空洞的结构只能支撑一个空洞的故事。本部分将深入探讨如何创造出具有深度、动机清晰且能在观众心中产生共鸣的角色。 第三章：动机、需求与矛盾的三角关系 角色不是动机的集合体，而是欲望与障碍相互作用的产物。 外在目标与内在需求： 明确区分角色“想要什么”（Goal/Want）和“真正需要什么”（Need/Desire）。分析“需求”往往是角色在故事结束时必须克服的内在缺陷或错误信念。 道德困境的设计： 探讨如何设置两难选择（Dilemma），迫使角色做出艰难的决定，从而揭示其真正的性格深度。分析“灰色地带”的叙事价值。 人物弧光（Character Arc）的精确规划： 区分转变型（Change Arc）、保持型（Flat Arc）和堕落型（Fall Arc）角色的叙事路径。强调弧光必须是情节推动的必然结果，而非事后添加的修饰。 第四章：冲突的层级与对手的构建 冲突是叙事的核心燃料。本章研究冲突的不同表现形式及其在推动情节中的作用。 内、外冲突的交织： 分析人与自我、人与人、人与社会、人与自然这四种基本冲突类型，并展示成熟的剧作如何巧妙地将外在的动作冲突转化为内在的情感挣扎。 对手（Antagonist）的立体化： 强调对手的动机必须如同主角一样清晰、合理，甚至是可理解的。分析如何通过对手的观点来挑战主角的核心信念，使冲突更具哲学深度。 次要人物（Supporting Characters）的功能性设计： 探讨导师、盟友、扰乱者等次要角色如何服务于主角的成长或情节的推进，避免角色沦为纯粹的“信息传递工具”。 第三部分：剧本的呈现与视觉语言的运用 本部分转向剧本作为蓝图的实际写作层面，侧重于如何将概念转化为可供拍摄的文本。 第五章：场景的构建与节奏的掌控 场景是故事的最小单元。高效的场景写作是有效叙事的关键。 “场景公式”的实践应用： 每个场景都必须有明确的目的（Intent）、冲突（Conflict）和结果（Outcome）。分析如何通过场景的“提升与下降”来控制观众的期待值。 “展示，而非告知”（Show, Don't Tell）的视觉化实践： 探讨如何用动作、对话和环境细节来替代冗长的旁白或解释性对话。侧重于通过环境的视觉化来暗示人物的心理状态。 节奏与潜台词的交响： 分析对话的设计，特别是如何运用停顿、重复和潜台词来增加信息密度和戏剧张力。探讨动作描述的经济性与准确性。 第六章：段落、节拍与序列的组织 长篇叙事需要更宏观的组织工具来维持连贯性。 故事节拍表（Beat Sheet）的制作： 介绍使用详细的节拍表来可视化地规划关键事件点，确保故事的“张力曲线”符合预期。 序列（Sequence）的划分与目标： 分析如何将整个剧本或剧集划分为更小的叙事序列，并为每个序列设定清晰的微观目标，以避免中段的松懈。 收尾与悬念的艺术： 讨论不同类型的结尾策略——如彻底解决、开放式结局或悬念式收尾——及其对观众后续体验的影响。强调在收尾处必须兑现第一幕中做出的所有核心承诺。 结语：超越教程，抵达匠心 本书提供的工具和框架是基石，但真正的艺术在于如何以个人的独特视角去打破和重组这些规则。叙事写作是工匠精神与诗人激情的结合，本书期望成为你手中最坚实的那把刻刀。

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这本书的排版和设计也给我留下了深刻的印象，它摒弃了传统教材那种枯燥乏味的教科书式布局，大量的图表、手绘的流程图以及标注清晰的“红线警告区”，使得阅读体验非常流畅和愉悦。我尤其喜欢其中穿插的几位资深从业者的访谈片段，那些前辈的只言片语，往往比长篇大论的理论更能振聋发聩，直接点明了行业内的“潜规则”和成功要素。对于我个人而言，最大的收获在于如何构建一个引人入胜的“开场白”，作者用近十页的篇幅拆解了不同类型节目的引子，从悬念设置到情感共鸣的层层递进，逻辑清晰，实践性极强。读完后，我感觉自己像是完成了一次为期一个月的行业“魔鬼训练营”，收获满满。

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这本书的叙事风格非常独特，它不像是一本正襟危坐的学术著作，更像是一位经验丰富的导师在深夜茶馆里与你促膝长谈。作者的语言充满了画面感和幽默感，即便是最晦涩的叙事结构理论，经过他的重新解读，也变得生动有趣。我发现这本书对于提升“现场感”的写作能力帮助尤其大。比如，在描述一次大型户外活动的报道时，作者详细剖析了如何调动环境音、背景人群的反应来烘托主体事件的宏大，这种对感官细节的捕捉能力，是教科书上很难学到的。它教会我的，是如何让冰冷的文字瞬间“活”起来，具备温度和冲击力，让屏幕前的观众身临其境，这对于任何形式的叙事工作都至关重要。

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从整体结构来看，这本书的编排非常注重递进和螺旋上升的学习路径。它从最基础的“新闻要素提炼”开始，逐步过渡到“专题策划与深度报道”，最后落脚于“危机公关与媒体应对”，这个过程设计得非常科学合理。我注意到作者在处理“如何与不同类型的采访对象打交道”这一章节时，不仅提供了提问技巧，更深入探讨了如何建立信任关系，这体现了作者对沟通艺术的深刻理解。这本书的价值在于，它不仅仅关注“写什么”，更关注“如何将所写内容有效传达给目标受众”，这种以受众为中心的创作理念贯穿始终，让我对媒体传播的本质有了更深层次的认识。它无疑是我近年来阅读过的，在实战指导方面最全面、最有洞察力的一本参考书。

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坦白说，这本书的深度和广度超出了我的预期。我原本以为它会聚焦于基础的播音腔台词技巧或者简单的脚本结构，但事实是，它触及了媒介伦理、受众心理分析乃至未来媒体形态的演变。作者对于不同媒介平台特性的洞察力令人印象深刻，比如在谈到网络短视频脚本时，那种对注意力经济的深刻理解，以及如何迅速建立情感连接的策略，都非常具有前瞻性。阅读过程中，我时常会停下来，对着书本上的案例进行反思和推演，思考如果是我来操刀，会如何处理那些突发状况。这本书的好处就在于，它提供的不是僵硬的教条，而是一套灵活的思维框架，让你在面对具体创作难题时，能迅速找到突破口，而不是陷入无谓的纠结之中。

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这部书读起来，我感觉就像是走进了一个充满烟火气的电视制作现场，作者并没有高高在上地讲述理论，而是非常接地气地分享了大量的实践经验。特别是关于如何捕捉新闻事件的“黄金时刻”，以及如何将复杂的政策信息转化为大众喜闻乐见的叙事方式，书中给出的案例分析非常到位。我记得有一章专门讲了如何用镜头语言来烘托人物的内心挣扎，那种细腻的笔触让我这个非科班出身的读者都能立刻领悟到，原来看似随意的剪辑背后，隐藏着如此多的学问和匠心。它不仅仅是一本教你如何写出合格稿件的工具书，更像是一本“编导的生存指南”，教会你如何在快节奏的媒体环境中保持清醒的头脑和创作的激情。我特别欣赏作者对于“真实性与艺术加工”之间平衡点的把握，这一点在当前的自媒体时代尤为重要。

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