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出版者:华中师范大学出版社

作者:陈竹

出品人:

页数:726 页

译者:

出版时间:2003年12月

价格:45.0

装帧:精装

isbn号码:9787562228158

丛书系列:

图书标签:

• 范畴
• 艺术
• 中国古代艺术
• 艺术史
• 艺术理论
• 文化史
• 中国文化
• 艺术分类
• 范畴研究
• 古代艺术
• 史学
• 美学

中国古代艺术范畴体系：一场穿越时空的视觉盛宴 本书并非一部枯燥的艺术史教科书，而是一次深入探索中国古代艺术宏大谱系的旅程。它将带领读者走出按朝代划分的线性叙事，以一种全新的视角，审视中国古代艺术是如何在多元的范畴和体系中生生不息、不断演化的。我们将一起揭开那些隐藏在器物、图像、技法背后的思维模式与价值观念，理解它们如何共同构筑了中国古代艺术璀璨的文明。 超越断代：艺术的内在逻辑 传统的艺术史研究，往往以朝代更迭为线索，勾勒出不同时期艺术风格的演变。然而，这种方法在理解艺术的深层联系上可能存在局限。《中国古代艺术范畴体系》将视角转向艺术本身的内在逻辑。我们不再仅仅关注“唐代的画是什么样的”，而是深入探究“绘画”这一范畴在中国古代思维体系中扮演的角色；“书法”是如何从实用性走向审美性，并与其他艺术形式产生微妙的互动；“陶瓷”不仅仅是器物，更是材质、工艺、文化观念的载体。 本书将从多个维度解构中国古代艺术的范畴体系： 材质与技法： 从青铜、玉石、陶瓷、漆器、丝帛到丹青、水墨，不同的材质与与之相伴的精湛技法，如何塑造了艺术的物质形态，并承载着不同时代、不同阶层的审美追求。我们将探讨这些材质和技法本身的意义，以及它们在中国古代哲学和宇宙观中的位置。例如，玉的温润与德行的关联，青铜的厚重与礼制的对应，墨的浓淡枯湿所蕴含的写意精神。 功能与象征： 许多中国古代艺术品并非纯粹为了观赏，而是与礼仪、宗教、祭祀、生活等紧密相连。本书将深入分析艺术品在特定社会功能下的象征意义。一件庄严的礼器，其纹饰图案并非随意而为，而是蕴含着对天地秩序、祖先崇拜、君臣关系的理解。一幅山水画，可能不仅仅是对自然景色的描摹，更是文人心境的投射，或是对理想人格的寄托。 观念与哲学： 中国古代艺术深受儒家、道家、佛教等思想体系的影响。我们将考察这些哲学观念如何渗透到艺术的创作与欣赏之中。例如，阴阳五行在中国山水画中的运用，天人合一的思想在园林艺术中的体现，佛教的因果轮回观念对造像艺术的影响。这些观念体系，为中国古代艺术提供了一个深邃的精神内核。 形式与风格： 虽然本书不拘泥于断代，但形式和风格的演变依然是理解艺术的重要维度。我们将在范畴体系的框架下，考察不同时期、不同地域的艺术形式和风格是如何在材质、功能、观念的相互作用下形成的。这包括线条的运用、色彩的搭配、构图的安排、意境的营造等方面。 传承与创新： 在看似保守的传统中，中国古代艺术从未停止创新。本书将关注艺术范畴在流变中的传承与发展，考察艺术家们如何在既有的框架内进行突破，如何吸收外来元素并将其本土化。例如，佛教造像在传入中国后，如何与本土审美相结合，形成了独具特色的中国佛教艺术。 丰富的案例：从宏观到微观 为了生动地展示这些范畴体系，《中国古代艺术范畴体系》将以大量的经典艺术品为案例。从商周青铜器的雄浑神秘，到秦汉雕塑的刚健有力；从魏晋绘画的清逸飘洒，到唐代彩塑的雍容华贵；从宋代山水画的意境深远，到明清瓷器的雅致精美；从书法大家笔下的龙飞凤舞，到园林景致中的步移景异……每一件作品都将被置于其所处的范畴体系之中，进行深入的解读。 我们不仅会欣赏作品的表象之美，更会追溯其背后所蕴含的文化基因和精神追求。例如，在解读一件汉代画像石时，我们不会仅仅关注其线条的勾勒，还会探讨其所反映的生死观念、神话传说以及汉代社会的生活图景。在审视一幅宋代山水画时，我们将尝试理解画家笔下的“气韵生动”是如何通过具体的笔墨技巧和构图安排来实现的，以及这种“气韵”与当时的哲学思想有着怎样的联系。 谁适合阅读本书？ 《中国古代艺术范畴体系》适合所有对中国古代艺术感兴趣的读者。无论你是艺术史专业的学生，希望拓展研究的视野；还是对中国传统文化充满好奇的爱好者，希望更深入地理解艺术背后的智慧；抑或是希望从新的角度审视传统艺术的创作者，都能从中获得启发。 本书将帮助你： 建立更系统的艺术认知： 摆脱碎片化的了解，构建起中国古代艺术多元而内在的逻辑体系。 提升艺术鉴赏能力： 掌握更深入的解读方法，看到艺术品超越时代的美学价值和文化内涵。 激发文化自信： 重新认识中国古代艺术的博大精深，感受中华文明独特的精神气质。 《中国古代艺术范畴体系》是一次诚挚的邀请，邀请您一同走进中国古代艺术的奇妙世界，去发现那些隐藏在宏大体系中的精妙之处，去感受那些穿越千年依然熠熠生辉的艺术魅力。

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这本书的思维导图式的结构给我留下了极其深刻的印象。它不像传统的断代史那样线性叙事，而是采取了一种“网状”的结构，将不同地域、不同门类的艺术（比如从陶瓷到书法）放在一个大的文化脉络下进行交叉对比和参照。这对于理解中国艺术的整体性特征非常有帮助。我特别喜欢其中关于“文人画”兴起部分，作者没有简单地将其归功于某个画家的个人突变，而是深入挖掘了士大夫阶层审美趣味的集体转变，以及当时的政治气候是如何催生出这种反叛性的艺术形式。这种宏观的、社会学的视角，让原本孤立的艺术品拥有了鲜活的生命力和历史厚度。

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说实话，这本书的装帧设计是我见过最用心的一批。纸张的选用和色彩的还原度极高，很多古籍插图的细节处理得非常到位，这对于研究色彩和材料的应用至关重要。不过，作为一名侧重于早期文明研究的读者，我个人感觉书中对新石器时代到商周早期这段时期的论述略显单薄，虽然对后来的魏晋风度有着精彩的描摹，但总觉得承上启下的关键环节处理得不够厚重。这可能是不同作者研究侧重点不同所致，但如果能在那部分加入更多关于礼器制度对早期艺术形态约束的论述，想必整部体系会更加圆融无暇。即便如此，瑕不掩瑜，它依然是案头上不可或缺的参考书。

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这套书简直是考古学爱好者的福音！我一拿到手，就被那厚重的质感和精美的插图深深吸引住了。它不像我以前看过的那些枯燥的教科书，更像是一部娓娓道来的艺术史诗。作者对不同历史时期的雕塑、绘画、建筑风格的梳理非常细致入微，每一个转折点都有理有据的分析。特别是关于汉代画像石的研究，简直是开辟了新的视角，那些原本模糊不清的图像，在作者的解读下变得栩栩如生，仿佛能听到历史的回响。我花了整整一个周末沉浸其中，完全无法自拔。这本书的价值不在于罗列了多少珍贵文物，而在于它构建了一套完整的、逻辑严密的分析框架，让我们这些业余爱好者也能窥见古代艺术思维的深层结构。那种豁然开朗的感觉，真是太棒了！

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我买这本书主要是想深入了解一下宋代美学对后世的影响，这本书在这方面做得相当出色，简直是教科书级别的分析。作者对宋代“格物致知”思想如何渗透到瓷器烧制、园林布局、乃至点茶艺术中的过程，描述得层层递进，逻辑缜密得像是在解一道复杂的数学题。尤其是在分析宋徽宗时期的院体画时，作者引用了大量的官方文献和私人笔记，将那种精致、内敛、却又带着一丝忧郁的宫廷美学描绘得淋漓尽致。虽然全书篇幅浩大，涉及的朝代众多，但作者始终能精准把握住每个时代最核心的审美命题，绝不泛泛而谈。对于想系统性学习中国古典审美精髓的读者来说，这套书简直是打开了一扇通往宝库的大门。

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我本来以为这会是一本高深的学术著作，读起来会像啃石头一样费劲，没想到阅读体验出奇地流畅。这本书的行文风格非常具有文人气质，文字典雅而不失生动，即便是讨论那些晦涩的哲学思想在艺术中的体现，作者也能用非常形象的比喻来阐释。我尤其欣赏它对于“意境”这一概念的探讨，不再是空泛的描述，而是结合了具体的器物、壁画案例进行深入剖析，让人明白中国古代艺术家是如何用有限的材料去表达无限的宇宙观。读完后，我再去看博物馆里的展品，感觉完全不一样了，目光不再只是停留在表面的精美，而是能触及到创作者背后的精神世界。这本书真正做到了“化繁为简，以简驭繁”。

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理论完备，少具体的作品分析。

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