当代中国画家丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河北教育出版社

作者:谢志高

出品人:

页数:155

译者:

出版时间:2003-1

价格:280.00元

装帧:

isbn号码:9787543449916

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 当代艺术
• 绘画
• 艺术史
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瀚海星辰：中国近现代艺术流变与名家画谱 引言：时代的笔墨，民族的魂魄 本书旨在为读者构建一幅宏大而细腻的中国近现代（约1840年至20世纪末）艺术图景。这是一个剧烈动荡与深刻变革的时代，内忧外患交织，传统文化遭遇前所未有的冲击，新的思潮如洪流般涌入。正是在这样的历史熔炉中，中国的绘画艺术完成了自我审视、艰难转型乃至最终的腾飞。本书并非对某一特定画家的学术研究，而是立足于时代背景、社会思潮、中西文化碰撞的角度，系统梳理中国画在这一百年间的演变脉络，并精选了若干在不同阶段对中国艺术发展产生决定性影响的代表性艺术家群像，展现他们如何以笔墨回应时代，重塑民族审美。 第一章：晚清的挣扎与转机——传统图式的松动（约1840-1911） 晚清时期，传统文人画在形式与精神上均显露出疲态。在“师法古人”的藩篱下，如何应对西方油画带来的视觉冲击和写实主义挑战，成为画家们不得不面对的课题。 本章重点探讨以“四僧”、“四王”传统为基础，向外寻求突破的先驱者。吴昌硕是绕不开的关键人物。他以海派的开放精神为依托，融汇金石入画，用苍劲的笔法和大胆的造型，将传统花鸟画推向了前所未有的雄强境界。他的“一超”之变，不仅是技法的革新，更是对士人趣味的重新定义。同时，我们也审视了“岭南画派”的崛起。他们身处对外交流的前沿，在借鉴日本画的设色与晕染技法后，创造出注重写生、色彩明快、具有南国风情的画风，成为近代南方画坛的中流砥柱。他们的实践，标志着中国画首次主动、大规模地吸纳外来（非西方古典）影响，形成兼容并蓄的特质。 第二章：民国初年的探索与“新国画”的诞生（1912-1949） 辛亥革命后，艺术教育体制开始重构。对传统“四王”画派的批判声浪渐高，以“折衷调和”为指导思想的“新国画”运动应运而生。 一、北京的学术中心与“南北之争”： 以蔡元培主持的北京大学为代表的教育理念，强调科学与写实。陈师曾和萧谦中等学者型画家，试图在保留中国画骨法用笔的基础上，吸收西洋的解剖学和透视法，以期“中西融合”。他们的探索，是试图在现代性框架内为传统艺术找到立足点的典范。 二、上海的实验与创新： 与北京的学院派相对，上海则更侧重于艺术的商业化和市场的检验。徐悲鸿无疑是这一时期的旗帜人物。他留学法国，系统学习了西方的素描和结构主义，回国后坚决提倡“写实救国”，以其精准的造型能力和深厚的爱国情怀，极大地提升了中国画在公众心中的科学地位。他对素描的推崇，虽然引发了巨大争议，却客观上推动了中国画体系对“形体准确性”的重视。同时，我们也梳理了张大千在这一时期的重要转变，他从精妙的临摹入手，逐步向对敦煌壁画的临摹与借鉴发展，为后来的泼墨泼彩埋下了伏笔。 三、岭南画派的成熟： 尤以高剑父、高奇峰、陈树人三兄弟为代表，他们进一步发展了前辈的创新精神，作品更具现代感和装饰性，成为南方现代艺术的代表力量。 第三章：新中国成立后的格局重塑与“学院化”进程（1949-1976） 新中国的建立，对艺术的功用、题材和风格提出了新的要求——艺术必须为工农兵服务。这一时期，中国画的创作进入了国家主导下的高度规划阶段。 本章聚焦于国家体系内对绘画人才的培养与风格的引导。传统国画被置于“继承与发展”的框架下，其核心任务是表现社会主义的建设成就和时代精神。大批画家被组织到工厂、农村进行写生。 一、山水画的宏大叙事： 著名的“新山水画”风格形成，强调气势磅礴、色彩鲜丽。如傅抱石以其“抱石皴”的独特笔法，描绘祖国壮丽河山。而李可染则在借鉴古人（如董源、巨然）的基础上，将现代光影和体积感融入传统水墨，创造出“可染体”，体现了对传统的深刻挖掘与现代化改造。 二、人物画的主导地位： 人物画成为最直接的政治宣传工具。蒋兆和和他的学生们，尤其是周思聪，通过将写实主义的人体结构与中国画的笔墨技法相结合，创造出具有强烈时代特征和感人力量的人物画。他们的实践，确定了中国人物画在现代语境下新的表现范式。 第四章：改革开放后的多元化与笔墨的回归（1977至今） 文革结束后，艺术创作获得了空前的自由，艺术思潮如喷涌的泉水般涌现。中国画开始从单一的政治叙事中解放出来，回归到对个体生命体验和纯粹笔墨语言的探索上。 一、对文人精神的再发现： 随着对传统文化的反思加深，艺术家们重新挖掘了文人画的“写意”精神。一批画家开始重新审视“金陵画派”，注重水墨的韵味、留白的意境，以及书写性的表达。 二、笔墨的本体论探索： 在吸收了西方抽象艺术理念后，一些先锋性的画家开始进行“笔墨实验”。他们不再将焦点放在题材的再现上，而是深入探讨宣纸、墨、水的相互关系，探求水墨语言在现代语境下的无限可能性。潘天寿的雄强和黄宾虹的浑厚，被重新发掘并成为当代画家们重要的精神资源。 三、写意精神的弘扬与回归传统： 这一阶段的艺术，呈现出强烈的回归本土性、探索民族精神的倾向。画家们不再执着于简单的“中西融合”，而是致力于将“中国精神”融入国际视野，使中国画在世界艺术版图上重新占据一席之地。 结语：永恒的在路上 中国近现代艺术的发展，是一部关于身份认同、文化坚守与锐意创新的史诗。从晚清的迷茫到民国的实验，再到新中国的塑造，直至改革开放后的多元爆发，中国画家们始终在传统与现代、东方与西方、个体与时代之间艰难地寻求平衡。本书所梳理的艺术脉络，正是民族精神在时代洪流中，以笔墨为载体，所留下的璀璨印记。这片瀚海星辰般的艺术星空，至今仍在不断拓展其疆界。

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这部画册简直是艺术殿堂里的一颗璀璨明珠，装帧设计充满了古典与现代交融的韵味，纸张的质感拿在手里就能感受到制作者的匠心。我特别留意了其中几位早期大师的作品，他们的笔触中蕴含着深厚的历史沉淀和对民族精神的独特理解，那份对线条和墨色的掌控力，简直是登峰造极。比如，有一幅描绘江南水乡的写意山水，远山如黛，近水含烟，寥寥数笔便勾勒出了烟雨迷蒙、诗意盎然的氛围，让人仿佛能听见水波声声，闻到泥土的芬芳。再看那些承前启后的中生代画家，他们的探索精神令人钦佩，在继承传统的基础上，大胆地融入了西方的光影理念和构图方式，使得画面既有东方审美的含蓄内敛，又不失现代艺术的张力与冲击力。尤其是那些人物画，神态捕捉得极其精准到位，每一根发丝、每一块衣褶都仿佛带着呼吸，展现出那个时代普通民众的坚韧与朴素。这本书的编排逻辑也很有意思，它并非简单地按时间顺序罗列，而是巧妙地将不同地域、不同画派的作品穿插对比，这种编排方式极大地拓宽了读者的视野，促使人在欣赏单个作品的同时，也能洞察到整个艺术生态的流变与互鉴。我足足花了一个下午，沉浸在这墨香与色彩构建的世界里，每一次翻阅都有新的发现，每一次驻足都带来心灵的震撼。这本书不仅仅是作品的集结，更像是一部浓缩的中国近现代社会变迁的视觉史诗。

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对于一个像我这样，对艺术史抱持着某种“敬畏感”，但又常常觉得教科书过于刻板的读者来说，这本画册就像是一股清新的风。它成功地将宏大的历史脉络与微观的个体表达巧妙地结合了起来。我特别喜欢那些附带的，关于画家创作理念或生平侧记的文字片段，虽然篇幅不长，但字里行间透露出的那种艺术家在特定历史时期所经历的挣扎、选择与坚持，极具感染力。比如，有一位画家在经历过社会动荡后，其后期的作品风格出现了显著的转向，从早期的豪迈写实转变为后期的内敛抒情，这种转变不仅仅是技巧上的变化，更是精神内核的沉淀与重塑。通过对比他不同时期的几幅代表作，我们仿佛能与艺术家进行一场跨越时空的对话，理解艺术创作如何成为个体生命经验最直接的投射。再者，该书在色彩的呈现上非常考究，特别是对那些运用了特殊矿物颜料的作品，书本忠实地再现了颜料那种独有的光泽和厚重感，这在普通的数字影像中是很难体会的。我甚至对着其中一幅工笔重彩作品看了很久，仔细分辨那些细若发丝的线条，想象着画家是如何屏住呼吸，一笔一划完成的。这本书的厚重感，不仅仅来自于其物理重量，更来自于它所承载的文化重量和情感深度。

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如果用一个词来概括我对这本画册的整体感受，那就是“震撼人心”。它让我重新审视了“当代”这个概念，意识到我们所处的时代，艺术的活力远比想象中要充沛得多，也复杂得多。书中收录了不少在媒介运用上进行大胆革新的作品，不仅仅局限于传统的纸本，更有一些结合了装置或混合材料的尝试，虽然这些作品的复制品在平面书籍中展现其立体感必然有所损失，但编辑团队依然通过精妙的排版设计，试图还原其空间层次，这种努力值得称赞。我特别关注了那些探讨都市化进程的组画，它们以一种近乎冷峻的客观视角，记录了快速发展背后的某种疏离感和异化感，笔墨之间流淌着一种对现代性复杂情感的复杂审视——既有对进步的赞叹，也隐隐流露出对逝去传统的眷恋。这种情绪的复杂性，使得作品的耐读性大大增加。与那些只注重“名家名作”的选集不同，这本画册更像是一份细致入微的田野调查报告，它关注到那些在角落里默默耕耘、但对艺术生态产生深远影响的力量。它的视野足够开阔，能够捕捉到那些稍纵即逝的艺术思潮的萌芽状态。

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打开这本厚重的画册，我立刻被那种扑面而来的生命力和强烈的时代气息所吸引。我得说，这套书的选材眼光实在独到，它收录的很多作品，即便在艺术史的宏大叙事中也鲜有提及，但它们的艺术价值却不容小觑，充满了惊喜的“遗珠”。我尤其欣赏其中对“地域性”表达的重视，比如几幅来自西南边陲的少数民族风情画作，色彩的运用大胆而热烈，构图充满野性的张力，与我们通常在主流画册中看到的学院派作品截然不同，那种原始的生命力和独特的文化符号，让人耳目一新，仿佛进行了一次穿越千山万水的精神旅行。更有趣的是，书中对一些跨界尝试的记录，比如有几位画家将传统水墨技法融入到城市景观的描绘中，那些高耸入云的现代建筑，在水墨的晕染下，竟然展现出一种既熟悉又陌生的魔幻现实主义色彩。这让我深刻感受到，真正的艺术创新，往往诞生于对既有边界的不断试探和挑战。装帧上虽不至奢华，却透着一种扎实的专业性，图版的清晰度和色彩还原度都做得相当到位，使得即便是屏幕上难以捕捉的微妙笔触，在这实体书中也能被清晰地感知，这对于我们这些希望从作品细节中揣摩画家心境的普通爱好者来说，是极其重要的加分项。这本书的价值，在于它提供了一个比主流叙事更广阔、更多元、更具探索性的观看中国当代艺术的窗口。

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老实说，我最初对这本画册抱有一丝疑虑，担心它会是那种只重数量不重质量的“大而全”的粗略展示。然而，实际阅读体验彻底打消了我的顾虑。这本书的学术性和可读性达到了一个极高的平衡点。我尤其欣赏它在展示中青年一代作品时所展现出的前瞻性与批判性。这些年轻的艺术家们继承了前辈的技法，但他们的主题更加聚焦于个体精神世界的建构、社会身份的探索以及文化身份的焦虑。他们的用色更加大胆，构图更加破碎，笔触更加直接和个人化，这反映出当代艺术语境下，艺术家主体意识的觉醒与强化。有一组关于“记忆碎片”的系列作品，通过多重曝光和有意为之的“残缺”处理，营造出一种时间错位的美感，非常引人深思。这本书的装帧设计也体现了这种新旧交融的思路，比如在一些传统水墨作品旁，会使用极简的现代字体来标注信息，这种视觉上的并置本身就是一种艺术语言。总而言之，这是一部对中国当代绘画发展脉络做了扎实梳理和深入呈现的精品之作，无论你是专业人士还是业余爱好者，都能从中获得丰厚的滋养。

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