世界娱乐先锋 大银幕影院系列(第4套)(DVD)

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出版者:北影录音录像
作者:
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1900-01-01
价格:170.0
装帧:
isbn号码:9780027011555
丛书系列:
图书标签:
  • 电影
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具体描述

时代的回响:光影流转中的百年变迁 本书并非聚焦于某一特定的影片系列或影院技术革新,而是以更为宏大且多元的视角,深入剖析了二十世纪以来全球范围内娱乐文化、社会思潮与技术进步三者交织互动的复杂图景。我们追溯的,是“娱乐”这一概念本身如何随着时代脉搏而不断演化、重塑,并最终渗透进社会肌理的深层过程。 第一部分:梦想的诞生——大众娱乐的雏形与早期奠基(1900s-1930s) 本篇章侧重于探索现代娱乐形式的起源,尤其关注那些为后世的“大银幕”概念奠定基础的早期实践。我们不会过多描述具体的电影内容,而是将笔触聚焦于娱乐产业的商业化、艺术化初期形态。 从游艺场到固定场馆: 探讨“消遣”如何从街头巷尾的即兴表演,演变为具有特定物理空间和运营模式的场所。分析电力普及、城市化进程对这些早期娱乐聚集地的影响。 默片时代的叙事结构革命: 重点分析视觉语言的初步建立,如何在没有同步声音的情况下,通过剪辑、面部表情、布景设计等元素,构建出能够跨越语言障碍的普世情感叙事。这不仅仅是关于“看电影”,更是关于“理解图像”的教育过程。 技术的初次融合: 考察早期摄影、放映技术如何被视为一种“奇观”(Spectacle),以及早期的影院经营者如何利用这种新奇感吸引观众。探讨这些早期放映机背后所蕴含的工业化思维。 社会阶层的渗透: 分析早期电影院的地理分布和票价策略,如何反映和加剧了当时的社会阶层划分。电影院是平民的慰藉所,还是上流的社交场所?这种张力如何塑造了早期观众群体? 第二部分:黄金时代的构建与意识形态的镜像(1930s-1950s) 这一时期是全球娱乐业成熟与规范化的关键阶段。本章旨在揭示娱乐产品如何在工业化流水线上被大规模生产,并探讨其对社会规范的巩固或挑战作用。 制片厂制度的工业逻辑: 深入研究好莱坞等主要制片中心如何运作,分析其对剧本、演员、导演的全面控制模式。这种高度集中的生产模式如何确保了产品的一致性和市场占有率? “逃避主义”的文化价值: 探讨在经济萧条、战争阴影笼罩下的社会背景中,大众娱乐提供了何种心理补偿。分析特定类型片(如歌舞片、黑色电影的早期形态)在满足观众深层心理需求上的作用。 声音与色彩的革命性冲击: 侧重于技术升级如何改变了观众的沉浸体验。这不只是音效或画质的提升,更是叙事工具的拓展——声音如何被用来操控情绪、构建空间深度,色彩如何被用于象征和强化主题。 审查制度与道德边界: 分析在社会保守思潮下,娱乐内容如何被外部力量规训。探讨早期电影分级或行业自律准则的形成,及其对创作自由的制约与激发。 第三部分:屏幕之外的角力——电视的挑战与媒介的重塑(1950s-1970s) 家庭娱乐设备的兴起对传统影院构成了前所未有的挑战。本章关注的是媒介生态的转变,以及娱乐主体如何试图在变化中寻找新的立足点。 家庭的崛起: 分析电视机如何将娱乐的中心从公共空间(影院)转移到私人空间(客厅)。探讨这对于社会互动模式、家庭结构乃至公共话语权产生的影响。 “大银幕”的自我救赎与反击: 考察电影业为应对电视竞争所采取的技术和叙事策略。例如,宽银幕、立体声、史诗题材的回归。这些“奇观化”的努力,意在提供电视无法复制的体验。 新浪潮的冲击与艺术的解放: 关注全球范围内(如欧洲、日本等地)出现的电影运动,它们如何利用新的技术手段和更具实验性的叙事手法,挑战既有的好莱坞模式,将娱乐与深刻的哲学或政治思考相结合。 音乐与视觉的深度融合: 探讨流行音乐和摇滚乐的兴起如何反哺视觉娱乐,使电影的配乐不再仅仅是背景烘托,而是成为叙事和情绪表达的核心驱动力。 第四部分:全球化、碎片化与体验经济的萌芽(1980s至今) 本部分聚焦于数字技术对娱乐产业链的颠覆性影响,以及娱乐消费行为的深刻转变。 特效的爆发与“奇观”的常态化: 分析计算机图形技术(CG)的成熟如何彻底改变了叙事可能性,使原本无法想象的场景成为可能。同时,探讨当“奇观”成为常态后,观众对“创新”的阈值是如何被不断抬高的。 跨媒介叙事与粉丝经济的初探: 考察电影不再是孤立的产品,而是IP(知识产权)生态系统的一部分。分析如何通过周边产品、电子游戏、后续剧集等方式,构建一个围绕核心内容持续运转的消费闭环。 发行渠道的革命: 探讨录像带、DVD(作为一种载体)的普及,以及后续数字流媒体的兴起,如何瓦解了传统影院对“首映权”的垄断,使观众对内容的控制权大大增强。 体验的价值回归: 在信息过载的时代,娱乐如何从单纯的“观看”转向“参与”和“沉浸”。分析影院空间本身如何通过设计、互动设施等元素,重新定义其在现代娱乐版图中的独特价值。 本书旨在提供一个广阔的文化和社会学视野,探讨娱乐产业如何作为一面棱镜,折射出人类社会在不同历史时期的欲望、恐惧、技术信仰与集体想象力的变迁历程。它关乎的,是人类如何理解并消费“非必需之物”的学问。

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读后感

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这本书的语言风格非常大胆和跳跃,读起来有一种强烈的时代气息,但这种气息并非来自那些黑白默片时代的庄重与典雅,而是更像是在追溯某种更近、更具冲击力的流行风潮。我原以为“世界娱乐先锋”会聚焦于那些引领全球电影潮流的文化输出,比如好莱坞的黄金时代标准,或者欧洲艺术电影的先锋实验。然而,书中的叙事节奏快得惊人,它似乎急于将读者带入一个由不断更新的娱乐产品构筑的迷宫。文字中充斥着大量术语,但这些术语似乎并非电影制作领域的专业词汇,更像是市场营销或粉丝文化圈内部的黑话。我努力在这些复杂的描述中寻找电影叙事的踪迹,但看到的更多是对“体验”和“沉浸感”的抽象探讨,这让我感觉自己正在阅读一本关于主题公园设计或大型现场活动策划的入门指南,与我对于DVD系列所期望的严谨的电影文献资料相去甚远。那种在黑暗影院中被光影攫住的魔力,在这里被一种更喧闹、更即时的快感所取代。

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整本书的结构组织也相当松散,缺乏一个贯穿始终的清晰主线。我原本期待的是一个按时间顺序或主题分类的系统性梳理,比如探讨特效技术如何一步步改变了电影的视觉语言,或者特定国家电影工业的发展路径。但这本书更像是将一系列不相关的访谈录、市场报告摘要以及零散的行业观察拼凑在一起。不同章节之间的过渡生硬,前一页还在讨论某个虚拟现实概念的潜力,后一页就跳跃到了某个音乐节的运营模式,这种跳跃性使得深度思考变得异常困难。我尝试去寻找作者对于“大银幕”这个核心概念的定义,是物理意义上的屏幕,还是某种象征意义上的媒介?答案始终是模糊的,它似乎在有意避开对电影本体的深入挖掘,转而泛泛而谈一切与“娱乐”沾边的现象。读完几个章节后,我有一种强烈的被信息轰炸感,而不是知识积累的满足感。

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最让我感到意外的是,这本书几乎没有提到任何具体的、可以被我们标记为“电影经典”的作品或人物。当我提到“大银幕影院系列”时,我的脑海中浮现的是梅里埃的魔术,是库布里克的镜头语言,是特吕弗的“作者论”。然而,这本书似乎完全绕开了这些里程碑式的成就。它关注的焦点似乎永远在“下一个”上,对于那些已经建立起来的、定义了电影艺术的基石却不屑一顾。它更像是一本关于“如何打破规则”的指南,而不是“如何理解规则”的教材。这使得整本书读起来像是一份充满激情但缺乏根基的行业提案,而不是一部能提供历史坐标的文化产品。如果一本声称是“影院系列”的书籍,无法让人在阅读过程中重温或发现那些真正震撼人心的银幕瞬间,那么它的“先锋”之名,便显得有些名不副实了,它似乎遗失了娱乐的灵魂——那份凝视光影的纯粹感动。

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从排版和配图(如果有的话,虽然我没有看到明显的配图)来看,这本书似乎追求一种极简主义或后现代主义的美感,但这进一步加剧了内容上的空洞感。我通常认为,一部关于影史或电影制作的书籍,应该配有大量的剧照、技术图解或者导演手稿的复刻,用视觉证据来支撑论点。但这本书的呈现方式,更像是某种宣言,而不是严肃的学术或专业著作。它的论述风格带有强烈的预言性,仿佛作者已经站在了未来,俯瞰着我们这些仍然沉迷于传统电影格式的人。这种高高在上的姿态,虽然制造了一种“先锋”的氛围,却牺牲了与普通影迷建立连接的亲切感。我渴望的是一种能带我走进幕后的、充满烟火气的讲述,而不是这种冰冷、过于理论化的未来展望,让我感觉自己更像是一个被告知“未来已来”的旁观者,而非一个学习者。

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这本书的名字听起来就充满了怀旧的魅力,让人忍不住想一探究竟。我本来是冲着“大银幕影院系列”这个名字去的,以为能找到一些关于经典电影制作幕后故事或者某个特定时期影史变迁的深度分析。然而,当我翻开这本书时,发现它的内容似乎完全转向了另一种完全不同的领域。首先吸引我的是那种对“先锋”一词的解读,它似乎并非聚焦于电影艺术的创新,而更像是在探讨某种文化现象或商业模式的演进。书中大量篇幅用于描绘一个以娱乐业为核心的社会图景,其中穿插着对特定年代流行文化符号的解读,但这些符号的引用与我预期的影院历史或电影技术革新几乎没有关联。我期待的是胶片时代的辉煌与落幕,是导演手法的演变,是配乐如何烘托情绪的细腻剖析,但得到的却是对某种新兴娱乐业态的宏观描述,这种错位感让我有些摸不着头脑。它更像是一部关于大众消费心理学的案例研究,而非我所设想的电影技术或艺术史的专著。

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