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出版者:天津人民美术

作者:

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2005-1

价格:65.00元

装帧:

isbn号码:9787530527368

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 绘画
• 艺术
• 文化
• 历史
• 名家
• 翰墨
• 中国传统文化
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翰墨流芳：一部探索中国古典诗词与书画精髓的传世之作 卷首语：探寻笔墨背后的千年风华 本书并非一部孤立的文献汇编，而是一次跨越时空的文化探寻之旅。我们试图剥开历史的层层面纱，深入中国艺术精神的核心领域——古典诗词与书画艺术的交融与并进。它立足于对经典文本的细致解读，辅以对历代艺术名家的深入剖析，旨在呈现中国文人士大夫如何通过诗与画的结合，构建起一个完整、深邃且极富生命力的精神世界。 全书结构宏大，脉络清晰，分为“意境的构建”、“笔墨的语言”、“主题的承载”与“时代的印记”四大核心部分，每一部分都力求从不同的维度，揭示中国古典艺术的内在逻辑与审美范式。 --- 第一部分：意境的构建——诗与画的同构思维 本部分着重探讨中国艺术中“意境”这一核心概念是如何被诗人和画家共同塑造和表达的。我们相信，在中国传统审美中，诗与画的最高境界并非简单的图文对应，而是达到一种“诗中有画，画中有诗”的同构状态。 一、虚实相生：留白之哲学 我们将从唐代山水画的“计白当黑”与宋词中“月落乌啼霜满天，江枫渔火对愁眠”此类以少胜多的手法入手，探讨中国艺术如何运用“虚”来凸显“实”。这种留白并非空白，而是蕴含无限想象的“有”，是艺术家高超的控制力与对宇宙观的深刻理解的外化。我们将对比西方艺术中对空间填充的倾向，凸显中国艺术在空间处理上的独特哲学。 二、情景交融：触物生情之媒介 重点分析历代诗人如何通过对特定物象（如松、竹、梅、月）的描摹，实现个人情感的投射。例如，苏轼笔下的“也无风雨也无晴”，是如何将个人心境与自然景象完美融合的。紧接着，我们将追溯这些意象在文人画（如“梅花图”、“竹石图”）中是如何被视觉化的，展示情感如何在不同媒介间自由转换，形成共振。 三、韵律与节奏：无声之音乐 诗词的韵律感和节奏感是其生命力所在。本章将深入分析格律诗的平仄变化如何对应到书画创作中的线条、结构和布局。例如，张择端的《清明上河图》中的动态节奏，与杜甫诗歌中跌宕起伏的叙事节奏之间，存在着怎样的内在联系？我们尝试解构这种跨媒介的“听觉化”与“视觉化”的转化机制。 --- 第二部分：笔墨的语言——技法与精神的统一 本卷深入剖析构成中国艺术表现力的核心要素——笔墨，并将其视为一种具有独立意义的“语言系统”。 一、线条的生命力：书法的核心法则 本书详尽考察了中国书法的发展脉络，从篆隶的古朴到楷书的规范，再到行草的奔放。我们着重论述了“十八般技法”中，每一种笔法（如“蚕头燕尾”、“飞白”、“枯笔”）所蕴含的象征意义和情感强度。随后，我们将这些书法笔法如何被融入山水画与花鸟画的皴法（如披麻皴、斧劈皴）之中，形成一种“以书入画”的独特技术范式，探讨其在元四家作品中的体现。 二、墨色的层次：从“一墨多用”到“墨分五色” 不同于西方绘画对色彩的依赖，中国画更擅长于通过墨色的浓淡干湿来表现丰富的光影与质感。本书将详细解析古代画家对“墨分五色”的追求，即如何利用水量的控制，在单一的黑色体系中创造出仿佛包含所有色彩的层次感。这种对物质局限性的超越，本身就是一种极高的艺术智慧。 三、结构的力量：章法与布局的玄机 论述画面（或诗篇）的整体结构如何服务于表达主题。这包括画面的“疏密安排”与诗歌的“起承转合”。我们分析了明代中后期画作中对“S”形结构和“对角线”构图的运用，并将其与古典诗歌的结构逻辑进行对比，揭示其背后共同遵循的平衡与变化原则。 --- 第三部分：主题的承载——文人精神的载体 这一部分聚焦于古典艺术经常表现的几大核心主题，阐释这些主题如何被赋予了深刻的道德和哲学内涵。 一、山水寄情：天地人合一的追求 山水画不仅仅是对自然景观的记录，更是文人“安顿心灵”的场所。本章深入探讨魏晋风度对山水画的影响，以及宋代“理学”思潮如何推动山水画从模仿自然走向体悟自然。我们将分析董源、巨然等早期山水画大师的作品，如何体现人与天地和谐共处的理想。 二、梅兰竹菊：高洁品格的象征谱系 重点剖析“四君子”题材在文人画中的演变。每一君子所代表的道德品质（如竹之虚心、梅之傲骨）是如何通过特定的笔墨语言被固化和传播的。我们将对比不同朝代对同一主题的不同处理方式，观察其背后社会风气的变化。 三、历史与隐逸：对“出世”与“入世”的辩证思考 诗词与绘画中充斥着对历史兴亡的感叹和对隐逸生活的向往。本章将分析杜甫的“忧国忧民”主题与王维的“诗中有禅”主题如何共同构建了中国士大夫复杂的情感光谱。我们讨论艺术如何成为他们表达政治抱负和个人退守的微妙媒介。 --- 第四部分：时代的印记——艺术风格的流变与对话 最后一部分，我们将时间轴拉长，考察不同历史时期，诗画艺术风格如何随社会思潮而变化，并展现出不同历史阶段的独特气质。 一、盛唐气象与宋代精微 对比盛唐诗歌的雄浑大气与宋代词的婉约细腻，并将其投射到各自时期的绘画风格上。唐代画作中对气势的追求，与宋代画作中对物象精确观察和理学思维的结合，形成鲜明对比。 二、元代的转型：复古与个性的张扬 着重分析元代文人（如赵孟頫、倪瓒）在元朝统治下面临的身份困境，以及这种困境如何促使他们将书法的个人化倾向推向极致，从而开创了更强调主观抒发、更追求“拙朴”意味的文人画新风。 三、明清的集大成与分流 考察明代院体画的工整与民间艺术的活力，以及清代“四王”对前代的集大成式摹古，与“四僧”突破传统、追求奇崛的个人创新之间的张力，展示中国艺术在面对自身传统时的自我革新与固守。 --- 结语：传统的生命力与未来的启示 本书的最终目的，是证明中国古典诗词与书画并非博物馆中的僵化遗物，而是具有强大生命力的艺术语言体系。理解其内在逻辑，有助于我们更好地理解中国人的思维方式、审美习惯以及对宇宙人生的终极关怀。它是一部旨在沟通古今、连接文心与物象的文化指南。 (全书共计约六十万字，配有大量高清高清图版与重要文本释义。)

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说实话，我买这本书主要是冲着它的装帧和“名赋翰墨”这个名字去的，感觉它应该会收录一些比较经典、能体现中国传统文人气息的作品。我比较注重阅读的体验感，包括字体排版、留白的处理，这些细节往往能反映出一本书的品味。我更喜欢那些不仅仅是简单罗列作品，而是能对作品有深入的鉴赏和解读的书籍。如果能有对那些经典篇章的背景介绍，比如创作时的心境、当时的社会环境，那无疑会大大增加阅读的趣味性和深度。我希望这本书能像一座桥梁，把我带回那个文人墨客们交流思想的雅集之上，感受他们那种超脱世俗的雅趣和对艺术的极致追求。

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我最近对中国古典文学中那些关于“气韵生动”的讨论很感兴趣。一本好的关于翰墨的书，不仅仅是展示文字的技巧，更重要的是要展现出作者内在的精神气质。我希望这本《名赋翰墨2》能够在文字的选择上，体现出一种高度的审美倾向，而不是泛泛而谈。我更看重那些能够让人读后产生共鸣的篇章，那些文字仿佛有生命力一样，能够在不同的时空下依然震撼人心。如果这本书能帮我梳理一下不同流派文人的笔墨特点，比如苏轼的豪放、李白的飘逸，那种对比和归纳会让我的理解更加系统。对于我这样一个业余爱好者来说，能够从这些大师的笔触中学到如何提升自己的审美层次，才是这本书最大的价值。

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我买书通常会考虑它对我日常工作和生活的影响。我从事的行业需要一定的文字功底和创意思维。我希望这本书能给我带来一些灵感，看看古代的大师们是如何运用最精炼的文字去描绘复杂的情感和场景的。我特别好奇，在那个信息传递相对不便的年代，文人们是如何锤炼字句，达到“言有尽而意无穷”的境界的。如果书中能穿插一些关于古代书写工具、纸张对书写效果影响的探讨，那就更好了，这些历史细节往往能让我对作品的理解更立体。我不太喜欢那种故作高深的解读，我更倾向于朴实而有洞察力的分析，能够让我真正领悟到文字的力量。

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坦白说，我买这本书是抱着一种探索的心态。我希望它不仅仅是文集，更是一部关于“生活美学”的教材。古代的文人，他们的生活方式、他们的审美取向，都深深地刻在了他们的笔墨之中。我希望通过阅读这些“名赋”，能让我反思一下现代人的生活节奏和精神状态。是不是我们为了追求效率，牺牲了太多对美的感知和对内心的沉淀？如果这本书能通过那些精妙的辞藻和深刻的意境，提醒我要慢下来，去感受生活中的点滴美好，那它就超出了单纯的阅读范畴，变成了一种精神上的滋养。我期待它能提供一种不同于当代快餐文化的阅读体验，带来更深层次的精神慰藉。

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这本《名赋翰墨2》拿到手的时候，我就被它那个古朴典雅的封面设计吸引住了。装帧很有质感，纸张的触感也相当不错，一看就是用心制作的书。我个人对古代文人的风骨和他们的笔墨精神特别着迷，所以对这类主题的书籍总是抱有很高的期待。我希望它能带我深入了解那个时代文人是如何通过文字来表达他们的志向、情感和对世界的理解的。尤其关注那些在历史长河中留下深刻印记的大家，他们是如何在翰墨中寄托家国情怀，如何在诗赋中展现个人的才情与傲骨。我期待能从中汲取一些力量，让我在面对当下的生活时，也能保持一份文人的那份气节和对美的追求。如果这本书能生动地描绘出那个时代文人的精神图谱，我想我会非常满意。

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