具体描述
《二十世纪中国绘画美学》是作者孔新苗的博士论文，获2002中国艺术研究院美术研究所美术学学术著作提名奖和2003山东省社科优秀成果奖。
用明晰的线索、形象的语言，把20世纪中国美术的基本历程进行了梳理与阐释，资料丰富。
作者简介
孔新苗，生于青岛，毕业于山东师范大学(学士)，南京艺术学院(硕士)，山东大学（博士）。研究方向：艺术美学，美术教育。研究特点：注重从当代艺术美学的新视野展开对艺术问题的研究，在20世纪中国美术和中西艺术比较研究方面做出了在国内具有领先水平的成果；长期参与国家基础教育课程改革，任基础教育全国统编教材主编。主要学术工作：中国风景油画展二等奖（1995），山东省省级教学成果奖(2000)、山东省社会科学优秀成果奖(2001)、刘勰文艺评论奖(2002)、中国艺术研究院美术研究所学术著作提名奖（2002），泰山文艺奖银奖(2004)等。主持并完成：国家教育部人文社会科学“九五”规划项目，国家基础教育新课程标准实验教材项目，山东省教育厅“十五”规划文科重点项目。目前主持山东省社科重点项目一项。代表性学术专著：《20世纪中国绘画美学》、《中西美术比较》、《西方后现代绘画》、《齐鲁民间造型艺术》。在《文史哲》、《文艺研究》、《美术》、《美术观察》等国家核心学术期刊发表论文20余篇。荣誉称号：山东省德艺双馨中青年文艺家、山东省高校教学管理工作先进工作者。现任：山东师范大学美术学院院长、艺术学研究所所长，教育部省属高校人文社会科学重点研究基地专职研究员。山东省美术家协会副主席，山东油画学会副主席兼秘书长，中国美术家协会会员。中国艺术教育促进会理事，山东省教育学会美术教育专业委员会理事长。山东省社科优秀成果第六届评选委员会成员，山东省文化艺术科学协会副会长。
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用户评价
我一直觉得，艺术史的叙述，往往是宏大的、集体的，但忽略了其中个体的声音。《二十世纪中国绘画美学》这本书，在这方面给我留下了深刻的印象。它不仅仅关注了那些名家大师，更深入挖掘了那些虽然没有获得巨大声名，但在艺术探索上同样做出重要贡献的艺术家。书中对不同地域、不同流派的画家们，他们各自的美学追求和艺术实践，都进行了细致的梳理。我尤其欣赏书中对于“学院派”与“文人画”在二十世纪的碰撞与融合的分析。这让我看到，即便是表面上截然不同的两种艺术传统，在时代的洪流中，也能找到彼此连接的契机，并从中激发出新的艺术火花。它打破了我之前对艺术流派的刻板印象，让我明白，艺术的边界并非固定不变，而是充满了可能性。通过阅读这本书，我不仅学习到了关于艺术的知识，更感受到了艺术家们那种不断探索、勇于突破的精神。它让我明白，艺术的生命力，恰恰在于那些不被主流所定义的、默默耕耘的声音。
评分作为一名对中国近现代史略有了解的普通读者，我一直对那个时代艺术家们的生存状态和创作困境感到好奇。《二十世纪中国绘画美学》这本书，以一种非常人性化的视角，揭示了在风云变幻的时代背景下，艺术家们如何在政治、社会、文化的多重压力下进行艺术创作。书中对“革命美术”的分析，让我对那个时期绘画的功能性有了更深刻的认识。它不仅仅是装饰或审美的产物，更承担了教育、宣传、动员等重要社会功能。我看到了艺术家们如何用画笔去记录历史、歌颂新生活、塑造英雄形象，以及在这种创作过程中，他们如何平衡艺术的自主性与时代的需要。书中的一些案例，比如画家如何在题材选择、人物塑造、色彩运用等方面受到当时意识形态的影响，又如何在这些限制中寻找表达的可能性，这些都让我对艺术家的创造力有了全新的认识。我开始理解，为什么在那个时期，一些作品会显得“概念化”或“模式化”，也更能体会到那些在夹缝中依然保持独立思考和艺术追求的艺术家们的勇气和智慧。这本书让我看到了艺术的另一面，它并非总是阳春白雪，有时也需要深入泥土，与生活搏斗。
评分阅读《二十世纪中国绘画美学》的过程，对我而言，更像是一次与历史对话的深度体验。我一直觉得，艺术是时代的镜子，而二十世纪的中国，经历的是前所未有的动荡与新生，这面镜子自然会映照出最复杂、最深刻的景象。这本书没有回避这些复杂性，而是直面艺术家的困境与抉择，他们在旧有的美学体系中寻找出路，同时又被时代的要求所裹挟。书中关于“写实主义”在二十世纪中国绘画中的影响，以及它如何被本土化、中国化，从而形成一种既有西方绘画的严谨，又不失东方韵味的独特风格，这部分内容对我触动很大。我开始意识到，艺术的创新并非总是颠覆式的革命，更多时候是吸收、转化与融合。艺术家们如何将西方透视法、解剖学等知识融入水墨的创作，如何用油画的色彩观念去丰富中国画的颜料运用，这些实际的探索，在书中被细致地梳理和阐释。它让我看到，即便是最“写实”的作品，也蕴含着艺术家对自然、对生活、对时代的独特观察和情感投射。尤其是书中提到的一些边缘化的艺术家群体，他们的作品可能不如主流那样被广泛认知，但他们的探索同样具有重要的意义，这本书的价值就在于将这些声音也纳入了历史的叙述之中，让我们可以从更广阔的视角去理解那个时代的艺术生态。
评分一直以来，我对中国传统艺术的理解都比较碎片化，像是散落在夜空中的星星，各自闪耀，却难以连成一片璀璨的银河。偶然翻阅到《二十世纪中国绘画美学》这本书，我抱着一种探寻的态度，希望能借此建立起一个更清晰、更系统化的认知框架。它提供的视角，不是简单地罗列画家和作品，而是深入探讨了在这个剧烈变革的时代，中国绘画在吸收西方艺术思潮、回应社会现实、以及自我革新过程中所经历的美学探索与挣扎。书中对“新中国画”的起源、发展及其美学特征的分析，尤其让我印象深刻。它不仅仅是关于技巧的革新，更是关于观念的转变，是艺术家们如何在传统水墨的基因里注入时代精神，如何用笔墨去书写属于那个时代的集体记忆与个人情感。我开始理解，为何有些作品在形式上看似传统，却能唤起如此强烈的时代共鸣；为何有些创新，在当时看来是颠覆性的，如今却被视为连接过去与未来的桥梁。这本书让我对“美学”这两个字有了更深的体会，它不再是悬浮在空中的理论，而是鲜活地存在于每一幅画作的笔触、色彩、构图之中，是画家们在时代洪流中，为自己、为民族寻找到的独特表达方式。我尤其欣赏书中对不同流派、不同艺术家的多维度解读，它们并非简单地褒贬，而是试图还原他们在特定历史语境下的创作动机和美学追求，这使得我对二十世纪中国绘画的理解更加立体和 nuanced。
评分我一直认为，艺术的价值，不仅仅在于其 Aesthetic Appeal，更在于它能够引发思考。《二十世纪中国绘画美学》这本书，在这方面做得非常出色。它没有给我灌输任何“标准答案”，而是通过对历史、对作品、对艺术家思想的深入挖掘，引导我去独立思考。我尤其被书中关于“美学革命”的讨论所吸引。二十世纪的中国，经历了剧烈的社会变革，艺术的美学观念也随之发生了深刻的变化。这本书探讨了艺术家们如何挑战传统的审美规范，如何探索新的艺术语言，以及这些探索背后所代表的时代精神。它让我看到，艺术的美学，并非一成不变，而是随着社会的发展而不断演进的。书中对一些争议性作品的分析，也让我学会了从不同的角度去看待艺术，理解艺术的复杂性和多样性。我不再轻易地用“好”或“坏”来简单评价一幅作品，而是尝试去理解其创作的初衷、所处的时代背景，以及它在艺术史上的地位。这本书让我对“美学”有了更深刻的理解，它是一种思想，是一种对世界、对生活、对人性的独特表达方式。
评分对我而言，艺术评论就像是一门“看见”的艺术。《二十世纪中国绘画美学》这本书，恰恰教会了我如何去“看见”二十世纪中国绘画的美学价值。《二十世纪中国绘画美学》这本书，提供了一种全新的视角来理解中国画在二十世纪的转型。它不仅仅停留在对作品形式的分析，而是深入探究了艺术家在创作过程中所遵循的美学原则、所表达的思想观念，以及这些美学观念与社会文化变迁之间的内在联系。书中对“主题性创作”的讨论，让我理解了艺术在特定历史时期如何承担起记录和反映社会现实的功能。我看到了艺术家们如何运用自己的画笔，去捕捉那个时代的精神风貌，去描绘人民的生活，去歌颂社会的进步。这让我对“现实主义”在中国画中的应用有了更深刻的认识，它并非简单的模仿，而是一种带有强烈情感和主观判断的艺术表达。这本书让我明白，一件伟大的艺术品，不仅仅在于它描绘了什么，更在于它如何描绘，以及它所传达的深层意义。通过这本书，我学会了如何更敏锐地去捕捉画面中的细节，如何去品味笔墨的韵味，以及如何去理解艺术家所处的时代背景，从而更深入地领略中国画的独特魅力。
评分在我看来，阅读一本关于艺术史的书，如果只是枯燥地罗列年代和作品，那将是相当乏味的。庆幸的是，《二十世纪中国绘画美学》这本书，却充满了鲜活的生命力，它将艺术史变成了一个生动的故事。《二十世纪中国绘画美学》这本书，用一种非常具象化的方式，展现了中国绘画在二十世纪所经历的“破”与“立”。它并没有回避那个时代中国画所面临的困境，比如西方绘画的冲击、传统技法的衰落等，而是深入分析了艺术家们如何在这种困境中寻找出路。我特别欣赏书中对“传统与现代”关系的探讨。它没有简单地将传统与现代对立起来，而是展示了艺术家们如何在传承传统的同时，又积极吸收现代的元素，从而创造出新的艺术生命力。书中对“笔墨”在现代中国画中的演变，以及如何赋予笔墨新的时代内涵的论述，让我对中国画的精髓有了更深的理解。我看到了，笔墨不再仅仅是技法的运用，更是一种精神的载体，一种情感的表达。这本书让我重新审视了许多我曾经觉得“不够传统”的现代中国画作品，我开始欣赏它们在继承和创新中所付出的努力和取得的成就。
评分我一直认为，艺术的魅力在于它能够超越语言，直接触动人的内心。《二十世纪中国绘画美学》这本书，恰恰做到了这一点，而且是以一种极其细腻和富有洞察力的方式。它没有给我灌输任何预设的“标准”，而是引导我去感受，去思考。我尤其被书中关于“意境”在现代中国绘画中的演变与再造的论述所吸引。传统中国画中的“意境”，是一种形而上的追求，是一种“笔外之意”。在二十世纪，当西方强调具象、写实时，中国的艺术家们如何保留、创新甚至重新定义“意境”，这是一个非常值得玩味的问题。书中通过对不同画家作品的分析，展示了他们在画面构图、色彩运用、线条表现等方面所做的尝试，这些尝试既是对传统意境的继承，也是对现代审美的回应。我开始能够理解，为什么有些现代中国画作品，即便画面元素看似简单，却能带给人无穷的遐想；为什么有些作品，在描绘当下生活场景时，依然能传递出一种超越时空的诗意。这本书让我意识到，美学并非是僵化的教条，而是流动的、变化的，它与时代、与文化、与人的精神状态息息相关。它鼓励我去发现画面中的“留白”，去品味笔墨的“韵味”，去感受艺术家想要传递的“气韵生动”。
评分我一直认为，艺术的魅力在于它能够跨越时空的界限，与观者进行心灵的对话。《二十世纪中国绘画美学》这本书，恰恰做到了这一点，它让我仿佛置身于那个波澜壮阔的时代，与艺术家们一同进行美学的探索。书中对于“创新”与“传承”之间关系的探讨，是我最为欣赏的部分。它没有简单地鼓吹创新，也没有停留在对传统的怀旧，而是深刻阐释了艺术家们如何在根植于中国传统绘画的土壤上，大胆吸收西方绘画的养分，并将其转化为具有时代精神的中国式语言。我特别被书中对“写意”在中国现代绘画中的演变与发展所吸引。它展示了艺术家们如何用现代的审美观念去理解和诠释“写意”，如何让笔墨在新的时代背景下焕发出新的生命力。这让我对“意境”有了更深的体会，它不再是模糊的，而是通过现代艺术家们的创造，变得更加具象、更加鲜明。这本书也让我意识到，美学并非是单一的、固定的，而是多元的、发展的，它与时代、与文化、与民族的精神紧密相连。通过阅读此书，我不仅拓宽了对中国绘画的认知，更重要的是，它激发了我对艺术的无限好奇和探索的欲望。
评分一直以来，我对于“风格”的理解比较模糊，总觉得是画家的一种个人标志。《二十世纪中国绘画美学》这本书，则为我提供了一个更系统、更深入的理解框架。它不仅仅是探讨画家个人的风格演变，更是将这种风格置于更广阔的文化语境中去审视。书中对“中西融合”这个概念的剖析，让我看到，风格的形成，是多种文化、多种思想碰撞、激荡的结果。艺术家们如何借鉴西方绘画的技巧，如何吸收西方艺术的观念，同时又如何将其与中国传统绘画的审美基因相结合，从而形成具有时代特色的“中国风格”，这部分内容对我启发很大。我开始能够区分，哪些是纯粹的模仿，哪些是深刻的理解与创新。书中也谈到了不同的地域、不同的艺术院校对风格形成的影响，使得我对风格的认识不再是孤立的，而是更加立体和多元。我理解了，风格的形成，是一个动态的过程，是艺术家在不断学习、探索、反思中形成的独特“语言”。通过这本书，我学会了如何去观察一幅画作的风格特征，并尝试去理解其背后所蕴含的文化逻辑和艺术家的人格魅力。
评分不少硬伤，如看各章标题不知所云，通篇以“主义”、“…化”等大词串起，滥用崇高、和谐等词汇。大概是太想明确这是美学博士学位论文而不是美术史吧。
评分不少硬伤，如看各章标题不知所云，通篇以“主义”、“…化”等大词串起，滥用崇高、和谐等词汇。大概是太想明确这是美学博士学位论文而不是美术史吧。
评分不少硬伤，如看各章标题不知所云，通篇以“主义”、“…化”等大词串起，滥用崇高、和谐等词汇。大概是太想明确这是美学博士学位论文而不是美术史吧。
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评分不少硬伤，如看各章标题不知所云，通篇以“主义”、“…化”等大词串起，滥用崇高、和谐等词汇。大概是太想明确这是美学博士学位论文而不是美术史吧。
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