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出版者:荣宝斋出版社

作者:北京画院《中国画》编辑部

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:1995-01

价格:18.00

装帧:16开本铜版纸彩印平装

isbn号码:9787500301837

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 技法
• 临摹
• 国画
• 教程
• 入门
• 写意
• 工笔

故纸堆中的回响：一部关于宋代文人园林与审美变迁的札记 图书名称： 《清溪雅集：宋代文人士大夫的园林营造与精神景观》 图书简介： 本书深入探究了宋代文人士大夫阶层在特定历史和社会背景下，如何将对自然的理解、哲学的思考以及审美的情趣，融入到他们对私人园林空间的营造之中。这不是一部关于建筑形制或园林技术的手册，而是一部试图还原彼时文人心灵世界与物质空间交融的文化史考察。 宋代，一个文人力量空前强大的时代，其艺术与思想的转向，深刻地影响了人们对“居所”的定义。从唐代追求的恢弘气象，转向宋代对内敛、精微、富含意趣的“雅”的极致追求。这种转变，在园林这一特定的人造自然空间中体现得淋漓尽致。 第一章：风动竹梢——宋代士大夫的精神底色与“隐逸”情结的重塑 本章首先回溯了魏晋以来的“山水情结”在宋代的演变。北宋中后期，随着理学思潮的兴起和科举制度的成熟，士大夫群体面临着入世与出世的永恒张力。园林，恰恰成为他们“半隐”的理想场所。我们考察了苏轼、欧阳修等人在文学作品中对理想栖居地的描绘，分析了“竹”与“石”——这两种核心意象——如何从单纯的自然物，升华为承载文人道德操守与人格象征的符号。重点剖析了“清”与“淡”的审美标准，它们如何取代了早前对奇险景色的追逐，成为衡量园林艺术高下的标尺。 第二章：一角天地——从“大观”到“可游可观”的尺度革命 宋代文人园林的一个显著特征是其尺度的内敛化。本书通过对现存宋代文献（如《营造法式》的相关部分记载与文人笔记的相互印证），揭示了他们如何将宏大的自然景观“浓缩”于有限的宅院之内。这不仅仅是空间上的压缩，更是一种精神上的提炼。我们详细研究了“借景”手法的运用，它如何打破围墙的界限，将远山、近水纳入园主的精神版图。特别是对“漏窗”和“花窗”的分析，这些精巧的几何分割，使观者在移步换景之间，体验到一种节奏感和诗意化的叙事结构。 第三章：点石成金——太湖石的文化挪用与物哀之美 太湖石，作为宋代园林的核心元素，其地位得到了空前的提升。本书花费大量篇幅探讨了太湖石如何从供帝王赏玩的奇石，转变为文人哲思的载体。我们审视了“瘦、透、漏、皱”的审美标准，并将其置于宋人的“尚奇”与“尚朴”的矛盾美学中进行考察。通过分析米芾“假山之癖”，我们探讨了文人如何通过对自然残缺之美的迷恋，来表达对人生无常的体悟，这是一种深沉的“物哀”精神的体现。 第四章：诗意栖居——空间叙事与情感的植入 宋代园林的设计，强调“以诗为景，以景入画”。本章着重分析了匾额、楹联、题刻在空间构成中的作用。这些文字符号，不再是简单的装饰，而是引导观者进入特定情感场域的“精神导轨”。我们对比了不同文人园林中对“曲径”和“水榭”的处理：曲径曲折，象征了士人仕途的坎坷与内心的幽微；水榭临水，则为他们提供了远离尘嚣、进行哲学思辨的场所。园林中的每一处景致，都被赋予了与诗歌相通的隐喻。 第五章：器具的哲学——文玩、茶事与日常的艺术化 园林不仅是看景之地，更是社交与修身之所。本书考察了宋代文人日常器物，如瓷器、香炉、茶具，在园林空间中的陈设逻辑。茶宴的兴起，使得“茶室”和“曲水流觞”成为园林功能的重要组成部分。这种对日常生活的精微化和艺术化处理，体现了宋人“格物致知”的学术精神如何延伸到生活美学的实践层面。园林中的一张几、一束插花，皆是其内在修养的外化表达。 第六章：南北异趣与审美扩散 最后，本书将视野扩展到对南北方园林风格的初步比较。虽然重心在于文人园林，但我们也审视了皇家园林（如《营造法式》所载）与私人园林在审美趣味上的互动与分野。同时，探讨了宋代园林审美趣味如何通过版画、绘画等媒介向更广阔的社会阶层扩散，影响了后世的园林观念，并为明清园林艺术的繁盛奠定了坚实的思想与物质基础。 本书旨在通过对历史文献、考古发现以及传世书画的细致梳理，重构一个充满诗意、哲学思辨和精致美学的宋代文人园林世界，揭示其作为一种独特的东方生活艺术的深刻内涵。

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翻开这本画集，我立刻被那种扑面而来的大气场所震撼。它收录的很多作品似乎都带有明显的地域色彩，我猜测是集中展示了某个特定时期或流派的集体面貌。画面的构图往往极为开阔，动辄就是气势磅礴的山川大河，那些高耸入云的峰峦，仿佛是用尽了画家全身的力气去“吼”出来的。其中对赭石和花青的运用尤其大胆，色彩对比强烈，饱和度极高，给人一种强烈的视觉冲击力。我特别留意了其中几幅人物画，虽然篇幅不大，但人物的神态刻画入木三分，寥寥数笔，便勾勒出了劳动人民的坚韧与朴实，那种“泥土气”非常真实，不矫揉造作。如果说有些画册追求的是“美”，那么这本更多追求的是“力”和“真”。不过，对于初学者来说，可能需要一些导览才能完全理解其中某些激烈的笔触所蕴含的深意，因为这种表现手法有时会显得略微粗犷，不像传统工笔那样易于亲近。

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这本书的开本相当适中，不是那种动辄需要展开两三页才能欣赏的大开本，便于我日常在书房的案头翻阅和临摹。我尤其喜爱其中对于“意笔”作品的处理。那些看似随意、一挥而就的写意花鸟，实则蕴含着极高的技巧密度，尤其是对墨分五色的掌控，简直是出神入化。比如某几幅竹子的画作，用湿墨晕染出的层次感，比干笔勾勒的轮廓更具生命力，那种“墨分五色”的微妙变化，是AI和当代技术很难完全复刻的。每一次翻阅，都能从中发现新的细节，比如某一片叶子的脉络、某个枝干的转折，都似乎在无声地诉说着画家当时的情绪波动。它不仅仅是一本画册，更像是一本“技法解构”的宝典，对于我们这些醉心于中国画传统笔墨的人来说，其参考价值是无法估量的，是值得反复揣摩的良师益友。

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我最近一直在研究明代晚期以吴门画派为代表的“雅”与“俗”的冲突与融合。这本画册中收录的作品，恰好提供了一个绝佳的对比样本。一方面，我们能看到那些文人画家如何通过枯涩的笔墨来表达内心的孤独与清高，对笔墨语言的自我探讨达到了极致，追求的是一种脱离世俗的“士气”。另一方面，其中也穿插着一些民间艺术风格浓厚的作品，那些色彩明快、造型夸张的题材，充满了生活气息和旺盛的生命力，它们之间的张力非常有意思。这本书的编选者显然是下了苦心的，没有采用传统的朝代或流派的绝对划分，而是通过主题或风格的相似性进行串联，使得观者的目光得以在不同的审美体系之间自由穿梭。这种打破常规的编排方式，反而激发了我更多的联想和思考，让我看到了中国画艺术脉络中更为复杂和多元的一面，而非单线性的发展史。

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这本书的装帧和排版，说实话，有些出乎我的意料，它呈现出一种近乎学术资料汇编的严谨感。版式的设计非常工整，每一幅画作都占据了相对固定的篇幅，且几乎没有多余的文字说明或评论穿插其中，这种“留白”的处理，反而让观者能够专注于作品本身，进行纯粹的视觉对话。我仔细比对了其中几幅历代名家的摹本，装裱的精度令人印象深刻，尤其是对细微皴法的还原度，几乎可以乱真。这套书的价值，很大一部分在于它为研究者提供了一个可靠的参照系。我发现，有些名作的原作在不同时期的光线下观察，效果截然不同，而这本画册通过精心的布光和扫描，尽可能地呈现了原作在特定环境下的视觉效果，这对于研究者分析画家当时的创作状态极有帮助。它更像是一部艺术史的工具书，而不是一本单纯的“赏画集”。

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这部厚重的画册，初捧在手，便觉沉甸甸的，仿佛时光的重量也被一同凝固其中。内页的纸张质感极佳，那种略带粗粝的触感，与泛着柔和光泽的印刷品形成了有趣的对比，让人忍不住想多摩挲几遍。我最欣赏的是其中对于宋代文人画意境的捕捉，那种“可游、可居、可望、可游”的境界，不仅仅是笔墨技巧的展示，更是一种生活哲学和精神追求的体现。尤其是几幅描绘江南烟雨的作品，墨色的浓淡变化处理得炉火纯青，远山近水之间的虚实处理，简直达到了“计白当黑”的极致。看久了，耳边似乎真的响起了竹林间的风声和溪水潺潺的声音，这种身临其境的代入感，是许多当代画集难以企及的。装帧设计也很有品味，没有过多花哨的装饰，只是用素雅的封面衬托出内里作品的庄重与深邃，整体风格非常古典、内敛，符合我对传统艺术审美的期待。这本书绝非速食的视觉快餐，它要求观者放慢脚步，用心去“读”每一笔线条背后的气韵和文脉。

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