中国名画遗珍

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出版者:天津人民美术出版社
作者:本社 编
出品人:
页数:354
译者:
出版时间:2005-1
价格:85.00元
装帧:
isbn号码:9787530528150
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《中国名画遗珍》在这里指被遗漏未出版的名画珍品。改革开放以来,由于人民生活水平的普遍提高,对文化的需求日益增长,各出版社相继出版了许多艺术画册。天津人民美术出版社自上世纪80年代末开始,陆续出齐了自五代北宋以来历代著名画派画家的系列画册。并将国家各博物馆收藏的历代著名画派画家的重要作品基本出齐。随出我们又放眼海外出版了由陈传席先生主编的《海外珍藏中国名画》。

五千年中国传统文化名画名作多如瀚海,要想将重要作品全部收集出齐并非一件易事。尤其在清末,由于政治腐败,国力衰弱,列强入侵不择手段掠夺,使我国不少历代名画名作流失海外。清末民初宫庭内部和国内外不法势力勾结,不少珍贵文物被盗出,溥仪出宫时又带出大量文物散落民间,使许多文物和珍贵作品流失,下落不明。不少有识之士多年来从事回收征集工作。可喜的是,由于我国经济发展国力增强,出现了文物回流现象。经国人多年努力,虽然有部分作品重归北京故宫博物院和台北故宫博物院,但仍有不少作品还未回归。

历史的低语:宋元明清文人画的审美嬗变与精神流变 一部聚焦中国古代文人精神世界的深度力作,旨在解构“士人”身份认同如何在笔墨间留下永恒的印记。 本书并非聚焦于那些流传有序、装裱完备、被奉为国宝的“名画遗珍”,而是将目光投向了更广阔、更私密、更具探索性的领域:中国宋、元、明、清四代文人画(士人画)的内部逻辑、审美变迁及其背后的文化哲学根基。 它是一部关于“如何看画”而非“看什么画”的论著,试图揭示文人士大夫在特定历史语境下,如何运用“笔墨”这一媒介,实现对自我、对山河、对朝代的复杂回应与精神自洽。 第一部分:宋代的“内敛”与“格物致知” 宋代,尤其北宋,是中国文人精神塑造的关键时期。不同于唐代重“气势”与“外显”,宋代文人画深受程朱理学的影响,强调“格物致知”与“天理自然”。本书将深入探讨以下几个核心议题: 1. 院体与士人:界限的模糊与确立。 我们将梳理李公麟、郭熙等人的作品,分析他们如何将“写实”的技法融入士大夫的“写意”追求中。重点剖析郭熙《早春图》中对“可游、可居、可观”三远法的哲学阐释,这不仅仅是空间处理技巧,更是士人对理想居处和宇宙秩序的模拟。 2. 诗意与技法:以书入画的初步确立。 宋代文人画的初步自觉,体现在对笔墨自身趣味的强调上。本书将细致分析苏轼提出的“论画以形似,见与鄙夫之见”,论证“意在笔先”如何开始取代对物象的绝对忠实。我们将考察米芾父子对“宋元之际”影响深远的“点墨”技法,以及这种不拘泥于线条的松动,如何呼应了士人对僵化体制的反思。 3. 徽宗的“院体”与士人的疏离。 尽管宋徽宗将画院推向了技艺的巅峰,但本书将论证,正是这种高度程序化、强调技巧精准的院体,反而促使追求个体精神自由的文人,更加坚定地走向“不事丹青”、“直抒胸臆”的道路。 第二部分:元代的“遗民”与“笔墨的革命” 元代是文人画发展史上的一个高峰,其核心驱动力源于政治变迁——汉族知识分子在异族统治下的身份焦虑与文化坚守。 1. 四家体系的构建与文化身份的投射。 本部分将聚焦“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)。我们将分别解析: 倪瓒的“绝笔”与“空白的哲学”: 倪瓒的画作中充斥着极简的树木、稀疏的茅屋,以及大量的留白。这种“空寂”并非技术上的不足,而是对尘世喧嚣的彻底抽离,是对“无事之境”的追求,是遗民知识分子精神避难所的极致体现。 黄公望与“读书法”: 考察黄公望对董源、巨然一脉的继承与发展,特别是他将书法中的皴法融入山水,使笔墨自身成为了表达情绪的载体,而非单纯的描摹工具。 王蒙的“郁茂”与历史记忆: 与前三家相比,王蒙的作品往往笔墨繁复,层层叠叠。本书将探讨这是否反映了他在相对稳定环境下,对传统文化(尤其是“蒙学”)的深度重温与自我巩固。 2. 董其昌理论的奠基:南北宗的早期雏形。 在元代,尚未形成后世的“南北宗”对立,但技法上的分歧已然存在。我们将讨论当时士人如何开始讨论“用笔”的优劣,以及这种讨论如何为董其昌后来的理论体系铺设了基础。 第三部分:明代的“复古”与“个性解放”的张力 明代文人画呈现出高度的复杂性,既有对元代传统的自觉继承与理论化,也出现了对个性和“趣味”的极端推崇。 1. 吴门画派的世俗化与雅致化。 沈周、文徵明、唐寅、仇英(尽管唐寅和仇英的身份略有不同,但他们均受吴门文化圈影响)。我们将分析文徵明如何通过精工细致的“复古”路线,将元代的精神内涵固化为一种可被精英阶层接受的“士人范式”。同时,对比唐寅的率真与文徵明的严谨,探讨“才子”身份对创作态度的影响。 2. 松江派:董其昌的理论“建筑师”。 董其昌不仅是画家,更是理论家。本书将着重分析其“南北宗论”的意义:它不仅是一种艺术史划分,更是一种政治哲学的投射。他借此区分了“以墨为主,不求形似”(文人——北方山水)与“以色为主,重形似”(院体/民间——南方山水),巧妙地为文人画(特别是董、倪一脉)确立了超越时俗的崇高地位。 3. 晚明“奇思”:徐渭与“狂怪”的价值。 在理论体系日趋僵化的背景下,徐渭以其泼墨大写意,将文人的情感表达推向了极端。他的花鸟画不再是“寓意”,而是近乎于“宣泄”。我们将解析这种“丑怪”或“野逸”的风格,如何成为晚明市民文化与个性解放思潮交汇的产物。 第四部分:清代的“正统”与“反思” 清代文人在面对一个更强大的异族统治(满清)时,其文化策略发生了转变。他们不再轻易地以“隐逸”来对抗,而是转向了对前代传统的“考据”与“集大成”。 1. “四王”的集大成与程式的固化。 王时敏、王鉴、王辉、王原祁。本书将剖析“四王”如何系统地整理和注释了元明以来的笔墨遗产。他们的作品往往追求“集古人之大成”,其画风精妙、笔法严谨,但同时也带来了程式化、缺乏“生气”的争议。我们将探讨,这种对“古意”的极致模仿,是否是清初士人面对“变局”时采取的“文化抵抗”策略——即用无可指摘的传统来巩固自身文化身份的唯一方式。 2. “四僧”的离经叛道与精神探寻。 与四王形成鲜明对比的是“四僧”——弘仁、髡残、朱耷(八大山人)、石涛(原济)。 朱耷的“白眼向人”: 重点分析八大山人的符号化(如孤鸟、怪石),探讨其如何将个人生命体验的悲怆转化为高度凝练的象征符号,其笔墨的“拙”与“怪”是对四王“雅”与“全”的有力反驳。 石涛的“我自用笔”: 石涛是清初理论的先声。他提出的“一家所有,一家所有,一家不拘”以及对“笔墨”、“趣味”的重新定义,是对四王集古人传统的反思。石涛试图在继承古意的基础上,实现彻底的个体创新,这标志着文人画从“怀古”向“创造”的最后一次重要尝试。 结论:笔墨之外的精神疆域 本书的终点不是对某一幅画的赞美,而是对一个跨越近千年的知识分子群体的精神史进行梳理。中国文人画的价值,正在于它提供了一个独特的视角,让我们得以观察在王朝更迭、社会剧变面前,一个阶层如何通过对“笔墨趣味”的坚守,来维护其道德理想和文化主体性。通过对这些遗珍之外的笔墨实践的深入考察,我们可以更清晰地看到,他们是如何在宣纸之上,构建了一个永不陷落的精神家园。

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当我拿起《中国名画遗珍》这本书时,我感受到了一种来自历史深处的宁静与厚重。它并非以华丽的辞藻去吸引眼球,而是以一种质朴而真诚的方式,向我展示了那些历经岁月洗礼的艺术瑰宝。书中的每一幅画作,都经过了精心的复制,色彩的还原度极高,细节之处清晰可见,让我仿佛能触摸到画作本身的质感,感受到笔墨在纸上的生命力。 然而,这本书最令我震撼的,是作者对每一幅画作的深度解读。他并非仅仅停留在对画作形式美的赞赏,而是深入挖掘作品背后的文化内涵、历史背景以及画家的创作心境。例如,在欣赏一幅描绘山水的画作时,作者会详细介绍画中所描绘的山川地貌,以及这些地貌在中国古代文人心中的象征意义,还会穿插介绍当时社会的政治经济状况,以及文人阶层的生活方式,从而帮助读者理解这幅画作为何会诞生,它又承载了怎样的时代精神。这种解读方式,让我不仅仅看到了画面的美,更能体会到画作背后所蕴含的深邃思想和情感。

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在我看来,一本真正优秀的艺术书籍,能够带领读者超越表面的视觉享受,去触及作品更深层的精神内核。《中国名画遗珍》无疑做到了这一点,它以一种沉静而庄重的方式,向我展现了中国古代绘画的辉煌成就。书中的每一幅画作,都经过了极其用心的复刻,色彩的还原度极高,笔墨的飞白、晕染都清晰可见,仿佛能感受到画家下笔时的气息。 更为重要的是,作者对每一幅画作的解读,都充满了智慧和洞察力。他并非仅仅停留在技法的层面,而是深入剖析作品所处的时代背景、文化语境,以及画家个人的思想情感。例如,在欣赏一幅描绘山水的画作时,作者会详细介绍画中所蕴含的哲学思想,如“天人合一”的理念,以及这些理念如何体现在画面的构图和笔墨之中。他还会探讨画作对后世的影响,以及它在中国美术史上的独特地位。这种深度的解读,让我不仅看到了画作的美,更能体会到画作背后所蕴含的东方智慧和审美追求,仿佛与古人进行了一次精神上的深度交流。

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我一直认为,真正的艺术书籍,不仅仅是图片和文字的堆砌,更应该是一种能够引发读者深度思考和情感共鸣的存在。《中国名画遗珍》无疑做到了这一点。当我翻开这本书,首先映入眼帘的是那穿越时空的笔墨,它们或奔放,或细腻,或婉约,或雄浑,每一笔都仿佛在诉说着一个古老的故事。书中收录的作品,无一不是经过历史的淘洗,留存下来的珍贵遗产,它们的出现,本身就具有着非凡的意义。 这本书最让我赞叹的,是它对于每一幅画作的解读。作者并非简单地介绍画作的技法和风格,而是深入挖掘作品背后的文化渊源、历史背景以及画家的创作心境。例如,在解读一幅描绘山水的画作时,作者会详细介绍画中所描绘的山川地貌,以及这些地理特征在中国古代文人心中的象征意义,还会穿插介绍当时社会的政治经济状况,以及文人阶层的生活方式,从而帮助读者理解这幅画作为何会诞生,它又承载了怎样的时代精神。这种解读方式,让我不仅仅看到了画面的美,更能体会到画作背后所蕴含的深邃思想和情感。

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读《中国名画遗珍》这本书,是一种非常独特且引人入胜的体验。它不像市面上很多浮光掠影的画册,而是以一种沉静而深入的方式,带领我走进中国古代绘画的殿堂。书中的每一幅画作,都经过了极其精美的复制,色彩的层次感和笔墨的质感都得到了极好的呈现,让我能够细致地观察到画家每一次落笔的痕迹,感受到墨色在纸上微妙的变化。 这本书最让我感到惊喜的是,它并非仅仅是图片的堆砌,而是提供了极其丰富和有价值的解读。作者不仅仅是对画作的表面进行描述,而是深入到画作的创作背景、历史渊源以及画家的艺术理念。例如,在介绍一幅描绘历史人物的画作时,作者会详细考证画中人物的身份、事迹,并将画作置于当时的政治历史背景下进行解读,让我能够理解画作背后所蕴含的时代精神和价值取向。同时,作者还会探讨画家的艺术手法,以及这些手法如何运用到具体画作中,从而达到最佳的艺术效果。这种深度的分析,让我不仅仅是欣赏画面的美,更是理解画面的内涵,理解中国古代艺术家是如何通过笔墨来表达思想、情感和对世界的理解。

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在我个人的阅读经历中,有一些书籍能够静静地躺在书架上,却能在不经意间,一次又一次地唤醒我内心深处的艺术情怀。《中国名画遗珍》便是这样一本令我魂牵梦绕的书。初次捧读,我就被它那份沉静而厚重的质感所打动,仿佛它本身就是一件艺术品,蕴含着历史的温度。书中的每一幅画作,都经过了极致的还原,无论是那些气势磅礴的山水,还是栩栩如生的人物,亦或是意境深远的写意,都清晰得如同亲眼所见。 然而,这本书最让我着迷的,是它所提供的深度解读。作者就像一位循循善诱的老师,不仅仅是展示画作本身,更是带领我走进画作背后的世界。当我面对一幅古老的山水画时,我会被作者对画作中地理特征的考证所吸引,会了解到这幅画可能描绘的是哪个具体的山川,以及这个地方在中国古代文人心中的意义。同时,作者还会结合当时的社会背景、文人生活,甚至是对画家个人经历的分析,来阐述画作的创作缘由和艺术价值。这种全方位的解读,让我不仅仅是欣赏画面,更是理解画面,理解画面所承载的时代精神和文化内涵,仿佛与古人进行了一次跨越时空的思想交流。

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作为一名对中国古代艺术情有独钟的读者,我曾有幸翻阅过无数描摹丹青的神品画册,但《中国名画遗珍》这本书,却以一种沉静而厚重的方式,在我心中激起了最深刻的涟漪。它并非简单地罗列名家名作,而是如同一个饱经沧桑的智者,缓缓道来那些穿越千年的笔墨传奇。初次捧读,我便被其精美的装帧所吸引,古朴典雅的封面设计,仿佛本身就蕴含着一股历史的余韵。随手翻开一页,扑面而来的是一幅幅高清复刻的画卷,其细节之丰富,色彩之饱满,几乎让我感觉自己置身于画作的现场,能够清晰地看到每一笔晕染的痕迹,每一处皴法的肌理,甚至能想象出画家当时的心境与笔触的力度。 书中对于每一幅画作的解读,更是让我拍案叫绝。作者并非流于表面的赞美,而是深入挖掘作品背后的历史背景、文化内涵以及创作技法。例如,在解读某幅山水画时,作者不仅详细介绍了画中所描绘的地貌特征,还联系当时的社会风貌、文人雅士的生活方式,甚至是对画家人生经历的剖析,使得这幅画不再是孤立的艺术品,而是与时代、与人物紧密相连的鲜活生命。我尤其喜欢作者对画作中意境的阐释,那些含蓄而隽永的留白,那些寥寥数笔勾勒出的山峦云海,在作者的文字下,仿佛被赋予了灵魂,诉说着古人的情怀与哲思。这种解读方式,既满足了我作为普通读者的审美需求,又为我提供了更深层次的文化理解,让我不仅看到了画,更读懂了画背后的故事。

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作为一名对中国传统文化充满敬意的读者,《中国名画遗珍》这本书,犹如一座精心搭建的艺术宝库,静静地向我敞开了它的大门。我第一次翻阅它时,就被其沉静而典雅的装帧所吸引,仿佛触碰到了岁月的脉搏。书中的每一幅名画,都经过了高清的复刻,色彩浓郁而富有层次,细节之处纤毫毕现,让我能够清晰地看到每一笔的晕染,每一处墨迹的干湿浓淡,仿佛置身于画作之中,与古人进行着一场无声的对话。 然而,这本书的价值远不止于精美的图片。令我最为受益的,是书中对每一幅作品的深入解读。作者并非简单地罗列画作的名称和年代,而是如同一个经验丰富的导游,带领我穿梭于历史的长河,去探寻画作背后鲜为人知的故事。我曾被一幅描绘仕女的画作所吸引,作者不仅细致地分析了画中人物的服饰、妆容,还结合当时的社会风俗,以及对女性的审美标准,为我描绘出一个生动的时代图景。更让我惊喜的是,作者还揣摩了画家的创作意图,以及画作可能存在的象征意义,这些解读,让原本静态的画面充满了生命力,也让我对中国古代社会有了更深切的理解。

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偶然间,我得到了一本《中国名画遗珍》,从此,我的艺术视野便被无限拓宽。这本书不仅仅是一本画册,更像是一部穿越时空的艺术史诗,它以其独特的视角和深厚的底蕴,为我打开了通往中国古代艺术殿堂的大门。书中的每一幅画作,都堪称国之瑰宝,它们经过了精美的印刷,色彩饱满,细节清晰,让我仿佛能触摸到画作本身的肌理,感受到笔墨在纸上的生命律动。 但最令我折服的,是作者在解读画作时所展现出的专业性和人文情怀。他并非简单地介绍画作的技法,而是深入挖掘作品背后的历史脉络和文化意义。例如,在介绍一幅人物画时,作者会详细考证画中人物的身份、服饰,并结合当时的社会风俗,为我描绘出一个鲜活的时代场景。他还会探讨画作的创作动机,以及它在美术史上的地位,这些深刻的分析,让我不仅看到了画作的视觉美,更理解了画作所承载的文化价值和历史意义。这种解读方式,让我感觉自己并非孤立地在看画,而是沉浸在那个时代的洪流之中,与古人进行着一场深度的对话。

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自从得到《中国名画遗珍》这本书,我便沉迷其中,仿佛打开了一个通往过去的大门,得以窥见那些曾经辉煌却又几近失传的艺术瑰宝。这本书并非仅仅是图录,它更像是一次穿越时空的艺术朝圣。书中的每一幅画作,都经过了极其细致的考证和精美的复制,色彩还原度极高,细节之处纤毫毕现,让我能够近距离地欣赏到古代大师们精湛的技艺。我曾花费数小时,仅仅是盯着一幅山水画中的树木,细细品味那笔锋的转折,墨色的浓淡,以及画家如何通过寥寥数笔,便赋予了树木生命般的遒劲与灵动。 更为重要的是,这本书的解读并非空洞的赞美,而是充满了历史的厚重感和人文的关怀。对于每一幅画,作者都做了深入的考据,不仅介绍画作的创作年代、作者生平,更重要的是,它会深入剖析画作所处的历史文化背景,以及它在中国美术史上的地位和影响。我尤其惊叹于作者对于画作背后故事的挖掘,那些关于画家与友人、画家与朝廷、画家与自然的种种传说,被娓娓道来,让原本静态的画面充满了戏剧性与人情味。比如,在介绍某幅人物画时,作者不仅细致描绘了人物的服饰、神态,更猜测了人物的身份、情感,甚至推测了画作的用途,这种严谨又不失想象力的解读,极大地丰富了我对画作的认知。

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《中国名画遗珍》这本书,是我近年来在艺术鉴赏领域遇到的一本极为珍贵的读物。它如同一位饱学之士,用其渊博的知识和细腻的笔触,为我揭示了一幅幅中国古代绘画的瑰宝。我尤为欣赏书中对每一幅画作的呈现方式,高清的复制,让那些穿越千年的笔墨,依然能够焕发出勃勃生机。我曾花费数小时,细细品味一幅山水画中的点景人物,观察他们的神态,想象他们的故事,而书中的文字,则进一步为我提供了更丰富的想象空间。 让我真正受益匪浅的,是作者对画作的深度剖析。他不仅仅是简单地介绍画作的历史沿革,更是深入挖掘画作的创作背景、文化内涵以及艺术技法。例如,在解读一幅描绘花鸟的画作时,作者会详细介绍画中的植物和鸟类的象征意义,以及这些象征意义在中国古代文化中的演变。他还会分析画家的构图方式、用笔用墨的特点,以及这些技法如何服务于画作整体的意境表达。这种详尽而富有洞察力的解读,让我不仅仅是欣赏画面的美,更是理解画面的内涵,理解中国古代艺术家是如何将自然万物与人文情感融为一体的。

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