446 548-2 巴赫:十二平均律曲集Ⅱ(CD)

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出版者:辽宁文化艺术音像
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页数:0
译者:
出版时间:1900-01-01
价格:70.0
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isbn号码:9787883661641
丛书系列:
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  • 巴赫
  • 十二平均律曲集
  • 古典音乐
  • 键盘音乐
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具体描述

《18世纪欧洲键盘音乐的辉煌遗产:巴赫之外的璀璨群星》 引言:时间的洪流与音乐的沙洲 当我们提及18世纪的键盘音乐,约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的名字无疑是那座巍峨的高塔,其《平均律钢琴曲集》构筑了西方音乐理论与实践的基石。然而,巴赫的光芒虽盛,却并非唯一的星辰。在那个充满变革、理性与情感交织的时代,欧洲的键盘音乐世界犹如一片广袤的星空,无数作曲家如同闪烁的星体,以各自独特的光芒,描绘出那个时代音乐审美的全景图。 本书旨在带领读者超越巴赫的宏伟光环,深入探索18世纪后半叶至19世纪初,欧洲大陆上那些同样卓越、却时常被历史阴影所遮蔽的键盘音乐巨匠及其作品。我们将聚焦于音乐风格的演变脉络——从巴洛克的精细结构向古典主义的清晰、平衡过渡,直至浪漫主义早期那汹涌澎湃的情感喷发。 第一部分:古典主义的曙光——维也纳学派的优雅与秩序 18世纪中叶,音乐的中心逐渐从莱比锡、柏林转向了新兴的文化熔炉——维也纳。这一时期的音乐强调旋律的清晰性、句法的平衡感以及奏鸣曲式的逻辑发展。键盘乐器也经历了重要的转型,羽管键琴(Harpsichord)逐渐被拥有更广阔动态范围的钢琴(Fortepiano)所取代,这直接影响了作曲家在力度和表情上的表达。 1. 多米尼科·斯卡拉蒂的“西班牙之光”与早期奏鸣曲的探索 虽然斯卡拉蒂(Domenico Scarlatti)的创作高峰略早于本书主要聚焦的时期,但他的影响力贯穿整个18世纪。他留下的五百多首单乐章奏鸣曲,以其惊人的技术难度、鲜明的西班牙民间音乐色彩以及对键盘音色的实验性探索,为后来的古典奏鸣曲奠定了重要的技术和结构基础。我们将分析其独特的“对称结构”和无止境的对位技巧,如何预示了古典主义的清晰布局。 2. 巴赫之子的遗产:柏林与德累斯顿的风格融合 巴赫的儿子们——特别是卡尔·菲利普·伊曼努尔·巴赫(C.P.E. Bach)——是连接巴洛克与古典主义的关键人物。C.P.E. 巴赫在汉堡发展出的“敏感风格”(Empfindsamer Stil)强调细腻的情感波动、突然的转调和不规则的节奏处理,这在很大程度上挑战了巴赫作品中的宏大叙事,转而聚焦于个体心灵的私密体验。我们将探讨他的键盘奏鸣曲如何运用这些技巧,预示了莫扎特和海顿的抒情性。 3. 维也纳三杰的奠基:海顿与莫扎特的奏鸣曲艺术 本书将重点分析弗朗茨·约瑟夫·海顿(Joseph Haydn)和沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特(W.A. Mozart)的钢琴奏鸣曲。 海顿的“幽默大师”:海顿的奏鸣曲(如Hob. XVI系列)是古典主义结构严谨性的典范。我们将深入解析他如何巧妙地运用主题发展、副部主题的性格对比,以及在看似简单的表面下隐藏的机智和幽默感。对于钢琴音色的把握,海顿的作品要求演奏者具备对力度变化(p/f的对比)的高度敏感性。 莫扎特的“心灵对话”:莫扎特的奏鸣曲,例如K. 331或K. 576,则将古典的平衡与歌剧般的咏叹调完美结合。本书将着重探讨他如何将歌唱性的旋律线条融入到奏鸣曲式的结构中,使钢琴仿佛拥有了人声的丰富情感层次。这些作品对踏板的早期运用及其对音色的影响也将被细致考察。 第二部分:从古典到浪漫的过渡期——路德维希的巨人之影 18世纪末期,路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven)以其革命性的创作,彻底重塑了键盘音乐的疆界。虽然他本人是古典主义的继承者,但其后期的作品已然成为浪漫主义的先声。 1. 贝多芬早期与中期的风格演变 我们将考察贝多芬早期奏鸣曲(如“悲怆”Op. 13)如何继承和发展了海顿与莫扎特的传统,同时引入更具戏剧张力的结构和更强烈的个人情感表达。随后,中期的“英雄式”作品(如“热情”Op. 57),展现了对钢琴技术极限的拓展,要求更大的力度对比、更快的速度和更复杂的和声。 2. 钢琴性能的飞跃与技术要求的提升 随着维也纳钢琴制造商(如布罗德伍德)改进了金属框架和弦槌的构造,钢琴的音量、延音和低音的浑厚度显著增强。贝多芬的作品正是充分利用了这一技术进步。本书将分析其晚期奏鸣曲(如Op. 109, 110, 111),如何利用这些新的音响特性,探索复杂的对位、变奏以及近乎神秘的宁静感,预示了舒曼和勃拉姆斯的内心世界。 第三部分:新兴的浪漫主义倾向——超越奏鸣曲的表达 19世纪初,随着社会对个体情感和主观体验的推崇,键盘音乐开始偏离传统的奏鸣曲结构,转向更自由、更具叙事性的体裁。 1. 克莱门蒂与菲尔德:即兴与“钢琴演奏大师” 穆齐奥·克莱门蒂(Muzio Clementi),被誉为“钢琴之父”,他的奏鸣曲和练习曲不仅是技术教学的范本,更代表了向钢琴技术巅峰迈进的努力。与之相呼应的是约翰·菲尔德(John Field),他首创的“夜曲”(Nocturne)体裁,以其缓慢的速度、歌唱性的旋律与分散和弦的伴奏模式,成为肖邦浪漫主义风格的直接先驱。我们将对比分析这两位大师对钢琴触键(Touch)的精妙处理。 2. 舒伯特:旋律的抒情与“瞬间的永恒” 弗朗茨·舒伯特(Franz Schubert)的键盘作品,特别是他的后期奏鸣曲和众多的即兴曲(Impromptu)与音乐瞬间(Moments Musicaux),展现了古典结构与浪漫主义抒情性的完美融合。他的音乐常带有一种深刻的忧郁和对逝去时光的眷恋。本书将探讨舒伯特如何通过重复的动机、广阔的呼吸感和令人惊叹的调性远跳,营造出一种“瞬间的永恒感”,彻底将键盘音乐引向了纯粹的情感表达领域。 结论:声音的传承与对话 《18世纪欧洲键盘音乐的辉煌遗产:巴赫之外的璀璨群星》旨在提供一个多维度的视角,理解18世纪键盘音乐是如何从巴洛克的精致复杂,发展出古典主义的清晰逻辑,最终在贝多芬和舒伯特的笔下,为19世纪的浪漫主义浪潮积蓄了澎湃的能量。通过对这些重要作曲家作品的细致解读,我们得以更全面地认识那个伟大的音乐时代,及其留给后世键盘艺术的深远影响。

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说实话,市面上关于巴赫《十二平均律》的录音版本数不胜数,要找到一个能让我眼前一亮的作品并不容易。而这张专辑,无疑做到了。我拿到这张专辑的时候,首先被它的包装所吸引,那种复古而又精致的设计,仿佛带着我穿越回了巴赫的时代。但真正让我惊艳的,还是专辑的音乐本身。演奏家对音乐的理解非常深刻,他并没有试图去“现代化”巴赫的音乐,而是忠实地呈现出巴赫的原意,同时又注入了自己独特的理解和情感。我特别喜欢他在处理那些快速的段落时,那种精准而又流畅的节奏感,丝毫没有拖泥带水的感觉,反而充满了生命力。而且,专辑的录音也相当出色,能够清晰地捕捉到演奏家细腻的触键和情感的变化,让每一个音符都仿佛带着生命。最让我印象深刻的是,在听这张专辑的时候,我感受到了一种前所未有的投入感。我不再是仅仅在听音乐,而是仿佛置身于音乐之中,与巴赫的灵魂进行着一场深刻的交流。这张专辑,让我重新认识了《十二平均律》,也让我对巴赫的音乐有了更深的敬意。它不仅仅是一张听觉的享受,更是一场心灵的洗礼。

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我一直认为,巴赫的《十二平均律》是音乐史上一座难以逾越的高峰。而要将其完美地呈现给世人,需要演奏家具备极高的技艺和深刻的理解。这张专辑,无疑做到了这一点。从拿到专辑的那一刻起,我就被它那精美的包装所吸引,这不仅仅是一张CD,更是一件艺术品。而当我开始聆听的时候,我更是被它所呈现出的音乐魅力所深深打动。演奏家对音乐的处理,可以用“炉火纯青”来形容。他将巴赫音乐中的严谨与抒情完美地融合在一起,每一个音符都饱含深情,每一个乐句都富有逻辑。我尤其喜欢他在处理那些复杂的赋格时,那种清晰的思路和流畅的节奏感,丝毫不显得拖泥带水,反而充满了生命力。专辑的录音效果也堪称一流,音质纯净,动态范围宽广,让我能够充分感受到音乐的每一个细节。我尝试着在不同的时间和心情下聆听这张专辑,每一次都有新的发现。它既能让我沉静下来,进行深刻的思考,又能激发出我内心的澎湃,让我感受到生命的力量。这张专辑,对我来说,不仅仅是一次音乐的享受,更是一次心灵的旅程。

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这张专辑刚拿到手的时候,我简直被那份厚重的纸质和精美的封面设计所震撼。你知道,现在的CD包装很多都趋于简化,但这张专辑,光是摆在书架上,就透着一股子“大有来头”的气息。我立刻找了个安静的下午,泡上一杯喜欢的红茶,戴上耳机,准备开始我的聆听之旅。从第一首赋格响起的那一刻,我的思绪就被完全攫住了。巴赫的音乐,尤其是《十二平均律》,总有一种能直击灵魂的力量。这不仅仅是技巧的展现,更是他对宇宙、对人生、对情感的深刻洞察。我特别喜欢这张专辑在音质上的处理,细节丰富,层次分明,每一个音符的起承转合都清晰可辨,仿佛能感受到演奏家指尖的温度和琴弦的振动。尤其是那些长音的处理,绵延不绝,带着一种难以言喻的宁静和庄严,让人沉醉其中,忘记了时间的流逝。专辑的曲序编排也很有意思,虽然是按照调性来划分,但在听的过程中,我能明显感觉到情绪的起伏和变化,时而激昂,时而忧伤,时而又充满了哲学的思考。我甚至尝试着跟着音乐哼唱,虽然我并非科班出身,但巴赫的旋律就是如此具有普适性,总能引发我内心深处最纯粹的共鸣。这张专辑,与其说是一张音乐CD,不如说是一场心灵的对话,一次与伟大的灵魂的连接。它让我重新审视自己,也让我对音乐的理解更加深入。

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我一直认为,要真正理解巴赫的《十二平均律》,需要一颗足够安静的心。而这张专辑,恰恰给我提供了这样一个契机。我发现,当我把手机调成静音,远离外界的喧嚣,全心投入到这张专辑的聆听中时,我才真正体会到了巴赫音乐的精髓。专辑的制作非常精良,从音质到混音,都达到了极高的水准。我能听到每一个音符的细微差别,感受到音乐的动态变化,甚至能捕捉到演奏家在演奏过程中的一些微妙的呼吸和停顿。这让我感觉,我不是在被动地听音乐,而是在与演奏家进行一场深度的对话。我特别喜欢专辑中那些富有歌唱性的旋律,它们如同潺潺流水,滋润着我的心灵。即使是那些复杂的赋格,在巴赫的笔下,也充满了诗意和哲理。我尝试着在白天和夜晚分别聆听这张专辑,发现不同的时间段,音乐给我的感受也截然不同。在白天,它能给我带来清晰的思路和充沛的精力;在夜晚,它又能抚慰我焦躁的心灵,带给我宁静和沉思。这张专辑,对我来说,不仅仅是一张音乐CD,更是一种精神的慰藉,一种对生命深邃的探索。

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我不得不说,这张《十二平均律Ⅱ》的出现,在我心中重新定义了“经典”的含义。我一直认为,真正的经典,不仅仅是历经时间考验的作品,更是那些能够不断给后人带来新的启迪和感悟的作品。而这张专辑,正是这样的存在。从第一首赋格响起的那一刻,我就被它那精妙绝伦的音乐结构所吸引。巴赫的音乐,就像一座宏伟的建筑,每一个音符、每一个旋律都是精心设计、巧妙组合的砖瓦,最终构建出这座令人惊叹的艺术殿堂。这张专辑的录音技术非常先进,我能清晰地听到每一个声部之间的对话,感受到音乐的深度和广度。而且,演奏家在处理那些错综复杂的对位时,那种清晰度和透明度,简直是令人惊叹。我喜欢这张专辑所呈现出的那种“沉静”的力量。它没有过度的渲染,没有矫揉造作的情感,只是用最纯粹的音乐语言,表达出最深刻的思考。每一次聆听,都能让我发现新的细节,获得新的体会。这张专辑,已经成为了我书架上不可或缺的一部分,也成为了我心灵深处的一种慰藉。

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坦白说,我是一个对音乐品质要求非常高的人,尤其是在聆听古典音乐的时候。市面上充斥着各种各样的录音版本,真正能打动我的并不多。但这张《十二平均律Ⅱ》,绝对是我近年来听到过的最令人惊艳的作品之一。当我第一次听到这张专辑的音乐时,我就被它那种强大的艺术感染力所折服。演奏家对巴赫音乐的理解,可以用“融会贯通”来形容。他并没有拘泥于传统的演奏方式,而是注入了自己对音乐的独特思考和情感表达,使得音乐既保留了巴赫原作的精髓,又焕发出了新的生命力。我特别喜欢专辑中对音色的处理,每一个音符都饱满而富有穿透力,层次感非常分明,让我仿佛置身于一个巨大的音乐空间之中。在听那些赋格的时候,我能清晰地感受到每一个声部之间的相互呼应和对话,仿佛是几个独立的灵魂在进行着一场深刻的交流。这张专辑,不仅仅是一次纯粹的音乐欣赏,更是一次精神的洗礼。它让我重新审视了音乐的本质,也让我对艺术的理解更加深入。

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这张专辑,可以说是我在近几年来最令我惊喜的一张古典音乐专辑了。我一直对巴赫的《十二平均律》抱有极大的敬意,也听过不少优秀的录音版本,但这张专辑,却给了我一种前所未有的聆听体验。首先,从包装上来说,它就透着一股子“用心”的味道,细节之处都做得非常到位,让人一眼就能看出这不是一张随随便便的商业产物。而当我戴上耳机,按下播放键的那一刻,我更是被彻底征服了。演奏家对音乐的理解可谓是入木三分,他并没有刻意去追求某种炫技式的演奏,而是以一种极其自然、流畅的方式,将巴赫音乐中的精妙之处一一展现出来。我尤其喜欢他在处理那些高难度的段落时,那种游刃有余的从容感,每一个音符都恰到好处,没有丝毫的斧凿痕迹。专辑的录音效果也堪称一流,音色饱满而富有质感,乐器的细节表现得淋漓尽致,让我仿佛置身于演奏现场,感受着音乐的每一次律动。让我印象深刻的是,这张专辑在表现巴赫音乐的逻辑性和情感性之间找到了一个绝佳的平衡点。它既有严谨的结构,又不失细腻的情感,让我在聆听的同时,能够充分感受到巴赫音乐的智慧与魅力。

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当我第一次听到这张《十二平均律Ⅱ》的音乐时,我立刻被一种强大的能量所震撼。这种能量并非是那种张扬的外在力量,而是一种深沉、内敛,却又无处不在的生命力。专辑的音质处理非常出色,我能清晰地听到每一个音符的细微之处,感受到音乐的层次感和空间感。尤其是在那些复杂的赋格中,巴赫的智慧和技巧得到了淋漓尽致的展现。我被那种精巧的结构和严密的逻辑所折服,每一个声部都仿佛是一个独立的生命,但它们又和谐地交织在一起,共同构建出一个宏大而又统一的音乐世界。我尝试着在不同的环境下聆听这张专辑,发现它总能给我带来不同的感悟。在安静的夜晚,它能让我沉浸在深邃的思考中;在忙碌的白天,它又能给我带来清晰的思路和充沛的活力。这张专辑最吸引我的地方在于,它不仅仅是音乐的享受,更是一种精神的滋养。它让我学会了如何去倾听,如何去感受,如何在平凡的生活中发现不平凡的美。

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说实话,刚开始拿到这张《十二平均律Ⅱ》的时候,我还有些犹豫。因为“十二平均律”这个名字本身就带有一种学术的、研究的意味,我担心它会过于枯燥乏味。但事实证明,我的担心是多余的。这张专辑,用一种极其动人的方式,向我展现了巴赫音乐的魅力。音乐开篇的赋格,就如同一扇缓缓打开的大门,把我引入了一个充满智慧和情感的世界。我被那种层层递进的旋律所吸引,每一个声部都独立而又相互依存,共同构建出一个宏大而又精巧的音乐结构。专辑的音色选择也非常考究,我能清晰地分辨出不同乐器的音色差异,它们交织在一起,形成了一种丰富而饱满的声音。我尤其欣赏的是,演奏家在处理那些复杂的赋格时,并没有让音乐显得过于拥挤,而是始终保持着一种清晰的逻辑和流畅的呼吸感。他仿佛是一位技艺精湛的建筑师,将每一个音符都恰到好处地摆放在合适的位置,最终构建出这座宏伟的音乐殿堂。这张专辑最让我感动的地方在于,它不仅仅是技术的展现,更是情感的传递。在那些慢板乐章中,我能感受到一种深沉的忧伤,一种对生命无常的感叹,但同时,又有一种坚韧的力量在其中涌动。这让我意识到,巴赫的音乐,不仅仅是理性的逻辑,更是丰富而复杂的情感世界。

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我一直对巴赫的《十二平均律》情有独钟,但真正让我感到惊喜的是这张专辑里所呈现出的独特性。很多版本的《十二平均律》虽然都很优秀,但总会给我一种“教科书式”的严谨感,仿佛是学习的典范。而这张专辑,虽然同样保持了严谨的音乐性,却注入了更多自由和个性的表达。演奏家在处理那些复杂的对位时,并没有刻意去炫技,而是让音乐自然而流淌,仿佛是呼吸一般。我特别注意到他在处理那些琶音和快速音阶时,那种轻盈感和灵动感,一点都不显得拖泥带水,反而充满了生命力。而且,专辑的录音也相当出色,能够捕捉到演奏家细微的情感变化,比如在一些抒情段落,你能听到那种微微的叹息,或者在一些激昂的段落,你能感受到那种蓄势待发的张力。这让我感觉,我不再是隔着屏幕在听音乐,而是仿佛置身于演奏厅,亲眼目睹这场音乐的诞生。这张专辑最吸引我的地方在于,它并没有试图去“解释”巴赫的音乐,而是让音乐自己去说话。它鼓励听者去感受,去体会,去在自己的内心深处找到属于自己的理解。我尝试着在不同的时间和心情下听这张专辑,每一次都有新的发现。有时,它能让我平静下来,有时,它又能激发出我内心的澎湃。这正是我认为一张伟大的音乐专辑所应该具备的特质——它能够随着听者的心境而变化,并带来不同的启迪。

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