铜版画

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出版者:
作者:王世伟
出品人:
页数:74
译者:
出版时间:2004-01-01
价格:28.0
装帧:
isbn号码:9781154392074
丛书系列:
图书标签:
  • 铜版画
  • 艺术
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具体描述

铜版画为版画之一种,自十五世纪中葉起,相继出现在德国莱茵河流域和意大利比部,最初用于複制绘画。到十六世纪末期,铜版画已广泛应用于画像,旅游记录及表现宗教主题,成为记载历史、社会与自然景观的重要摐。作为造型艺术,铜版画具有较高的美术价值和极强的装饰效果,经常被用作插图出现在画页中,上海图书馆收藏有丰富的欧洲典籍,其中不乏精彩的铜版画作品,这里遴選出其中的十六幅,主题为十九世纪中国各地的风土人情。<b

琉璃之境:当代玻璃艺术的流光溢彩 本书聚焦于二十世纪中叶至今,全球范围内玻璃艺术领域所发生的深刻变革与持续演进。它并非一本艺术史的宏大叙事,而更像是一份深入的田野考察报告,旨在捕捉那些在熔炉的炙烤下,艺术家们如何将脆弱的二氧化硅转化为承载深刻思想与复杂情感的载体。 第一部:材料的叛逆与解放(1950-1970年代) 二十世纪五十年代,玻璃艺术界经历了一场静默而激烈的革命。长期以来,玻璃被视为装饰性、功能性的附属品,与雕塑等“严肃”艺术形式保持着距离。然而,在战后自由思潮的影响下,一批先驱者开始挑战这种既有认知。 A. 学院派的反思与哈维的冲击波: 首先,我们需要关注欧洲,特别是意大利和北欧的学院派。威尼斯穆拉诺岛的传统工艺虽然精湛,却也构成了创新的桎梏。一些年轻的艺术家开始有意识地引入工业玻璃的粗粝感,摒弃了对完美无瑕光泽的执着。 本书的重点之一,是分析美国“工作室玻璃运动”(Studio Glass Movement)的兴起。哈维·利伯曼(Harvey Littleton)和唐纳德·利波斯基(Donald Lipofsky)等人的实践,强调了艺术家可以直接控制创作过程的每一个环节。他们将玻璃熔炉从工厂带入工作室,这不仅仅是规模的缩小,更是对创作主体性的确立。书中详述了利伯曼如何受日本陶艺哲学影响,将玻璃的随机性、偶然性纳入其创作美学,探讨了如何通过精确控制温度曲线,来“捕捉”火焰瞬间的形态。 B. 叙事性的回归与体积的探索: 这一时期,玻璃开始“长出”重量和厚度。与早期强调透明度和光影折射的传统不同,艺术家们开始关注玻璃的实体感。例如,介绍了几位重量级艺术家,他们如何通过多层玻璃的叠加、内爆(implosion)技术,创造出具有强大内在张力的作品。他们的作品不再是“装饰品”,而是对空间和物质本身进行哲学拷问的载体。书中配有大量清晰的截面图,解析了复杂吹制过程中,内部气泡和应力线如何构成了作品的“骨骼结构”。 第二部:概念的注入与媒介的融合(1970-1990年代) 进入七十年代,随着后现代主义思潮的涌入,玻璃艺术的焦点从“如何做”(技术)转向“为何做”(概念)。玻璃不再只是媒介,而是被用作一种批判工具。 A. 批判性叙事与社会议题: 这一阶段,女性艺术家群体对玻璃的运用尤为引人注目。她们利用玻璃的透明性、易碎性和历史上的“女性化”关联,来解构父权社会结构和性别刻板印象。本书详细分析了琼·贝内特(Joan Benfort)如何使用玻璃“假肢”和日常家居用品(如椅子、梳子),探讨身体的异化与记忆的碎片化。她的作品并非追求美观,而是力求引发观者在心理层面的不适与反思。 B. 跨学科的渗透与“冷加工”的崛起: 冷加工技术(Coldworking,指打磨、蚀刻、粘合等非加热过程)的成熟,为玻璃的表达拓宽了疆界。艺术家们开始大量使用层压(Lamination)技术,将玻璃与其他材料——如金属箔、有机物、甚至电子元件——结合。书中探讨了两位关键人物,他们如何利用酸蚀刻(Acid Etching)技术,在玻璃表面制造出类似苔藓或腐蚀的肌理,从而表达时间的流逝和生态的脆弱性。这些作品通常被放置在特定光线下,光线不再是玻璃的伴侣,而是成为了作品信息传递不可或缺的一部分。 第三部:数字时代的重构与边界消解(2000年至今) 进入新千年,技术进步对玻璃艺术的创作范式产生了颠覆性的影响。精确的计算机辅助设计(CAD)与激光切割技术的引入,使得以前需要数月才能完成的复杂几何结构,得以迅速实现。 A. 几何学的回归与参数化设计: 当代艺术家开始运用参数化设计理念,创作出宏大、精准且难以用传统手工方式实现的结构。书中专门开辟章节,研究了“模组化”的玻璃雕塑,探讨了这些作品如何通过重复单元的堆叠,达到与建筑结构相似的宏伟感。这种趋势挑战了传统玻璃艺术中对“手工痕迹”的推崇,转而拥抱工业美学中的完美与重复。 B. 互动性与虚拟现实的交织: 最后,本书将目光投向了玻璃与新兴科技的结合。一些前卫艺术家开始将传感器和微型投影仪嵌入玻璃体内,创作出能够对环境变化做出反应的动态雕塑。更进一步地,探讨了玻璃作为物理介质,在虚拟现实(VR)艺术展览中的角色转换——它从被观看的对象,转变为承载和折射数字信息的“屏幕”。这种双重身份的探索,揭示了未来玻璃艺术在物理与数字世界交汇处的潜力。 结语: 《琉璃之境》试图呈现的,是一个持续处于动态中的艺术领域。它充满了张力:对传统工艺的敬畏与对现代技术的拥抱;对光影的迷恋与对物质沉重的追求;对个体情感的表达与对宏大叙事的批判。这本书提供的,是理解这一媒介如何在全球化、科技化浪潮中,不断重塑自身形态和意义的详尽路径图。读者将看到,一块透明的物质,如何被赋予了如此复杂、多维且充满生命力的时代精神。

作者简介

目录信息

《铜版画》
《年画》
《历史照片》
《西洋善本》
《尺牍留真》
《宋元本图录》
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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当我第一次接触到《铜版画》这本书时,我并没有期待它能带给我多少情感上的共鸣,反而更像是一种学术上的探索,一种对艺术史中某个具体分支的深入了解。它不像那些容易被大众接受的艺术形式,它的魅力更在于其内在的深度和需要读者投入的耐心。书中的文字,没有太多华丽的修饰,更多的是对事实的陈述和对技法的分析,这让我一开始感到一丝疏离。我需要反复咀嚼,去理解那些关于铜版制作的工艺流程,去感受不同时代艺术家们在创作中遇到的挑战和他们所作出的创新。然而,正是这种需要“慢下来”的阅读方式,让我逐渐体会到了铜版画艺术的独特之处。我开始欣赏那些线条的精妙,那些层次的丰富,以及艺术家们如何在有限的媒介上,表达出如此广阔的思想和情感。这本书就像一位严谨的学者,它向我展示了铜版画艺术的发展脉络,也让我看到了那些在历史长河中默默贡献的艺术家们的价值。它让我明白,艺术的伟大,往往体现在细节的打磨和对精神的追求上,而《铜版画》正是这种精神的绝佳体现,它以一种不动声色的方式,却能深刻地触动读者的内心,引发对艺术和历史的更深层思考。

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我必须承认,《铜版画》这本书的阅读体验,对我来说,是一种全新的挑战,也因此带来了一种前所未有的启发。它没有华丽的辞藻,也没有引人入胜的情节,它更像是一份厚重的学术研究,一份对特定艺术门类详尽而严谨的梳理。我一开始有些担心自己会因为缺乏相关艺术史背景而难以理解,但作者巧妙地将那些复杂的技术和历史信息,通过清晰的逻辑和层层递进的叙述方式呈现出来,让即使是我这样的门外汉,也能逐渐进入状况。我看到了不同时期铜版画技法的细微差别,是如何影响了作品的质感和表达力;我了解了那些历史上的伟大艺术家,是如何在铜版这种相对有限的媒介上,展现出惊人的创造力和思想深度。这本书让我对“艺术”有了更广阔的认知,它不再局限于绘画或雕塑,而是渗透到各种我们意想不到的角落,铜版画就是其中一个被低估却又充满魅力的存在。我特别喜欢书中关于艺术家们创作心路历程的描写,那些他们如何克服技术上的困难,如何寻找灵感,如何将自己的情感注入到冰冷的金属版上,这些细节让我感受到了艺术创作的艰辛与伟大。这本书就像一位循循善诱的老师,它不会直接告诉你答案,而是引导你去思考,去发现,去构建属于你自己的理解。

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《铜版画》这本书,给我带来了一种意想不到的沉浸式阅读体验。它并非以故事性吸引我,也不是以情感冲击我,而是以其内容的翔实和逻辑的严谨,将我逐步引入铜版画艺术的广阔世界。起初,我对版画艺术的了解非常有限,对“铜版画”这个概念也只是模糊的认识。但是,这本书以一种非常系统和深入的方式,为我详细讲解了铜版画的历史演变、制作工艺、不同风格的特点,以及那些在艺术史上占有重要地位的铜版画家及其作品。我被书中那些关于艺术家们如何克服技术难题、如何在创作中注入个人情感和思想的描述深深吸引。我仿佛看到了他们手持刻刀,在冰冷的铜版上小心翼翼地雕琢,创造出那些细腻而富有生命力的线条。这本书让我对艺术创作有了更深刻的理解,它不仅仅是天赋的展现,更是技巧的磨练、耐心的积累和对美的极致追求。它让我认识到,铜版画这种艺术形式,虽然不像油画那样色彩斑斓,但它所具有的线条感、层次感和独特的质感,同样能够传达出深刻的情感和思想。这本书让我对“艺术”有了更广阔的认知,也让我对铜版画这种古老而精妙的艺术形式,充满了敬意和好奇。

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这本书,它的名字叫做《铜版画》,仅仅是看到这个名字,就足以在我脑海中勾勒出一幅幅古老而精致的画面。我不是艺术史的专家,也不是版画技法的研究者,我仅仅是一个对美好事物怀有好奇心的普通读者。拿到这本书的时候,我并没有抱有过多的功利性目的,更多的是一种纯粹的吸引。那个“铜版画”的字眼,自带一种历史的厚重感,一种手工雕琢的温度,以及一种独特的艺术魅力。我好奇它里面会承载怎样的故事,会描绘怎样的人物,会揭示怎样不为人知的秘密。它会让我想起那些在历史长河中被遗忘的匠人,他们用双手和汗水,在冰冷的铜版上刻下了永恒的印记。他们是如何思考的?他们的生活是怎样的?他们所处的时代又是如何孕育出如此精妙绝伦的艺术形式?这些问题在我翻开这本书的刹那,便如潮水般涌来,期待着在字里行间找到答案,或者至少,能获得某种灵感的触碰,哪怕只是冰山一角。我渴望通过这本书,去感受那种跨越时空的对话,去理解那些线条和墨色背后蕴含的深刻情感和时代精神。这是一种探索,一种对未知美学的朝圣,而《铜版画》正是开启这场旅程的钥匙,它在我手中,沉甸甸的,仿佛承载着整个版画艺术的重量,也承载着我内心深处的期盼,期待着它能带我进入一个别样的世界,一个充满创造力和生命力的艺术殿堂。

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初次拿到《铜版画》这本书,我脑海中浮现的,是一种古典而精致的画面。它不像那些通俗易懂的小说, nor does it have the immediate emotional impact of poetry. Instead, it felt like an invitation to a scholarly exploration, a journey into a specific and perhaps niche artistic domain. I was immediately drawn to the very title, which evoked a sense of craftsmanship, meticulous detail, and a historical weight that was both intriguing and a little daunting. As I began to read, I found myself encountering a wealth of information that was both fascinating and, at times, requiring of careful consideration. The author’s meticulous approach to detailing the historical development, the technical processes, and the cultural contexts surrounding copperplate engraving was evident on every page. It was clear that this was a work born from deep research and a genuine passion for the subject. I began to appreciate the intricacies of the medium, the challenges faced by artists working with copper, and the unique visual language that emerged from this demanding art form. The book didn’t offer easy answers or simplistic narratives; rather, it encouraged a thoughtful engagement, a desire to delve deeper into the nuances of each era and each artist’s contribution. This intellectual engagement, this need to actively participate in understanding, was a key part of the book's appeal, making it a truly rewarding reading experience.

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《铜版画》这本书,给我最深刻的印象,是一种极致的专注和沉浸感。它并非那种能让你在短暂时间里获得极大满足的读物,而更像是一场需要你投入大量时间和精力的艺术朝圣。当我沉浸其中,我能感受到作者所传递的那种对铜版画艺术的深厚情感,以及那种近乎虔诚的敬意。他不是在简单地罗列事实,而是在引导你去理解,去体会,去感受。那些关于铜版印刷技术演变的历史片段,那些关于不同时代艺术家们创作的背景和灵感来源的阐释,都像是一块块拼图,慢慢地在我脑海中构建起一幅完整而立体的铜版画艺术全景图。我仿佛能听到那些古老印刷机运作的齿轮声,能感受到铜版在手中传来的冰凉触感,能想象到艺术家们在昏暗灯光下,用锐利的刻刀在铜版上游走,创造出那些细腻而富有生命力的线条。这本书让我看到了艺术背后隐藏的无数可能性,也让我重新审视了“技艺”的价值。在如今这个快速消费的时代,能够看到有人如此执着于一种如此需要耐心和精力的艺术形式,并且将这份热爱和研究倾注在一本书中,这本身就是一种令人动容的壮举。它让我明白了,真正的艺术,往往需要时间和沉淀,需要对细节的打磨,需要对内心的挖掘,而《铜版画》这本书,正是这种精神的最好体现。

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《铜版画》这本书,给我带来的,是一种沉静而深刻的艺术启迪。它没有试图去取悦读者,也没有用哗众取宠的方式吸引眼球,它只是静静地在那里,用它独特的方式,诉说着铜版画的过去与现在。我并非艺术专业的学生,也鲜少接触到这类专业的书籍,因此,在阅读初期,我确实感受到了一些阅读上的障碍。那些关于蚀刻、雕刻、印刷等专业术语,一开始让我有些望而却步。然而,随着阅读的深入,我逐渐被书中那种严谨的学术态度和对艺术的热忱所打动。作者并非仅仅在介绍一种艺术形式,更是在讲述一种历史,一种文化,一种精神。我看到了艺术家们如何与材料互动,如何在限制中寻找自由,如何在铜版上创造出细腻入微、层次丰富的画面。这本书让我意识到,艺术的魅力,不仅仅在于作品的最终呈现,更在于其背后所蕴含的匠心、智慧和对美的执着追求。我特别欣赏书中对不同时期铜版画风格演变的梳理,以及对那些在历史长河中默默耕耘的艺术家们的介绍,这让我感受到了一种跨越时空的连接,仿佛能与他们进行一场无声的对话。这本书,就像一扇窗,让我得以窥见一个我从未深入了解过的艺术世界,它让我对“铜版画”这个词本身,有了更深刻的敬意和更饱满的理解。

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初读《铜版画》,我并没有立刻被它所吸引,反而是一种淡淡的疏离感。它不像那些情节跌宕起伏的小说, nor does it possess the immediate emotional resonance of poetry. It felt more like an invitation to a quiet contemplation, a space for reflection that demanded patience. The language, while precise, lacked the effusive lyricism I sometimes crave, and the descriptions, though vivid, were often grounded in technical details that initially felt a little impenetrable. I found myself rereading certain passages, trying to decipher the underlying intent, the deeper meaning that lay beneath the surface. It was like approaching an ancient artifact, where the initial impression is one of awe mixed with a touch of intimidation. I wondered if I possessed the necessary background knowledge to truly appreciate what was being presented. Was I missing some crucial context that would unlock its full potential? Yet, even in this initial struggle, there was a subtle allure. The very difficulty, the need for effort, hinted at a richness that rewarded perseverance. It wasn't a book that would spoon-feed you; it demanded engagement, a willingness to lean in and listen closely. This inherent challenge, paradoxically, sparked a curiosity within me, a desire to unravel its complexities and discover the treasures that might be hidden within its seemingly reserved exterior. It was a slow burn, a gradual unfurling, and I was intrigued to see where this unfolding would lead me.

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翻开《铜版画》,我最先感受到的,是一种扑面而来的历史气息,仿佛能闻到空气中淡淡的油墨香和古老羊皮纸的味道。这本书并没有以宏大叙事的方式展开,也没有刻意营造戏剧性的冲突,它更像是一位饱经风霜的老者,娓娓道来,用一种沉静而充满智慧的语调,讲述着某个特定时期、某个特定艺术形式的发展脉络。我惊讶于作者对细节的把握,那些关于铜版制作的工艺流程,关于不同时期铜版画风格的演变,关于那些艺术家们在创作过程中所面临的挑战与创新,都被描绘得细致入微,却又不至于枯燥乏味。我仿佛看到了工匠们在昏暗的作坊里,手持刻刀,全神贯注地在铜版上雕琢,每一个细小的笔触都凝聚着他们的心血与技艺。我看到了不同流派的艺术家,在时代的洪流中,如何通过铜版画这种媒介,表达他们的思想、他们的情感,甚至是他们的批判。这本书让我意识到,一件艺术品,不仅仅是最终呈现的画面,更是其背后漫长而艰辛的创作过程,是艺术家对材料的深刻理解,是对美学的执着追求,以及对时代的回应。它让我对“艺术”这个词有了更深层次的理解,它不再是遥不可及的殿堂,而是源自生活,源于匠心,源于对世界不懈探索的结晶。

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《铜版画》这本书,对我而言,是一场充满探索与发现的艺术之旅。它没有绚丽的封面,也没有轰动的宣传,它只是以一种朴实而厚重的方式,呈现在我的面前。我并非艺术史领域的专家,也对版画艺术的了解仅限于一些模糊的印象。然而,当我翻开这本书,我便被其中所蕴含的丰富信息和作者对铜版画艺术的深刻洞察所吸引。我看到了艺术家们如何在冰冷的铜版上,用刻刀和化学药剂,创造出如此细腻、丰富且富有表现力的画面。书中对不同时期铜版画技法的演变,对艺术家们创作背后的时代背景和社会环境的描绘,都让我大开眼界。我仿佛能感受到那些在不同历史时期,为了创作出心中理想的画面而默默付出的艺术家们的艰辛与执着。这本书让我明白,艺术的魅力,不仅仅在于其视觉上的美感,更在于其背后所承载的文化、历史和人类的创造力。它让我对“铜版画”这个词有了全新的认识,它不再仅仅是一个名词,而是一种承载着历史、技术与情感的艺术形式。阅读这本书,就像是与一位知识渊博的导游同行,他带领我走进了一个曾经陌生却又充满魅力的艺术世界,让我得以从中汲取养分,拓展视野。

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