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出版者:上海书店出版社

作者:徐建融 绘

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2002-1

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787806228821

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好的，这是一份关于一本名为《山水之间：中国古代绘画的意境与技法》的图书简介。 --- 《山水之间：中国古代绘画的意境与技法》 图书简介 引言：笔墨丹青，写尽天地乾坤 《山水之间：中国古代绘画的意境与技法》是一部深度探索中国传统绘画艺术精髓的学术著作。本书旨在超越单纯的图像鉴赏，深入剖析自魏晋至清末，中国山水、花鸟画在精神内核、哲学思想、笔墨语言及技法演变中的独特路径。我们试图揭示，中国绘画不仅是一种视觉再现的艺术，更是一种承载了深厚人文精神和宇宙观念的“心物合一”之道。全书结构严谨，论述深入，旨在为艺术史研究者、专业画家以及所有热爱中国传统文化的读者提供一份全面而系统的指南。 第一部分：精神的源头——魏晋至唐宋的山水哲学 中国山水画的诞生，植根于先秦以来的道家“天人合一”思想与儒家的“中和之美”。本部分追溯了山水画从作为背景陪衬走向独立学科的初期历程。 第一章：道法自然与混元之气 我们将详细探讨顾恺之、陆探微等早期画家的实践，并重点分析宗炳《画山水序》和王微《叙画》中提出的核心理论——“卧游”与“胸中丘壑”。山水画的勃兴，是文人对自然宇宙的审美觉醒，它不再描摹客观存在的景象，而是寄托个体生命对“道”的体悟。此处，我们辨析了“气韵生动”的哲学内涵，区分了早期的“形似”与后来的“神似”的演变。 第二章：盛唐的壮阔与李思训的青绿 唐代是山水画走向成熟的转折点。本书详细考察了李思训、李昭道父子的“青绿山水”风格。这种富丽堂皇的画风，以矿物颜料的运用为载体，展现了盛唐气象的恢弘与秩序感。我们通过对《辋川图》等传世作品的细节分析，阐释了唐代宫廷审美与士人审美之间的张力与融合。 第三章：五代两宋的变革——巨碑式山水与意境的深化 本书将宋代山水画视为中国绘画史上最为辉煌的时期。我们区分了南北两派的风格差异：以荆浩、关仝为代表的北方“雄伟派”，其笔力雄健，结构宏大，强调山川的崇高感；而以董源、巨然为代表的南方“平远派”，则以温润的笔墨描绘江南烟雨迷蒙的丘陵水泽，奠定了后世水墨画的基础。特别地，我们深入研究了范宽的“雨点皴”如何捕捉光影变化，以及郭熙《林泉高致》对观赏视角的界定——“高远、深远、平远”构图理论的成熟，标志着山水画已成为一套完整的视觉叙事体系。 第二部分：笔墨的革命——宋元之际水墨的兴起与文人画的確立 水墨的出现，不仅是技法的革新，更是文人身份认同的宣言。从此时起，绘画彻底脱离了纯粹的“匠作”属性，成为“诗中有画，画中有诗”的文人自我修养的体现。 第四章：水墨的语言——董源与巨然的笔墨探索 本书细致梳理了董源“披麻皴”的演变，如何从描绘土石的质感上升为表达内在情绪的媒介。我们分析了巨然在处理湿润气候下的山石时的墨法变化，以及他们如何用墨的浓淡干湿来体现“气”的流动性，为元代水墨的全面爆发奠定了基础。 第五章：元四家的笔墨精神 元代，随着政治环境的变迁，士大夫将艺术重心转向“写意”。黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙，这“元四家”将笔墨技巧推向了前所未有的哲学高度。 黄公望：对“皴法”的运用已臻化境，其用笔的迟涩、墨色的微妙变化，体现了对自然物象的长期观察与内心沉淀。 倪瓒：以其极简的笔墨、稀疏的造型，表现出高洁孤傲的“逸品”精神，他笔下的枯树寒林，是对世俗的疏离与对精神净土的坚守。 吴镇：融儒释道于一炉，其画作往往充满强烈的个人情感，墨色饱满而又不失灵动，具有雄浑的内在力量。 王蒙：以“万点如麻”的细密笔触，构建出层峦叠嶂、繁复精微的“心景”，体现了文人对“内陆”的建构。 第三部分：明清的多元格局——技法的新变与风格的成熟 明清时期，中国绘画在继承传统的同时，呈现出流派纷呈、技法成熟的态势。 第六章：明代的画派分流——浙派与吴门画派的对峙 明初，以戴进为代表的浙派，继承了宋元院体的雄强与写实的倾向，其笔墨较为粗放、结构严谨。而以沈周、文徵明为核心的吴门画派，则全面回归文人笔墨传统，强调临古师法，追求温润典雅的士人趣味。本书详细对比了两派在皴法运用和章法布局上的显著区别，揭示了“院体”与“文人”两种审美取向在权力与民间社会的博弈。 第七章：晚明至清初的创新——董其昌与“南北宗论” 董其昌作为晚明最具影响力的理论家和画家，其“南北宗论”重新定义了中国绘画史的脉络。本书批判性地分析了董其昌如何建构了以王维、董源为正宗的“南宗”体系，并阐述了其“以书入画”的理论对后世的影响。同时，我们也考察了“金陵画派”和“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）在反抗既有规范，追求个体表达上的大胆突破。 第八章：清代的集古与创新——个性化表达的巅峰 清代中后期，画家们在“集大成”的基础上，将个人情感推向极致。石涛“一画论”中对“无法而法”的追求，是对传统程式化的一种反叛，其用笔的恣肆汪洋、墨色的浓淡变化，极富表现力。而四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）则通过对“元四家”的系统临摹与整合，将笔墨的典雅规范推向了程式化的顶峰，为中国传统山水画的技法画廊画上了浓墨重彩的一笔。 结语：传统的回响 《山水之间》不仅是绘画史的梳理，更是对中国文化精神传承的追溯。通过对笔墨语言的细致解读，我们得以窥见古代文人如何在有限的宣纸之上，构筑出无限的精神世界，实现对自然、历史与自我的永恒对话。本书期望能激发读者对“写意”之美的重新认识，感受中国画笔墨间蕴含的生命力和不朽的哲思。 --- （全书总计约1500字）

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我特别欣赏徐建融先生在构图上的巧思。他的山水画，常常通过巧妙的取景，将宏大的山河景象浓缩于方寸之间，却又不失其气势。留白的处理也是他的拿手好戏，那些虚化的云雾、空灵的山谷，都为画面增添了无限的想象空间，也让观者能够自由地在画面中游走，寻找属于自己的视角。而在花鸟画中，他同样擅长于在有限的空间内营造出无限的意境。一两只飞鸟，几枝花卉，通过精妙的布局，便能勾勒出一幅生动有趣的画面，充满了诗情画意。我经常会思考，为何他在寥寥数笔之间，就能传达出如此丰富的信息和情感。这种“少即是多”的艺术哲学，在徐建融先生的作品中得到了完美的体现，也让我对中国传统绘画的“写意”有了更深刻的理解。

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最后，我想说，《徐建融山水花鸟图册》是一本值得反复品味和珍藏的书。每一次翻阅，都能从中获得新的感悟和启发。它不仅是一次视觉的盛宴，更是一次精神的洗礼。徐建融先生的艺术，超越了时空的限制，连接了传统与现代，也连接了人与自然。我将把这本书放在案头，时不时地翻阅，让他的山水花鸟陪伴我一同感受生活的美好，一同品味艺术的魅力。它让我看到了中国传统绘画的博大精深，也让我对艺术创作有了更深的理解和追求。这不仅仅是一本图册，更是一种生活态度的体现，一种对美的执着追求。

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不得不提的是，徐建融先生在色彩运用上的功力。他的山水画，虽然以水墨为主，但在局部色彩的点缀上，却显得格外传神。例如，远山的黛色，近水的碧绿，或是山间偶尔出现的红叶，都恰到好处地提升了画面的层次感和视觉冲击力。而在花鸟画中，他更是将色彩的运用发挥到了极致。他笔下的花朵，或艳丽夺目，或清淡雅致，色彩的过渡自然而和谐，仿佛是自然界中最美的色彩被他一一捕捉并重新赋予生命。他对于色彩的理解，不仅仅是颜料的堆砌，更是对自然界色彩规律的深刻把握，以及对情感的细腻表达。我尤其喜欢他画中的一些微妙的色彩变化，那种若隐若现的光泽，那种层次分明的渐变，都展现了他非凡的色彩感知能力。

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徐建融先生的花鸟画，则是我心头的一抹亮色，充满了生活的温度与诗意。我最喜欢他画的那些生机勃勃的花卉，无论是怒放的牡丹，还是含苞待放的梅花，都被他赋予了独特的灵性。他不仅仅是画出花朵的形态，更是捕捉到了花朵在不同季节、不同光照下的神韵。那层层叠叠的花瓣，细腻的脉络，以及盛开时的那种蓬勃的生命力，都跃然纸上，让人忍不住想要伸手去触摸。他对于色彩的运用也十分讲究，既有浓墨重彩的华丽，也有淡雅清新的素净，但无论哪种风格，都透着一股自然的灵动。而他笔下的鸟儿，更是精巧可爱。它们或是栖息在枝头，或是振翅欲飞，眼神灵动，姿态各异，仿佛随时都会飞出画面。我常常会对着画中的鸟儿发呆，想象它们在枝头窃窃私语，在空中自由翱翔的情景。徐建融先生的花鸟画，让我感受到一种宁静与祥和，也让我对自然万物多了一份温柔的关怀。

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阅读这本《徐建融山水花鸟图册》，不仅仅是欣赏画作，更像是一次与艺术家的心灵对话。我能感受到他将自己对自然的热爱、对生活的感悟，毫无保留地倾注于笔端。他的山水，承载着他对祖国壮丽河山的深情，他画的每一座山，每一条水，似乎都有着他的情感寄托。那些云雾缭绕的山峰，是他对超脱尘世的向往；那些蜿蜒曲折的溪流，是他对人生道路的思考。同样，他的花鸟，也充满了对生命的热爱和对美好事物的赞颂。他画的梅花，是傲雪的坚韧；他画的兰花，是幽谷的清雅；他画的松鹤，是长寿的寓意。每一个笔触，每一处设色，都凝聚着他对传统文化精髓的理解和传承。我反复翻阅，每一次都能发现新的细节，感受到新的意境，仿佛每次阅读都是一次全新的体验。

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我非常欣赏徐建融先生在笔墨上的探索和创新。他的笔墨，既有传统功力，又不拘泥于陈规。在山水画中，他对于皴法的运用，既有传统的斧劈皴、披麻皴，又有自己的独到之处，使得山石的质感更加丰富，肌理更加分明。水墨的浓淡干湿，在他手中变化万千，如同演奏着一曲无声的乐章。在花鸟画中，他对于线条的运用更是达到了炉火纯青的地步。无论是勾勒花瓣的柔美，还是描绘鸟羽的细腻，都充满了力量和韵律感。他的笔墨，既能表现出物体的形态，更能传达出物体的精神，这种“以形写神”的境界，令人赞叹。我经常会尝试临摹一些他画中的笔触，但总觉得难以窥其神髓，这让我更加佩服他的艺术造诣。

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这本图册不仅仅是一本画集，更像是一部关于自然之美的百科全书。通过徐建融先生的画笔，我仿佛与大自然进行了一次亲密的对话。他捕捉到了四季的变化，感受到了风雨的节奏，聆听到了生命的律动。我看到了春日里百花争艳的烂漫，夏日里绿意盎然的生机，秋日里层林尽染的壮美，冬日里傲雪迎霜的坚韧。他的花鸟画，也同样展现了不同生物的生命姿态。无论是翱翔于天际的雄鹰，还是穿梭于花丛的蝴蝶，都被他刻画得栩栩如生，充满了生命力。这种对自然万物的热爱和细腻的观察，使得他的作品充满了感染力，也让我对这个世界多了一份敬畏和热爱。

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这本书的装帧设计也让我印象深刻，厚实的纸张，精美的印刷，让每一幅画作都能以最真实的面貌呈现。翻开书页，指尖触碰到的是油墨的温润，目光捕捉到的是色彩的斑斓。我喜欢这种纸质书籍带来的质感，它让艺术的体验更加具象和实在。徐建融先生的画作，无论是在电脑屏幕上还是在印刷品上，都依然散发着迷人的艺术魅力。但这种实体书的沉甸甸的质感，以及纸张的独特气味，都为欣赏艺术增添了一份仪式感。我常常会找一个安静的午后，泡一杯清茶，伴随着悠扬的音乐，慢慢地品味书中的每一幅作品。这种沉浸式的体验，让我能够真正地进入画家的世界，去感受他所要传达的情感和意境。

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作为一个对中国传统文化有着浓厚兴趣的读者，我在这本《徐建融山水花鸟图册》中，看到了许多熟悉的元素，如诗词、书法，它们与画作相互辉映，共同营造出一种深厚的文化底蕴。许多画作的题款，不仅仅是署名，更是画龙点睛之笔，往往蕴含着画家的创作心境或是对作品的注解，为画面增添了更多的解读维度。这种将诗、书、画融为一体的创作方式，是中国传统绘画的精髓所在，也是徐建融先生艺术造诣的体现。我常常会在欣赏画作的同时，仔细品味题款中的文字，感受其中的韵味，理解画家想要传达的情感。这种多维度的欣赏方式，让艺术的体验更加丰富和深刻。

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扉页上那苍劲有力的“徐建融山水花鸟图册”几个字，便足以让我的目光停留良久。翻开书页，扑面而来的是一股浑厚而又灵动的气息，仿佛穿越了时空的界限，直接触碰到了画家笔下的灵魂。我尤其着迷于徐建融先生对山水的描绘。他笔下的山，不是简单的堆砌，而是富有生命力的呼吸。山峦的起伏，云雾的缠绕，水流的奔腾，都被他捕捉得恰到好处。我常常会想象自己就置身于那山水之间，感受着微风拂过脸颊，倾听着溪水潺潺的低语。他的山水画，既有北派的雄浑大气，又不失南派的细腻温婉，是一种难以言喻的融合，恰如中国传统文化中包容万象的精神。那层次分明的墨色晕染，如同水墨本身在纸上进行着一场无声的对话，时而浓烈如泼墨，时而淡雅如轻烟，勾勒出山脉的巍峨与绵延。而他对于水流的刻画，更是让我惊叹，无论是奔腾的瀑布，还是平静的溪流，都被赋予了动感与生命力，仿佛能听到水流撞击岩石的声响，感受到水珠飞溅的清凉。这种对自然的深刻洞察和艺术化的表达，让我对这位艺术家充满了敬意。

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