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出版者:浙江摄影出版社

作者:薛峰

出品人:

页数:60

译者:

出版时间:2000-4

价格:13.00元

装帧:

isbn号码:9787805367033

丛书系列:

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• 水粉
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艺匠之手：油画肖像的深度探索与技法精进 书籍主题： 专注于油画肖像的创作、材料科学、历史演变及当代实践的综合性指南。 目标读者： 具备一定绘画基础，希望深入研究油画肖像领域，从经典技法到现代表现形式进行系统学习的艺术家、艺术院校学生及高级爱好者。 --- 第一部分：肖像的本质与历史的回响 第一章：肖像的定义与存在的意义 本章将深入探讨肖像画在艺术史中的独特地位。它不仅是记录个体面容的视觉档案，更是承载时代精神、社会阶层观念和艺术家个人哲学思考的载体。我们将分析肖像与历史、文化、心理学之间的复杂关联。讨论“相似性”的层次——从纯粹的物理再现到内在精神的捕捉，如何通过光影、姿态与眼神来构建一个有生命力的形象。 第二章：西方肖像画的黄金时代回顾 我们将系统梳理文艺复兴至19世纪末油画肖像技法的演变脉络。重点分析提香（Titian）对色彩和笔触的革命性运用，伦勃朗（Rembrandt）对光线（Chiaroscuro）的戏剧性掌控，委拉斯开兹（Velázquez）对空气感和瞬时捕捉的精妙处理，以及弗兰西斯·培根（Francis Bacon）对传统肖像的解构与重塑。每一位大师的分析都将结合其代表作的局部放大图，解析其所使用的底层处理、颜料调配和层次叠加的独特“配方”。 第三章：材料的科学与诗意 油画肖像的持久性与表现力，根植于其材料的特性。本章详尽介绍油画媒介的构成：从不同类型的亚麻籽油（冷榨、热榨、 পলিম化处理）、松节油、达玛树脂到各类媒介剂的制作与应用。探讨颜料颗粒度、粘度和干燥速度对最终画面质感的影响。特别关注底层的准备工作——从石膏底到油性底层的处理技术，以及如何通过不同介质的混合来控制颜料的流动性与厚度，为后续的精微刻画打下坚实基础。 --- 第二部分：从二维到三维的结构塑造 第四章：头骨与肌肉的精确解剖学 优秀的肖像始于对人体结构的透彻理解。本章提供详尽的、专为肖像画家设计的解剖学教程。内容涵盖头骨关键测量点、面部肌肉群的起止点、眼眶的深度、鼻软骨的支撑结构。我们将利用透视图和剖面图，演示如何将复杂的生物结构简化为可操作的几何体，确保画家在创作时，即使在光线模糊的情况下，也能准确把握形体的内在支撑和空间关系。 第五章：光影的语言与空间定位 光线是肖像的灵魂。本章专注于光线在面部曲面上的行为模式。细致区分主光、辅光、轮廓光和环境光的作用。通过大量的案例分析，讲解如何利用“边缘光”（Catchlight）和“反光”（Reflected Light）来塑造体积感和赋予眼神以生命力。内容包括“伦勃朗三角光”、“蝴蝶光”等经典布光法的实际操作步骤，以及如何通过环境色的反射来丰富暗部层次，避免“死黑”。 第六章：笔触的力度与纹理的控制 油画肖像的魅力很大程度上体现在笔触的运用上。本章探讨从古典写实主义的“隐藏笔触法”（Blending）到印象派和表现主义中“显性笔触法”（Impasto）的过渡与选择。教授如何根据描绘对象（如皮肤的细腻、头发的蓬松、衣物的粗糙）来调整画笔的类型（貂毛、猪鬃、合成纤维）和运笔的力度与方向，使笔触本身成为传达情感和材质的有效工具。 --- 第三部分：色彩的心理学与高级表现 第七章：肤色的调配与微妙变化 肤色是肖像创作中最具挑战性的部分。本章摒弃简单的“红黄蓝”混合公式，转而深入探讨人类肤色背后的复杂性。分析不同人种肤色的基本色调（暖、冷、中性），以及受年龄、健康状态、血液循环和环境影响产生的瞬时色变。教授如何利用补色关系（如在阴影中使用微弱的蓝或紫）来增强色彩的饱和度和真实感，并讨论“色彩谐波”在面部各区域的自然过渡。 第八章：眼睛的捕捉：心灵的窗口 眼睛是肖像的焦点，也是最难画好的部分。本章将眼睛的描绘分解为多个精确步骤：眼球的球体结构、虹膜的层次纹理、巩膜的微妙暖色调处理，以及最重要的——瞳孔边缘和高光的准确放置。重点讲解如何通过控制高光的形状和位置，来暗示人物的情绪状态（如专注、迷茫或警觉），并探讨如何处理眼周皮肤的褶皱与松弛感。 第九章：从写实到风格化：当代肖像的多元探索 本章超越传统技法，探讨当代艺术家如何运用油画媒介进行非传统肖像创作。内容包括： 1. 简化与抽象： 如何通过大胆的色块和简化结构来捕捉人物的本质。 2. 半透明层叠法（Glazing）： 运用多层透明色釉来达到古典油画中特有的深度和光泽感。 3. 材料的融合： 探讨在油画中结合蜡、沙粒或其他媒介物，以增加画面的触感和叙事性。 4. 数字辅助与油画的结合： 如何利用现代技术辅助构图与色彩预设，再回归传统油画实现最终的艺术表达。 --- 附录：工作室实践与维护 包含肖像画家的安全操作指南、颜料的储存与清洁维护、画框选择的艺术性考量，以及如何进行科学的色彩校准，确保作品在不同光照条件下的色彩一致性。 本书特点： 本书以大量高分辨率的局部细节图和分步分解图为特色，旨在提供一个理论与实践紧密结合的学习路径，帮助读者构建一个坚实的油画肖像创作体系。

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我曾几何时，对水粉静物画的理解仅限于“死物”的堆砌，以为只要画得逼真，就足够了。《图解水粉静物》这本书，彻底颠覆了我的认知。它让我看到了水粉静物画更广阔的可能性，它不仅仅是技巧的展示，更是情感的流露，是艺术家内心世界的映射。书中对于“色彩的情感表达”的深入挖掘，让我意识到，色彩不仅仅是物理的颜色，更是情绪的载体，是思想的传递。我之前画的静物，总感觉缺乏灵魂，而这本书教会我如何通过色彩的搭配、光影的运用，以及笔触的肌理，来赋予画面生命力，让画面能够“说话”。它鼓励我大胆地去尝试，去运用那些我之前不敢使用的颜色，去探索那些我从未想过的组合。我尤其喜欢书中关于“如何处理画面的节奏感”的讲解，它让我意识到，一张好的作品，不仅仅是细节的精美，更重要的是整体的和谐与统一。它教会了我如何通过疏密、虚实、大小等对比关系，来构建出富有韵律感的画面。这本书让我的绘画学习之旅，从技巧的掌握，升华到了艺术的感悟。

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我一直觉得，画画这件事情，最难的就是如何将脑海中的三维世界转化为纸上的二维平面，尤其是当涉及到光影和材质的表现时。这本书在这方面简直是我的救星。它不仅仅是告诉你“如何调出这个颜色”，更深入地探讨了“为什么这个颜色会呈现出这样的变化”。书中关于色彩理论的讲解，非常生动，通过大量的实例，我才真正理解了冷暖色调在画面中的作用，以及如何运用对比色和近似色来增强画面的层次感和空间感。特别是关于如何表现透明材质的剔透感，比如玻璃杯的折射和反光，这本书给出了非常具体的步骤和技巧，让我惊叹于原来只需要掌握几个关键的笔触和色彩运用，就能达到如此逼真的效果。还有对金属质感的刻画，书中展示了如何通过高光和暗部的巧妙处理，让画面中的银器或铜器焕发出金属特有的光泽。我之前总是纠结于如何让我的静物画面看起来有“重量感”和“体积感”，这本书通过对明暗交界线、投影和反光的详细剖析，让我茅塞顿开。它教会了我如何去“读懂”光线，以及如何用画笔去“重塑”光线，从而让我的画面立体起来。这本书的实用性超出了我的预期，它不仅仅是一本画册，更是一本关于视觉语言的教科书。

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这本书的文字描述和图像呈现之间，建立了一种非常完美的平衡。我以往接触过的一些绘画书籍，要么文字过于晦涩难懂，要么图片质量不高，导致我理解起来费力。但《图解水粉静物》在这方面做得非常出色。作者用简洁明了的语言，将复杂的绘画原理娓娓道来，同时配以大量高清晰度的实景照片和绘制过程的局部特写，让每一个学习者都能直观地感受到颜料在纸上的变化，以及不同笔触所带来的效果。我尤其喜欢书中关于“色彩的语言”的解读，它让我意识到，色彩不仅仅是颜色，更是情感的载体，是故事的讲述者。通过对不同颜色组合的尝试，我开始学会如何用色彩来表达我的情绪，如何用画面来传递我想要传达的感受。书中对于“光感的捕捉”的讲解更是让我印象深刻，它让我理解了，光源的强弱、方向以及环境的色彩，都会影响到物体表面的光影变化，而掌握这些变化，是塑造画面真实感和空间感的关键。这本书就像一位循循善诱的老师，它不会直接给你答案，而是引导你去思考，去探索，去发现绘画的乐趣。

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这本书最让我惊喜的是它对于“观察力”的训练。我之前绘画时，总是习惯于凭着记忆或想象来画，结果往往是画面呆板，缺乏生气。而《图解水粉静物》恰恰强调了“从真实事物中学习”的重要性。它鼓励我仔细观察每一个静物的形状、结构、色彩、纹理，以及它们在光线下的变化。书中大量的实物照片，配合详尽的解剖式讲解，让我能够清晰地看到每一个细节是如何构成的，以及艺术家是如何通过笔触将这些细节呈现出来的。我尤其喜欢书中关于“如何捕捉物体的情感”的探讨，它让我意识到，绘画不仅仅是技法的堆砌，更是情感的表达。比如，描绘一个熟透的苹果，不仅仅是画出它的红色和圆形，更要画出它饱满的汁液感，画出它身上那一抹诱人的光泽，让观者能够感受到它散发出的生命力。这本书教会了我如何用一双“艺术家的眼睛”去观察世界，如何从平凡的生活中发现美，并用画笔将其呈现出来。它让我的绘画之旅变得更加深刻和有意义。

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这本书最让我印象深刻的一点是，它不仅仅停留于表面的描绘，而是深入到对物体“内在精神”的挖掘。我曾经以为，画好静物就是把物体画得像，但《图解水粉静物》让我明白，真正的绘画，是能够捕捉到物体背后的生命力和情感。书中对每一个静物的描绘，都充满了情感的注入。比如，描绘一篮成熟的水果，不仅仅是画出它们的外形和色彩，更要画出它们饱含的生命力，画出它们在阳光下散发的诱人气息。它教会了我如何用画笔去“感受”物体，去体会它们在自然界中的状态，并将其转化到纸面上。我尤其喜欢书中关于“如何表现物体的性格”的探讨，它让我意识到，即使是无生命的静物，也都有自己独特的“性格”。比如，一个古朴的陶罐，它的质感、它的磨损痕迹，都诉说着它的故事。这本书鼓励我用画笔去探寻这些故事，去赋予我的画面更深的内涵。我曾经在描绘布料的褶皱时感到很困惑，而这本书通过对“光影在柔软材质上的变化”的详细讲解，让我明白了如何通过微妙的笔触和色彩过渡，来表现布料的柔软和垂坠感。

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我一直认为，优秀的艺术书籍不应该仅仅是“告诉”你答案，而更应该“引导”你找到属于自己的答案。《图解水粉静物》正是这样一本令人着迷的书。它在讲解技法的同时，也非常注重启发读者的创造性思维。书中展示的案例，虽然都有详细的步骤，但绝不鼓励生搬硬套。相反，它鼓励你根据自己的理解和感受，去调整色彩、改变构图、尝试不同的笔触。我特别喜欢它关于“笔触的个性化”的讨论，它让我意识到，每一个画家的笔触都是独一无二的，就像每个人的签名一样。这本书鼓励我大胆地去尝试，去探索最适合自己的表达方式，而不是被任何固定的模式所束缚。它教会了我如何处理画面的“呼吸感”，如何让画面留有想象的空间。我曾经在描绘丝绸的柔滑质感时感到很困惑，而这本书通过对“质感表现”的深入剖析，让我明白了如何利用晕染、叠色以及笔触的虚实变化，来营造出丝绸特有的光泽和垂坠感。这本书不仅提升了我的绘画技能，更重要的是，它点燃了我内心深处的创作热情。

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我一直认为，艺术的魅力在于其无限的可能性，而《图解水粉静物》恰恰展现了这一点。它并没有将水粉静物画定义为一个固定的模式，而是提供了一个广阔的平台，让每一个学习者都能在这个平台上自由发挥。书中涉及的静物题材非常广泛，从日常生活中的瓜果蔬菜，到精致的器皿，再到具有特殊质感的织物，几乎涵盖了所有常见的静物种类。而且，在描绘这些物体时，书中并没有拘泥于写实，而是展现了多种不同的处理手法，有的细腻入微，有的则笔触奔放，充满写意。这让我意识到，艺术创作是没有绝对的对错之分的，关键在于你如何表达。我曾经在尝试描绘玻璃杯时，总是觉得无法捕捉到那种晶莹剔透的感觉，而这本书通过对“透明质感”的分解，让我明白了如何通过高光、反光和微妙的色彩变化来营造出这种效果。此外，书中关于“氛围的营造”的讲解也让我受益匪浅，它教会了我如何通过背景色彩、光影的运用以及笔触的疏密来烘托主体，让整个画面更具感染力。这本书不仅教授我绘画的技法，更激发了我对艺术创作的热情和信心。

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这本书的出现，简直像在我的艺术学习道路上点亮了一盏明灯。作为一个长期以来对水粉画充满热情，却苦于找不到真正适合自己的入门指导的爱好者，我几乎翻遍了市面上所有能找到的相关书籍。很多书要么过于理论化，要么细节讲解不清，要么就是画法风格太过单一，难以融会贯通。但《图解水粉静物》完全不同，它用一种极其直观、易懂的方式，将复杂的水粉技法一一拆解。从最基础的笔触控制、色彩混合，到如何运用不同品牌的颜料、纸张，再到如何根据不同的静物题材，比如玻璃器皿的光泽感、布料的褶皱肌理、水果的饱满质感，都进行了详尽的图文解析。我尤其喜欢书中对“湿画法”和“干画法”的对比讲解，以及在实际案例中如何灵活运用这两种技法来表现不同的体积感和氛围。书中提供的步骤分解图，每一个小小的过渡都清晰可见，让我能够模仿并理解背后的逻辑，而不是盲目地照搬。而且，它并没有局限于某一种特定的风格，而是呈现了多种处理方式，鼓励读者根据自己的理解去发挥，这一点对培养独立思考和创作能力至关重要。这本书不仅仅是教你画什么，更重要的是教你“如何去画”，如何去观察，如何去感受，如何用你的画笔去表达你所看到的一切。它给了我信心，让我觉得即使是没有专业背景的我，也能通过努力和正确的引导，一步步走向精湛的水粉技艺。

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作为一名长年累月在案头前工作的上班族，绘画对我而言更多的是一种放松和精神的寄托。然而，很多时候，我会被复杂的绘画步骤和理论所吓倒，导致热情有余，实践不足。直到我遇见了《图解水粉静物》，我才发现，原来艺术创作可以如此轻松有趣。《图解水粉静物》的排版设计非常人性化，每一页都充满了艺术气息，但又不会让人感到压迫。它采用了一种循序渐进的方式，从最基础的构图原则，到如何选择合适的静物组合，再到具体绘制过程中的每一个细节，都安排得井井有条。我特别欣赏书中对“细节决定成败”的强调，它鼓励我在描绘每一个物体时，都要去观察它的独特性，去捕捉它最细微的特征，比如水果表面的细小纹理，花瓣边缘的微妙变化。书中也提供了很多关于如何克服“画面平淡”的实用建议，比如如何运用色彩的饱和度和明度来制造视觉焦点，如何通过笔触的虚实变化来丰富画面肌理。我之前总觉得自己画的静物缺乏生命力，这本书教会了我如何通过对物体情感的注入，让它们在画面中“活”起来。它不仅仅是教授绘画技巧，更是在传递一种对生活的热爱和对美的追求。

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在我看来，一本好的绘画书籍，应该能够让读者在阅读的过程中，感受到一种“愉悦感”，并且能够持续地保持学习的动力。《图解水粉静物》在这方面做得非常出色。它的语言风格亲切自然，就像和一位经验丰富的老师在对话一样，没有丝毫的生硬和说教。书中穿插的许多关于艺术家创作心得和生活感悟的片段，也为我的绘画之旅增添了不少乐趣和启发。我尤其欣赏书中对于“色彩的情绪”的解读，它让我意识到，色彩不仅仅是视觉上的享受，更是能够触动人心的力量。通过对不同色彩搭配的尝试，我开始学会如何用画面来表达我的喜怒哀乐，如何让我的作品更具感染力。书中关于“构图的韵律”的讲解也让我受益匪浅，它教会了我如何利用视觉引导线、黄金分割点等原理，来构建出和谐而富有吸引力的画面。我曾经在描绘金属器皿的光泽时感到很困难，而这本书通过对“高光和反光的处理”的细致讲解，让我明白了如何通过精准的笔触和色彩，来捕捉金属特有的冷峻与锐利。这本书让我的绘画学习过程变成了一种享受，一种探索未知的旅程。

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