构成艺术与应用

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出版者:天津杨柳青画社书刊编辑出版发行事业部
作者:徐文汉 编
出品人:
页数:95
译者:
出版时间:2000-3
价格:62.00元
装帧:
isbn号码:9787805035093
丛书系列:
图书标签:
  • 构成原理
  • 设计基础
  • 艺术设计
  • 视觉传达
  • 形式美学
  • 平面设计
  • 空间设计
  • 色彩构成
  • 造型艺术
  • 设计应用
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具体描述

《构成艺术与应用》内容简介:构成艺术是一种现代设计观念,是包括平面构成、色彩构成、立体构成的通称,也称“三大构成”。它不是特指某一具体造型艺术和视觉设计,而是对造型艺术、视觉设计中所涉及到的形态、色彩、立体空间以及材料、肌理、质感等课题的基本概念、基本原理、形态的组合规律、造型结构的组织原则、形式语言的表达等进行研究,我们也称之为纯粹构成研究。它抛开应用的功利目的,而探寻形态、色彩、立体空间语言的内在本质表述。由于其完善、科学、系统的研究方法和培养人的创造精神,构成艺术已发展成为设计院校重要的基础课程。另一方面,构成艺术从其产生就和应用设计联系在一起了,我们也称之为目的构成或应用设计构成。构成艺术理论现在已经广泛影响和应用于建筑设计、环艺设计、工业产品设计、日用品设计、展示设计、视觉传达设计、服装设计等领域。

构成之维:空间、材料与形式的交响 一、序曲:从观察到构建的旅程 本书并非聚焦于传统意义上的“艺术构成”理论,它将带领读者踏上一段深入理解物质世界组织逻辑的探索之旅。我们摒弃了对艺术风格流派的刻板划分,转而深入探究构成事物最底层、最基础的“元语言”——即形态的生成、元素的关联以及秩序的建立。 《构成之维》的核心论点在于:无论是宏伟的建筑、精密的机械,还是日常可见的器物乃至抽象的数学模型,其背后都隐藏着一套可以被解构和重组的构成法则。这本书将空间视为画布,将材料视为笔触,将时间视为第四维度的张力,旨在培养读者一种“结构性思维”,使其能超越表象,洞察事物内在的骨架。 我们探讨的“构成”是动态的、流动的,它关乎平衡的实现与打破、节奏的引导与停顿、密度与稀疏的对比。全书的基调是严谨的分析与开放的想象相结合,鼓励读者将理论应用于实际问题,而非仅仅停留在理论的象牙塔内。 二、上篇:物质的语言——基础元素与感知 本篇着重于构成之“形”与“质”。我们不把点、线、面看作抽象的几何符号,而是将其视为能量的载体和视觉的锚点。 第一章:点——存在的最小单位与张力核心。 我们研究点在不同尺度下的功能变化:在微观层面,点是原子团簇的节点;在宏观层面,点是视觉焦点或负空间中的留白。重点分析“点的密度”如何影响区域的重量感和情感基调。 第二章:线——运动的轨迹与边界的界定。 线不仅是连接两点的路径,更是时间的痕迹和力量的指示。章节深入探讨了线的韵律性(如重复、渐变)以及其在三维空间中构建骨架结构的作用,包括如何用线缆、梁柱等构建承重体系,以及在平面设计中用线来划分视觉流向。 第三章:面——界限的确定与环境的界定。 面是二维世界的实体化,是光的接收与反射面。我们详细剖析了面的肌理(Texture)如何传达触觉和心理感受,例如粗糙的混凝土面带来的沉重感与光滑的金属面带来的反射感。此外,还引入了“界定场域”的概念,即面如何围合和定义内部空间。 第四章:体——空间关系的塑造与量感的表达。 实体是构成艺术的最终落脚点。本章超越单纯的几何实体(立方体、球体等),聚焦于“体量感”(Mass)的感知,即我们的眼睛如何衡量一个物体占据了多少空间,以及它是“实体感强”(如花岗岩)还是“虚体感强”(如玻璃幕墙)。对负形空间(Negative Space)的分析也在此处展开,强调空隙对实体本身定义的重要性。 三、中篇:秩序的构建——组织原理与系统生成 如果说上篇是砖块,那么中篇就是粘合剂和蓝图。本篇探讨如何将基础元素组合成一个有意义、有目的的整体。 第五章:节奏与韵律——时间在空间中的投影。 节奏是构成中最具生命力的元素。我们分析了有规律的重复(如拱廊的序列)与非规律的变奏(如有机生长形态)如何引发观众的情绪反应。本章还引入了“断裂与恢复”的机制,探讨不完美节奏在增强整体性中的作用。 第六章:比例与尺度——人类经验的量化。 比例不再仅仅是黄金分割。本章强调尺度的相对性,以及如何利用不同尺度的并置(Juxtaposition)来制造戏剧性或亲密感。对人体尺度(Anthropometry)与建筑尺度(Architectural Scale)的适配性分析是本章的重点。 第七章:平衡与张力——力的相互作用。 我们研究了对称平衡的稳定感与非对称平衡的动态张力。非对称平衡的实现依赖于对元素“视觉重量”的精确估算,即如何用一个小的、高密度的元素平衡一个大的、低密度的元素。本章深入探讨了“悬置”和“倾斜”在构成中制造的心理不适与美感。 第八章:层级与主导性——信息的导航系统。 任何有效的构成都需要一个清晰的焦点。本章讲解了如何通过对比度、位置、大小差异来建立视觉的层次结构,引导观者的目光路径。主导元素不仅是最大的或最亮的,更是与周围环境形成最强烈“对话”的元素。 四、下篇:语境与应用——构成在复杂系统中的体现 本篇将理论框架延伸至实际的、复杂的应用场景,展示构成原理的普适性。 第九章:材料的语境化——触觉与心理的对话。 构成不仅关乎“是什么”,更关乎“用什么构成”。本章探讨材料的天然属性(如木材的温度感、石材的永恒感)如何影响其构成的意义。重点在于材料的连接方式(如榫卯结构与焊接结构)对整体形态和耐久性的决定性影响。 第十、十一章:场域构成——环境的嵌入与反馈。 构成不再是孤立的物体,而是与周围环境(Context)发生作用。我们分析了城市肌理的构成——街道网格、体块关系、视线通廊等,如何形成城市空间感。同时,也探讨了景观构成中,如何利用地形、植被的生长规律来定义空间,实现人造物与自然系统的融合或对比。 第十二章:动态的解构与重组——系统思维的实践。 最后的章节将目光投向时间性、可变性系统。讨论模块化设计(Modular Design)如何通过标准元素的重复组合来应对复杂需求,以及反馈循环(Feedback Loop)在自组织系统中的构成意义。这要求读者将构成视为一个不断演化、自我修正的过程,而非静态的完成品。 结语:超越形式的意图 《构成之维》旨在为读者提供一套强大的分析工具,去审视我们周围的一切——从一张排版精良的文献到一座城市的天际线。这里的构成,是人类意图与物质约束之间永恒的谈判,是理性逻辑与感知体验交织而成的动态平衡。理解了这些“维”,便能更深刻地参与到创造和评判世界构造的过程中去。

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读后感

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用户评价

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在阅读《构成艺术与应用》之前,我总觉得“构成”这个词离我的生活很遥远,似乎是专业设计师才需要掌握的技能。但这本书彻底改变了我的看法。我发现,构成艺术的原理渗透在我们生活的方方面面,从我们选择的衣物搭配,到我们摆放的书籍,乃至我们组织一场聚会的方式,都遵循着某种“构成”的逻辑。 书中对于“节奏”和“对比”的讲解尤其让我着迷。作者通过对不同音乐作品的分析,说明了节奏的运用如何制造出起伏跌宕的听觉感受,并将这种原理巧妙地迁移到视觉构成中。比如,在书的插画和排版上,我开始注意到那些留白的运用,它们就像音乐中的休止符,让视觉元素得以喘息,从而更好地突出主体。而“对比”的应用,则让原本平淡的画面变得生动起来,无论是色彩的冷暖对比,还是形状的方圆对比,都能瞬间抓住观者的注意力。我开始尝试在自己的生活中运用这些原理,比如在整理房间时,我会更有意识地去创造一些视觉上的焦点和层次感。

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这本书简直是打开了我对“构成”这个概念的全新视角。在阅读《构成艺术与应用》之前,我对构成艺术的理解仅停留在一些基础的视觉元素排列组合,比如线条、形状、色彩的搭配,认为它更多的是服务于平面设计或装饰性的层面。然而,随着我深入翻阅这本书,我惊奇地发现,“构成”的本质远比我想象的要深刻和广泛。它不仅仅是美学上的考量,更是一种思维模式,一种构建秩序、创造意义的强大工具。 作者通过大量的案例分析,将构成艺术的应用触角延伸到了建筑、工业设计、甚至社会组织和信息传达等诸多领域。比如,书中对于城市空间的构成分析,让我开始思考我们每天穿梭的街道、广场、建筑群是如何通过一种无形的“构成”逻辑来影响我们的行为和情感的。那些看似随意摆放的座椅、树木,以及不同建筑风格的融合与对比,都在默默地传达着某种秩序和价值观。我开始用“构成”的眼光去审视我身边的环境,原来我们无时无处不生活在由各种元素构成的系统中,而理解这些系统的构成方式,能够帮助我们更好地与之互动,甚至参与到它的优化之中。

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我是一名平面设计师,一直致力于提升自己的作品的视觉表现力。《构成艺术与应用》为我提供了极其宝贵的理论指导和实践灵感。这本书并没有停留于表面化的技巧教授,而是深入探讨了构成艺术背后的哲学思想和心理学原理。 我特别欣赏书中关于“统一”与“多样性”之间平衡的论述。作者指出,一个成功的构成作品,既需要所有元素之间存在某种内在的联系,形成整体的统一感,又不能过于单调,而需要通过多样性的元素来增加画面的趣味性和层次感。书中通过对一些标志性品牌视觉形象的分析,清晰地展现了这种平衡是如何实现的。这让我反思自己过往的设计作品,是否过于强调某种单一的视觉语言,而忽略了与观者之间的情感连接。这本书不仅提升了我对“美”的理解,更重要的是,它帮助我建立了一种更成熟、更富有深度的设计方法论。

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从一个普通读者的角度来看,《构成艺术与应用》的语言风格非常亲切,没有那种令人望而生畏的学术腔调。作者就像一位循循善诱的长者,用充满智慧和趣味的方式,将构成艺术的精髓娓娓道来。 我被书中关于“强调”和“动势”的章节深深吸引。作者解释了如何通过元素的排列、大小、色彩等方面的变化,来引导观者的视线,突出画面的重点。这不仅仅是技术层面的指导,更是关于如何与观者进行有效沟通的艺术。我开始注意到,在一些电影海报或者广告宣传中,那些能够迅速抓住我眼球的设计,正是巧妙地运用了“强调”的技巧。同时,书中关于“动势”的分析,也让我理解了画面中元素的流动感是如何产生的,以及它如何影响观者的情绪。这本书就像一个宝库,为我提供了源源不断的灵感,让我对视觉世界有了更深刻的认识。

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我一直对艺术理论性的书籍感到有些畏惧,总觉得它们晦涩难懂,充满了遥远的学术术语。《构成艺术与应用》完全打破了我的这种顾虑。这本书的写作风格非常生动且具有启发性,作者仿佛是一个经验丰富的导游,带着我一步步探索构成艺术的迷人世界。他并没有直接抛出枯燥的理论,而是通过一个个引人入胜的故事和具体的实例,将抽象的概念具象化。 例如,在讲解“平衡”这一构成原则时,作者并没有简单地给出数学公式或者理论定义,而是引用了几个不同时代、不同文化背景下的艺术作品,并细致地剖析了它们是如何通过视觉重量的分配来实现平衡感,有时是对称的稳定,有时是“动态平衡”的张力。这让我意识到,平衡不仅仅是视觉上的和谐,更是一种心理上的感受,一种力量的均衡。读到这里,我脑海中闪过许多与此相关的经验,比如在居家布置中,我总是会下意识地调整家具的摆放,来营造一种舒适感,而现在我知道,这背后其实就是“构成”的原则在起作用。

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我一直对色彩理论很感兴趣,也读过不少关于色彩的书籍,但《构成艺术与应用》从“构成”的角度来解析色彩,给了我耳目一新的感觉。作者不仅仅停留在对色彩属性(色相、饱和度、明度)的介绍,而是深入探讨了色彩在构成关系中的作用。 书中关于“色彩的构成”的章节,让我明白了色彩是如何通过并置、对比、渐变等方式来产生视觉冲击力,以及如何通过色彩的统一性来构建整体的和谐感。例如,作者用几个简单的色块组合,就生动地展示了冷暖色调的对比如何制造出空间感和视觉深度。这让我开始重新审视我所接触到的各类视觉作品,那些令人印象深刻的色彩搭配,背后往往蕴含着精妙的构成原理。这本书让我对色彩有了更深层次的理解,也为我未来的色彩运用提供了更科学、更有力的指导。

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作为一个对艺术史略有涉猎的读者,我惊喜地发现《构成艺术与应用》将构成艺术的演变过程与历史背景巧妙地结合起来,让历史变得鲜活起来。作者并没有将构成艺术视为一个孤立的概念,而是追溯了它从早期人类的图腾符号,到现代主义设计运动,再到当下的跨领域应用的发展脉络。 我特别对书中关于“秩序”与“混乱”在构成中的辩证关系的探讨印象深刻。作者指出,构成艺术的魅力在于它能够在看似的混乱中找到秩序,或者在僵化的秩序中注入新的活力。通过对比不同历史时期的艺术风格,我看到了构成思想是如何随着时代的变迁而不断发展和演变的。这本书不仅拓宽了我的艺术视野,更重要的是,它让我看到了人类文明在不断追求秩序和意义的道路上,构成艺术所扮演的重要角色。它让我反思,我们如何在这个信息爆炸、快速变化的时代,利用构成的方式来为我们的生活和工作创造更多清晰度和意义。

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我是一名正在学习工业设计的学生,一直渴望找到一本能够系统性地指导我如何进行产品“构成”的书籍。《构成艺术与应用》可以说是我近期最满意的一本专业读物。书中对于产品设计的构成思考,从人体工程学、功能性布局到材质的运用和整体的视觉语言,都有非常深入的阐述。 我尤其对其中关于“比例”和“韵律”的章节印象深刻。作者用简洁明了的语言解释了黄金比例、斐波那契数列在产品设计中的应用,但更重要的是,他强调了这些比例并非僵化的规则,而是可以根据具体产品的功能和美学需求进行灵活调整和创新的。通过对不同成功产品的剖析,我看到了这些构成原则如何被巧妙地运用,使得产品既具有实用性,又不失艺术美感。这本书帮助我建立了一种更全面的设计思维,让我不再局限于单一的功能考量,而是能够从整体的构成关系去思考产品的生命力。

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《构成艺术与应用》是一本极其适合初学者入门的书籍,但同时,它也为资深从业者提供了新的思考维度。我尤其欣赏作者在处理“形式追随功能”这一经典命题时所展现出的 nuanced approach。 书中并没有将形式与功能割裂开来,而是强调了它们之间相互依存、相互促进的关系。作者通过对许多经典产品的分析,说明了优秀的设计是如何在满足功能需求的同时,通过精巧的形式构成来提升产品的附加值,甚至反过来,优秀的形式构成本身也能成为一种功能,例如,通过特定的形状设计来增强产品的易握持性或操作的便捷性。这让我意识到,构成不仅仅是为了美观,更是为了更好地实现产品的价值。这本书帮助我建立了一种更 holistic 的设计观,让我不再为形式而形式,而是为整体的价值而构成。

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我一直认为,艺术创作的源头在于对生活细致的观察和感悟。《构成艺术与应用》正是这样一本鼓励读者去发现和理解生活之美的书籍。作者通过大量的实例,展示了构成艺术如何在不经意间存在于我们身边,并且能够为我们的生活增添更多的色彩和意义。 我尤其喜欢书中关于“留白”的章节。在许多亚洲的艺术传统中,“留白”被视为一种重要的构成元素,它不仅仅是空虚,更是充满了无限的可能性。作者将这一概念与西方构成艺术中的“负空间”相结合,阐述了留白在营造意境、引导视线、甚至传递情感方面的作用。读完这一章,我突然明白了为什么有些画面会让我感到宁静和舒适,原来是那些巧妙的“留白”在发挥作用。这本书让我学会了用一种更开放、更包容的心态去欣赏艺术,也更加珍视生活中那些看似微不足道的细节。

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